Découvrir l'art unique d'Imari derrière les portes du musée

De nombreuses pièces de céramique japonaise sont conservées comme œuvres d'art dans les musées, et parmi elles, les pièces connues sous le nom de « Ko-Imari » sont particulièrement appréciées.

Le « ko » dans Ko-Imari signifie « ancien » en japonais, et désigne les céramiques Imari produites durant la période Edo (1603-1867). À l'étranger, on les appelle parfois « Old Imari ».

La région qui a donné naissance aux céramiques Imari correspond aujourd'hui aux préfectures de Saga et Nagasaki. Encore aujourd'hui, dans ces régions, on produit des céramiques inspirées des motifs de Ko-Imari, qui continuent de captiver. Dans cet article, j'explore leur attrait.

Pour voir des Ko-Imari en tant qu'œuvres d'art, j'ai visité une exposition spéciale au musée d'art Matsuoka intitulée « Céramiques de la période Edo : exposition Ko-Imari ». Le musée se trouve à environ sept minutes à pied de la gare de Shirokanedai, dans l'arrondissement de Minato à Tokyo. Il occupe un quartier calme entouré de verdure, avec un parc appelé « Institute for Nature Study » visible en arrière-plan. Ce musée privé s'inscrit dans cet environnement verdoyant.

L'emplacement était à l'origine la résidence du premier directeur et fondateur du musée, Seijiro Matsuoka. Passionné de calligraphie, de peinture et d'antiquités depuis sa jeunesse, il a consacré près d'un demi-siècle à constituer une vaste collection. Approchant de ses 80 ans, il a commencé à penser : « Les œuvres d'art exceptionnelles doivent être rendues publiques afin que le plus grand nombre d'amateurs d'art puisse en profiter. Les pièces de valeur académique doivent servir de matériel de recherche pour les experts et les jeunes chercheurs. C'est seulement ainsi que mes années de collection auront un véritable sens. » Avec cette conviction, il a décidé de fonder le musée. Toutes les œuvres exposées ici ont été rassemblées par Matsuoka de son vivant, et les céramiques représentent environ un tiers de l'ensemble de la collection.

Dans cette exposition spéciale, 49 pièces étaient présentées, représentant quatre styles de céramiques Imari de la période Edo. On y trouvait d'abord le style Kakiemon, suivi du style Kinrande, du style ko-Kutani et du style Nabeshima. Allons maintenant à la rencontre de ces trésors Ko-Imari que l'on ne peut voir qu'ici.

Dès l'entrée dans la salle d'exposition, vous êtes accueilli par un ensemble de vases, de services à thé et d'autres objets, tous accompagnés d'une explication sur le style Kakiemon. L'élégance des pièces, ornées de peintures rouges sur porcelaine d'un blanc éclatant, frappe particulièrement.

Ko-Imari a été activement exporté à l'étranger à partir du milieu du XVIIe siècle pendant environ 100 ans. Le style Kakiemon a été développé pour répondre aux normes de qualité strictes exigées par la Compagnie néerlandaise des Indes orientales et conçu pour plaire aux goûts de la noblesse européenne. Le nom « Kakiemon » vient de Sakaida Kakiemon, le premier Kakiemon qui a développé la technique de peinture rouge.

Les motifs sont des compositions asymétriques représentant des personnages chinois, des oiseaux et des fleurs. Sur le premier vase exposé, par exemple, on voit des personnages chinois tenant des parapluies. L'œuvre délicate met en valeur la porcelaine unique d'un blanc laiteux — connue sous le nom de « Nigoshide » — et remplit l'espace avec beauté, exprimant une esthétique proprement japonaise.

Une caractéristique distinctive des céramiques Kakiemon est que les vases et bouteilles sont façonnés à partir de plaques d'argile plutôt que tournés au tour. Un vase hexagonal, semblable à celui illustré, faisait également partie de la collection de porcelaines orientales que Marie II d'Angleterre a constituée aux Pays-Bas. Il porte le nom de « vase de Hampton Court » d'après le palais où il est conservé.

On dit que des cruches à vin comme celle de cette photo n'ont été produites que pendant une brève période initiale d'exportation, du milieu du XVIIe siècle jusqu'à ce que le vin commence à être mis en bouteilles de verre scellées avec des bouchons de liège. Comme le premier pot, cette cruche présente également des personnages tenant des parapluies.

Après l'exposition Kakiemon, venait ensuite le style « Kinrande », qui signifie « brocart d'or ». À l'origine, Kinrande désigne un type de porcelaine fabriqué à Jingdezhen durant la dynastie Ming en Chine, caractérisé par un fond rouge avec application d'or. Ce style a attiré l'attention des maîtres de thé japonais et a rapidement gagné en popularité auprès des riches au Japon. Capitalisant sur cette popularité, la production de céramiques dans le style Kinrande a commencé à Arita, au Japon, dans les années 1690, inspirée de la version chinoise. Ces céramiques éblouissantes, richement ornées de bleu sous couverte, d'émaux sur couverte et d'or, ont été produites pour les marchés domestique et étranger. Avec le temps, l'accent des exportations s'est déplacé du style Kakiemon vers le style Kinrande. Certaines des céramiques réalisées dans ce style étaient connues sous le nom de « Old Japan » en Europe et sont devenues des articles populaires.

En voyant les pièces réelles, vous remarquerez peut-être que la forte impression d'or suggérée par le nom s'est atténuée avec le temps. À la place, le contraste entre les couleurs rouge et bleu marine laisse une impression beaucoup plus forte, renforcée par des motifs audacieux qui dégagent une aura puissante.

Il semble que des ensembles impairs de ces grands pots et vases cylindriques étaient exposés dans les palais et résidences nobles de l'époque. Une photographie placée en bas à droite de l'exposition montre cette disposition. L'échelle grandiose de ces œuvres indique remarquablement qu'il s'agit d'exportations.

Au premier regard, j'ai pensé qu'il s'agissait d'un bol pour plats mijotés, mais il s'est avéré que c'était une tasse et une soucoupe pour chocolat chaud. J'ai appris que le couvercle et la forme élancée ont été astucieusement conçus pour convenir à la consommation de chocolat chaud. L'usage inattendu n'est pas immédiatement évident, ce qui m'a poussé à m'arrêter et à regarder de plus près pendant l'explication.

La porcelaine Kutani, actuellement produite dans la préfecture d'Ishikawa, hérite des motifs de ce qu'on appelle « Ko-Kutani ». Pendant longtemps, l'origine de la porcelaine Kutani a fait l'objet de débats. Cependant, des recherches récentes suggèrent que les assiettes aux motifs Ko-Kutani ont en réalité été fabriquées dans la région de Hizen. Des institutions publiques comme le Musée national de Tokyo utilisent le terme « style Ko-Kutani d'Imari », et le Musée d'art Matsuoka expose également des pièces avec cette compréhension. Le style Ko-Kutani serait la première porcelaine émaillée sur couverte à circuler au Japon.

La palette de bleu (vert), jaune, rouge, violet et bleu foncé est globalement assez sobre. La richesse de ses idées de conception et l'art de sa composition continuent de captiver ceux qui la voient encore aujourd'hui.

Un bol splendide aux verts et jaunes vibrants était exposé dans une vitrine. Ce contraste de couleurs, ce motif géométrique traditionnel et cette composition audacieuse ont un impact rappelant l'ukiyoe et un aspect quelque peu moderne.

La porcelaine de style Nabeshima, souvent désignée comme « l'apogée de la peinture sur couverte », était produite dans des fours directement supervisés par le domaine Nabeshima de Saga. Créées sans considération de rentabilité, ces céramiques étaient si exclusives qu'elles étaient destinées uniquement aux offrandes au shogun, aux cadeaux pour divers seigneurs féodaux et nobles de la cour, et à l'usage personnel du seigneur du domaine. Les pièces peintes sur couverte sont également connues sous le nom d'« Iro-Nabeshima (Nabeshima coloré) », et présentent une palette de quatre couleurs composée de bleu sous couverte, et de rouge, vert et jaune sur couverte. Élégamment peintes de flore et faune, de paysages, de motifs évoquant des gemmes et de motifs géométriques, elles sont souvent considérées comme des chefs-d'œuvre d'art décoratif.

Toutes les pièces exposées ici ont des formes similaires, ce qui facilite la distinction des différences de style. Elles partagent des éléments communs tels qu'un motif en peigne sur le pied et de fines lignes bleues sous couverte. Malgré la peinture vibrante sur couverte, le bleu sous couverte sert de fondation au décor, conférant aux pièces une présence rafraîchissante et digne.

La porcelaine Nabeshima possède un niveau extraordinaire d'élégance et de flamboyance, dégageant une présence digne de vaisselle appréciée par les seigneurs féodaux. Le fait que les maîtres artisans de l'époque aient été rassemblés pour créer ces pièces en dit long. On peut discerner les niveaux inégalés de compétence technique et d'ingéniosité artistique qui ont présidé à leur création.

Ma journée passée au Musée d'art Matsuoka a été une expérience enrichissante qui m'a permis de plonger profondément dans l'univers du Ko-Imari, une facette précieuse de l'art japonais. Au milieu d'un ensemble de céramiques complexes, je me suis retrouvée captivée, comme si j'avais découvert une réponse nuancée à la question de savoir pourquoi le Ko-Imari exerce un attrait si durable sur tant de personnes. L'impact sensoriel pur de ces pièces — inaccessible par les photographies ou les descriptions littéraires seules — a été véritablement révélateur. L'authenticité de leurs dimensions, la vivacité de leurs couleurs, l'élégance de leurs motifs, le travail méticuleux et leur présence saisissante lorsqu'elles sont exposées, tout prend vie lorsqu'on les observe en personne. J'ai ressenti un sentiment palpable de continuité, un héritage vivant de ces principes artistiques se prolongeant dans l'art céramique contemporain. Si l'occasion se présente, je recommande vivement une visite pour vous immerger dans les chefs-d'œuvre Ko-Imari qui ne peuvent être pleinement appréciés que dans les salles respectueuses d'un musée d'art. Là, vous pourrez vivre intimement à la fois la beauté captivante et la riche histoire de ces œuvres remarquables.