Discovering Unique Imari Artistry Behind Museum Doors

De nombreuses pièces de céramique japonaise sont conservées comme œuvres d'art dans les musées, et parmi elles, les pièces connues sous le nom de « Ko-Imari » sont particulièrement populaires.

Le « ko » de Ko-Imari signifie « ancien » en japonais et fait référence à la céramique Imari fabriquée à l'époque d'Edo (1603-1867) . À l'étranger, on l'appelle parfois « ancien Imari » .

La région qui a donné naissance à la céramique d'Imari est celle que l'on appelle aujourd'hui les préfectures de Saga et de Nagasaki. Aujourd'hui encore, des céramiques inspirées des motifs de Ko-Imari y sont produites, captivant sans cesse les visiteurs. Dans cet article, je souhaite explorer leur attrait.

Pour admirer les œuvres d'art Ko-Imari en personne, j'ai visité une exposition spéciale au Musée d'Art de Matsuoka intitulée « Céramiques de l'époque d'Edo : Exposition Ko-Imari » . Le musée est situé à environ sept minutes à pied de la gare de Shirokanedai, dans l'arrondissement de Minato à Tokyo. Il est situé dans un quartier calme, au cœur d'un environnement luxuriant, avec un parc appelé « Institut d'Étude de la Nature » en arrière-plan. Ce musée privé est construit dans ce cadre verdoyant.

Ce lieu était à l'origine la résidence du premier directeur et fondateur du musée, Seijiro Matsuoka. Passionné de calligraphie, de peinture et d'antiquités dès son plus jeune âge, il a consacré près d'un demi-siècle à constituer une vaste collection. À l'approche de ses 80 ans, il a commencé à réfléchir : « Les œuvres d'art exceptionnelles devraient être rendues publiques afin que le plus grand nombre possible d'amateurs d'art puissent en profiter. Les objets de valeur académique devraient servir de supports de recherche aux experts et aux futurs chercheurs. Ce n'est qu'à ce moment-là que mes années de collection auront une réelle signification.  » C'est dans cet esprit qu'il a décidé de créer le musée. Toutes les œuvres d'art exposées ici ont été collectionnées par Matsuoka de son vivant, et les céramiques représentent à elles seules environ un tiers de la collection.

Cette exposition spéciale présentait 49 pièces, représentant quatre styles de céramique Imari de l'époque d'Edo. Le style Kakiemon a débuté, suivi du style Kinrande, du style Ko-Kutani et du style Nabeshima. Découvrons maintenant les précieuses pièces Ko-Imari, admirées exclusivement ici.

Dès l'entrée dans la salle d'exposition, on est accueilli par une collection de vases, de services à thé et autres objets, le tout accompagné d'explications sur le style Kakiemon. L'élégance des pièces, ornées de peintures rouges sur porcelaine d'un blanc éclatant, est particulièrement saisissante.

Le Ko-Imari fut activement exporté à l'étranger à partir du milieu du XVIIe siècle pendant près d'un siècle. Le style Kakiemon fut développé pour répondre aux normes de qualité strictes exigées par la Compagnie néerlandaise des Indes orientales et pour satisfaire les goûts de la noblesse européenne. Le nom « Kakiemon » vient de Sakaida Kakiemon, la première génération de Kakiemon à avoir développé la technique de la peinture rouge.

Les motifs sont des dessins asymétriques représentant des figures chinoises, des oiseaux et des fleurs. Sur le premier vase exposé, par exemple, des Chinois tenant des ombrelles sont représentés. Ce délicat travail artistique met en valeur la porcelaine blanche laiteuse unique–appelée « Nigoshide » –et remplit magnifiquement l'espace, exprimant une esthétique japonaise unique.

L'une des particularités de la céramique Kakiemon est que les vases et les bouteilles sont fabriqués à partir de plaques d'argile plutôt que tournés au tour. Un vase hexagonal, semblable à celui illustré, faisait également partie de la collection de porcelaines orientales que Marie II d'Angleterre avait constituée aux Pays-Bas. Il est baptisé « Vase de Hampton Court » , d'après le palais où il se trouve.

On raconte que les cruches à vin comme celle de cette photo n'ont été produites que pendant une brève période d'exportation, à partir du milieu du XVIIe siècle, jusqu'à ce que le vin commence à être mis en bouteille dans des récipients en verre scellés avec des bouchons de liège. Semblable à la première jarre, cette cruche présente également des personnages tenant des parapluies.

Après l'exposition Kakiemon, c'était au tour du style « Kinrande » , signifiant « brocart d'or » . À l'origine, le Kinrande désigne un type de porcelaine fabriqué à Jingdezhen sous la dynastie Ming en Chine, caractérisé par un fond rouge orné d'appliqués d'or. Ce style a séduit les maîtres de thé japonais et a rapidement conquis la haute société du Japon.

Profitant de cet engouement, la production de céramiques de style Kinrande débuta à Arita, au Japon, dans les années 1690, inspirée du modèle chinois. Ces céramiques resplendissantes, richement ornées de bleu sous couverte, d'émaux sur couverte et d'or, étaient destinées aux marchés nationaux et internationaux. Au fil du temps, les exportations se concentrèrent davantage sur le style Kinrande que sur le style Kakiemon. Certaines de ces céramiques, connues en Europe sous le nom de « Vieux Japon » , connurent un grand succès.

En observant les pièces, vous remarquerez peut-être que l'impression dorée intense suggérée par le nom s'est atténuée avec le temps. Le contraste entre les couleurs rouge et bleu marine crée une impression beaucoup plus forte, sublimée par des motifs audacieux qui dégagent une aura puissante.

Il semble que d'étranges ensembles de ces grandes jarres et vases cylindriques aient été exposés dans les palais et les résidences nobles de l'époque. Une photographie, placée en bas à droite de l'exposition, illustre cet arrangement. La taille imposante de ces œuvres est un remarquable indice de leur exportation.

Au premier coup d'œil, j'ai cru qu'il s'agissait d'un bol pour mijoter, mais il s'agissait en réalité d'une tasse et d'une soucoupe pour le chocolat chaud. J'ai appris que le couvercle et la forme élancée avaient été intelligemment conçus pour la consommation de chocolat chaud. Son utilité inattendue n'est pas immédiatement évidente, ce qui m'oblige à m'arrêter et à l'examiner de plus près pendant qu'on m'explique.

La faïence Kutani, actuellement produite dans la préfecture d'Ishikawa, hérite des motifs dits « Ko-Kutani » . Longtemps, l'origine de cette faïence a fait débat. Cependant, des recherches récentes suggèrent que les assiettes ornées du décor Ko-Kutani étaient en réalité fabriquées dans la région de Hizen. Des institutions publiques comme le Musée national de Tokyo utilisent l'appellation « style Imari Ko-Kutani » , et le Musée d'art de Matsuoka expose également des pièces relevant de cette appellation. Le style Ko-Kutani est considéré comme la première porcelaine émaillée sur glaçure à avoir circulé en Chine.

La palette de couleurs, composée de bleu (vert) , de jaune, de rouge, de violet et de bleu foncé, est globalement assez sobre. La richesse de ses idées de design et la finesse de sa composition continuent de captiver ceux qui la contemplent encore aujourd'hui.

Un magnifique bol aux verts et jaunes éclatants était exposé dans une vitrine. Ce contraste de couleurs, ce motif géométrique traditionnel et cette composition audacieuse lui confèrent un style ukiyo-e et une allure quelque peu moderne.

La porcelaine de style Nabeshima, souvent considérée comme le summum de la décoration sur émail, était produite dans des fours directement gérés par le domaine de Saga Nabeshima. Créées sans aucune considération de rentabilité, ces céramiques étaient si exclusives qu'elles étaient exclusivement destinées aux offrandes faites au shogun, aux présents offerts aux seigneurs féodaux et aux nobles de la cour, ainsi qu'à l'usage personnel du seigneur du domaine.

Ces pièces à décor sur émail, également appelées « Iro-Nabeshima » (Nabeshima colorées) , présentent une palette de quatre couleurs : bleu sous émail et rouge, vert et jaune sur émail. Élégamment peintes de motifs de faune et de flore, de paysages, de motifs géométriques et de pierres précieuses, elles sont souvent considérées comme des chefs-d'œuvre des arts décoratifs.

Toutes les pièces exposées ici présentent des formes similaires, ce qui facilite la distinction des différences de style. Elles partagent des éléments communs, tels qu'un motif en peigne sur le pied et de fines lignes bleues sous couverte. Malgré la vivacité de la peinture sur couverte, le bleu sous couverte sert de base au décor, conférant aux pièces une présence à la fois fraîche et digne.

La faïence de Nabeshima se distingue par une élégance et un faste exceptionnels, dégageant une présence digne des pièces prisées des seigneurs féodaux. Le fait que des maîtres artisans de l'époque aient été réunis pour créer ces pièces est révélateur. On perçoit le niveau inégalé de savoir-faire technique et d'ingéniosité artistique déployé pour leur fabrication.

Ma journée au Musée d'Art de Matsuoka fut une expérience enrichissante qui m'a permis de me plonger dans l'univers du Ko-Imari, une facette précieuse de l'art japonais. Au milieu d'une collection de céramiques complexes, je me suis sentie fascinée, comme si j'avais trouvé une réponse nuancée à la question de savoir pourquoi le Ko-Imari exerce un tel attrait sur tant de personnes. L'impact sensoriel de ces pièces, inaccessible à la simple photographie ou à la simple description littéraire, était véritablement révélateur. L'authenticité de leurs dimensions, l'éclat de leurs couleurs, l'élégance de leurs motifs, la minutie de leur fabrication et leur présence saisissante lorsqu'elles sont exposées, tout cela prend vie lorsqu'on les regarde en personne. J'ai ressenti un sentiment palpable de continuité, une lignée vivante de ces principes artistiques transposés dans l'art céramique contemporain.

Si l'occasion se présente, je recommande vivement une visite pour s'immerger dans les chefs-d'œuvre de Ko-Imari, qui ne peuvent être pleinement appréciés que dans le cadre solennel d'un musée d'art. Vous pourrez alors vivre de près la beauté captivante et la riche histoire de ces œuvres remarquables.