Discovering Unique Imari Artistry Behind Museum Doors

De nombreuses pièces de céramique japonaise sont conservées comme œuvres d'art dans les musées, et parmi elles, les pièces connues sous le nom de « Ko-Imari » sont particulièrement populaires.

Le « ko » de Ko-Imari signifie « ancien » en japonais et fait référence à la céramique Imari fabriquée à l'époque d'Edo (1603-1867) . À l'étranger, on l'appelle parfois « ancien Imari » .

La région qui a donné naissance à la céramique d'Imari est celle que l'on appelle aujourd'hui les préfectures de Saga et de Nagasaki. Aujourd'hui encore, des céramiques inspirées des motifs de Ko-Imari y sont produites, captivant sans cesse les visiteurs. Dans cet article, je souhaite explorer leur attrait.

Pour admirer les œuvres d'art Ko-Imari en personne, j'ai visité une exposition spéciale au Musée d'Art de Matsuoka intitulée « Céramiques de l'époque d'Edo : Exposition Ko-Imari » . Le musée est situé à environ sept minutes à pied de la gare de Shirokanedai, dans l'arrondissement de Minato à Tokyo. Il est situé dans un quartier calme, au cœur d'un environnement luxuriant, avec un parc appelé « Institut d'Étude de la Nature » en arrière-plan. Ce musée privé est construit dans ce cadre verdoyant.

Ce lieu était à l'origine la résidence du premier directeur et fondateur du musée, Seijiro Matsuoka. Passionné de calligraphie, de peinture et d'antiquités dès son plus jeune âge, il a consacré près d'un demi-siècle à constituer une vaste collection. À l'approche de ses 80 ans, il a commencé à réfléchir : « Les œuvres d'art exceptionnelles devraient être rendues publiques afin que le plus grand nombre possible d'amateurs d'art puissent en profiter. Les objets de valeur académique devraient servir de supports de recherche aux experts et aux futurs chercheurs. Ce n'est qu'à ce moment-là que mes années de collection auront une réelle signification.  » C'est dans cet esprit qu'il a décidé de créer le musée. Toutes les œuvres d'art exposées ici ont été collectionnées par Matsuoka de son vivant, et les céramiques représentent à elles seules environ un tiers de la collection.

Cette exposition spéciale présentait 49 pièces, représentant quatre styles de céramique Imari de l'époque d'Edo. Le style Kakiemon a débuté, suivi du style Kinrande, du style Ko-Kutani et du style Nabeshima. Découvrons maintenant les précieuses pièces Ko-Imari, admirées exclusivement ici.

Dès l'entrée dans la salle d'exposition, vous serez accueilli par une multitude de vases, de services à thé et autres objets, tous accompagnés d'une explication du style Kakiemon. L'élégance des pièces, avec leurs peintures rouges sur porcelaine blanche éclatante, est particulièrement saisissante.

Le Ko-Imari fut activement exporté à l'étranger à partir du milieu du XVIIe siècle pendant près d'un siècle. Le style Kakiemon fut développé pour répondre aux normes de qualité strictes exigées par la Compagnie néerlandaise des Indes orientales et pour satisfaire les goûts de la noblesse européenne. Le nom « Kakiemon » vient de Sakaida Kakiemon, la première génération de Kakiemon à avoir développé la technique de la peinture rouge.

Les motifs sont des dessins asymétriques représentant des figures chinoises, des oiseaux et des fleurs. Sur le premier vase exposé, par exemple, des Chinois tenant des ombrelles sont représentés. Ce délicat travail artistique met en valeur la porcelaine blanche laiteuse unique–appelée « Nigoshide » –et remplit magnifiquement l'espace, exprimant une esthétique japonaise unique.

L'une des particularités de la céramique Kakiemon est que les vases et les bouteilles sont fabriqués à partir de plaques d'argile plutôt que tournés au tour. Un vase hexagonal, semblable à celui illustré, faisait également partie de la collection de porcelaines orientales que Marie II d'Angleterre avait constituée aux Pays-Bas. Il est baptisé « Vase de Hampton Court » , d'après le palais où il se trouve.

On raconte que les cruches à vin comme celle de cette photo n'ont été produites que pendant une brève période d'exportation, à partir du milieu du XVIIe siècle, jusqu'à ce que le vin commence à être mis en bouteille dans des récipients en verre scellés avec des bouchons de liège. Semblable à la première jarre, cette cruche présente également des personnages tenant des parapluies.

Après l'exposition Kakiemon, l'exposition suivante était celle du style « Kinrande » , qui signifie « brocart d'or » . À l'origine, le style Kinrande désignait un type de porcelaine fabriqué à Jingdezhen sous la dynastie Ming, en Chine, avec un fond rouge et des applications d'or. Ce style a attiré l'attention des maîtres du thé japonais et a rapidement gagné en popularité auprès des riches Japonais.

Profitant de cette popularité, la production de céramiques de style Kinrande débuta à Arita, au Japon, dans les années 1690, inspirée de la version chinoise. Ces céramiques éblouissantes, richement ornées de bleu sous glaçure, d'émaux sur glaçure et d'or, étaient produites pour les marchés nationaux et étrangers. Au fil du temps, l'accent des exportations se déplaça du style Kakiemon vers le style Kinrande. Certaines céramiques de ce style furent surnommées « Vieux Japon » en Europe et devinrent des objets populaires.

En observant les pièces, vous remarquerez peut-être que l'impression dorée intense suggérée par le nom s'est atténuée avec le temps. Le contraste entre les couleurs rouge et bleu marine crée une impression beaucoup plus forte, sublimée par des motifs audacieux qui dégagent une aura puissante.

Il semble que d'étranges ensembles de ces grandes jarres et vases cylindriques aient été exposés dans les palais et les résidences nobles de l'époque. Une photographie, placée en bas à droite de l'exposition, illustre cet arrangement. La taille imposante de ces œuvres est un remarquable indice de leur exportation.

Au premier coup d'œil, j'ai cru qu'il s'agissait d'un bol pour mijoter, mais il s'agissait en réalité d'une tasse et d'une soucoupe pour le chocolat chaud. J'ai appris que le couvercle et la forme élancée avaient été intelligemment conçus pour la consommation de chocolat chaud. Son utilité inattendue n'est pas immédiatement évidente, ce qui m'oblige à m'arrêter et à l'examiner de plus près pendant qu'on m'explique.

La céramique de Kutani, actuellement produite dans la préfecture d'Ishikawa, hérite des motifs de ce que l'on appelle le « Ko-Kutani » . L'origine de la céramique de Kutani a longtemps fait l'objet de débats. Cependant, des recherches récentes suggèrent que les assiettes ornées du motif Ko-Kutani ont en réalité été fabriquées dans la région de Hizen. Des institutions publiques comme le Musée national de Tokyo utilisent le terme « style Imari Ko-Kutani » , et le Musée d'art de Matsuoka expose également des pièces de ce style. Le style Ko-Kutani serait la première porcelaine émaillée sur glaçure à circuler dans le pays.

La palette de couleurs, composée de bleu (vert) , de jaune, de rouge, de violet et de bleu foncé, est globalement assez sobre. La richesse de ses idées de design et la finesse de sa composition continuent de captiver ceux qui la contemplent encore aujourd'hui.

Un magnifique bol aux verts et jaunes éclatants était exposé dans une vitrine. Ce contraste de couleurs, ce motif géométrique traditionnel et cette composition audacieuse lui confèrent un style ukiyo-e et une allure quelque peu moderne.

La porcelaine de style Nabeshima, souvent qualifiée de « sommet de la peinture sur glaçure » , était produite dans des fours supervisés directement par le domaine de Saga Nabeshima. Créées sans souci de rentabilité, ces céramiques étaient si exclusives qu'elles étaient exclusivement destinées aux offrandes au shogun, aux cadeaux offerts à divers seigneurs féodaux et nobles de la cour, et à l'usage personnel du seigneur du domaine.

Les pièces peintes sur glaçure sont également connues sous le nom d' « Iro-Nabeshima » (Nabeshima coloré) et présentent une palette de quatre couleurs : bleu sous glaçure, rouge, vert et jaune sur glaçure. Décorées avec élégance de flore et de faune, de paysages, de motifs semblables à des pierres précieuses et de motifs géométriques, elles sont souvent considérées comme des chefs-d'œuvre de l'art décoratif.

Toutes les pièces exposées ici présentent des formes similaires, ce qui permet de mieux discerner les différences de style. Elles partagent des éléments communs, tels qu'un motif en peigne sur le pied et de légères lignes bleues sous glaçure. Malgré la vivacité de la peinture sur glaçure, le bleu sous glaçure sert de base au décor, conférant aux pièces une présence rafraîchissante et digne.

La céramique de Nabeshima possède un niveau extraordinaire d'élégance et de flamboyance, dégageant une présence digne, digne de la vaisselle chère aux seigneurs féodaux. Le fait que des maîtres artisans de l'époque aient été réunis pour créer ces pièces est éloquent. On perçoit le niveau inégalé de savoir-faire technique et d'ingéniosité artistique qui a présidé à leur fabrication.

Ma journée au Musée d'Art de Matsuoka fut une expérience enrichissante qui m'a permis de me plonger dans l'univers du Ko-Imari, une facette précieuse de l'art japonais. Au milieu d'une collection de céramiques complexes, je me suis sentie fascinée, comme si j'avais trouvé une réponse nuancée à la question de savoir pourquoi le Ko-Imari exerce un tel attrait sur tant de personnes. L'impact sensoriel de ces pièces, inaccessible à la simple photographie ou à la simple description littéraire, était véritablement révélateur. L'authenticité de leurs dimensions, l'éclat de leurs couleurs, l'élégance de leurs motifs, la minutie de leur fabrication et leur présence saisissante lorsqu'elles sont exposées, tout cela prend vie lorsqu'on les regarde en personne. J'ai ressenti un sentiment palpable de continuité, une lignée vivante de ces principes artistiques transposés dans l'art céramique contemporain.

Si l'occasion se présente, je vous recommande vivement une visite pour vous immerger dans les chefs-d'œuvre de Ko-Imari, que seul le cadre empreint de recueillement d'un musée d'art permet d'apprécier pleinement. Vous pourrez ainsi découvrir en profondeur la beauté captivante et la riche histoire de ces œuvres remarquables.