Entretien avec l'artiste : Le parcours créatif d'Ohigashi Alyne

Nous avons rencontré Ohigashi Alyne et ses remarquables objets d'art de la série Botanical Textures dans la Partie Un de cette série d'articles. Maintenant, dans la Partie Deux, nous explorons comment la vie et les expériences d'Ohigashi ont influencé son art céramique.

C'est un récit vaste, un parcours qui nous mène des côtes des Philippines aux montagnes du Japon. Comment une chercheuse en agriculture est-elle devenue céramiste japonaise traditionnelle ? Et comment cela nourrit-il la vision artistique unique d'Ohigashi ?

Lors de la visite de l'équipe Musubi à son atelier, Ohigashi a généreusement démontré comment elle crée sa série Botanical Textures . En observant ses doigts modeler et appliquer avec soin de petits morceaux d'argile, j'ai pu voir les rouages de son esprit créatif travailler à chaque mouvement de ses mains.

« Quand on fait de la céramique », ajoute Ohigashi, « on se concentre très longtemps, et c'est juste paisibledans son esprit. »

La présence silencieuse de ses sculptures botaniques raconte cette histoire dans chaque ligne de leurs formes gracieuses.

C'est l'enfance d'Ohigashi aux Philippines qui influence de nombreux aspects de ses pièces aujourd'hui, des couleurs aux formes qu'elle utilise.

Ohigashi nous a raconté comment chaque dimanche après l'église, elle et sa famille allaient à la plage et montaient dans de petites embarcations. « Nous pouvions voir beaucoup de choses naturelles sous la mer, depuis le bateau », a-t-elle dit. « Nous allions très, très loin, et nous voyions les très belles couleurs de l'océan. »

Utiliser ces couleurs dans son travail est devenu une inspiration majeure. « Quand on crée des couleurs », a expliqué Ohigashi,

« il faut avoir la vraie couleur dans son cerveau. Je l'ai dans ma mémoire. C'est précieux. »

Cette admiration pour la nature s'est poursuivie à l'âge adulte d'Ohigashi. Elle a obtenu un diplôme universitaire en agriculture et s'est formée comme chercheuse aux Philippines. Sa connaissance détaillée des plantes se retrouve également dans son travail avec des formes qui évoquent le durian—un fruit familier de ses Philippines natales—des gousses de graines, des fleurs et la chlorophylle.

Dans la vaisselle d'Ohigashi aussi, les motifs de plantes et de fleurs comptent parmi ses plus populaires. Les myosotis et les mimosas apportent des bleus vifs et des jaunes et verts joyeux à la table. Elle continue de développer de nouveaux motifs, dont son prochain motif de coquelicot.

Le jardin luxuriant attenant à l'atelier d'Ohigashi est une représentation visuelle de son amour des plantes. Il sert de toile de fond à notre conversation alors que nous abordons comment elle est passée des Philippines au Japon, et de l'agriculture à la céramique.

C'est à l'université aux Philippines qu'Ohigashi a rencontré son mari, un artisan céramiste volontaire avec les Japan Overseas Cooperation Volunteers. Ohigashi menait des recherches sur la création d'un groupe de recherche en entrepreneuriat à l'université et sur la mise en place d'un atelier de céramique sur son île natale. Son mari était consultant en céramique sur le projet. Après ses trois années aux Philippines, ils se sont mariés et elle l'a suivi au Japon.

Le mari d'Ohigashi possédait un four de Tobe ware, où il fabriquait de la porcelaine peinte avec des motifs traditionnels karakusa (arabesques), une caractéristique de Tobe ware. Au début, Ohigashi travaillait comme professeure d'anglais et assistait son mari dans son atelier, sans rien créer elle-même. Mais quelques rencontres fortuites l'ont intéressée à la peinture sur céramique.

La première fut lorsqu'elle rencontra un peintre de kaya-zome lors d'une exposition de céramique. Un style de peinture complètement différent des arabesques typiques de Tobe ware, la peinture qu'Ohigashi a vue utilisait des couches de violet et de bleu créées en trempant du kaya—un type de tissu japonais autrefois utilisé pour les moustiquaires—dans du gosu, un pigment de cobalt traditionnel.

Mais le kaya n'est plus aussi courant au Japon qu'autrefois. Quand Ohigashi a cherché des alternatives, elle a rencontré une artisane utilisant du papier washi . « Je lui ai demandé si je pouvais en avoir. Elle était si bonne et gentille, et elle l'a apporté d'une autre préfecture. C'était le début », a dit Ohigashi, de son parcours dans la peinture sur céramique. Elle passerait ensuite dix ans d'essais et d'erreurs à perfectionner la technique aquarellée du washi-zome, qu'elle utilise encore largement, notamment dans ses créations de vaisselle.

Ohigashi venait tout juste de commencer à exposer ses créations peintes lorsque son mari est décédé sans prévenir. « C'était très soudain. Et il n'y avait aucune raison. C'était probablement un AVC. Il n'était même pas malade. Nous n'étions donc pas préparés à cela. »

Les années suivantes ont été extrêmement difficiles.

« Mon mari façonnait toutes les pièces en céramique. Donc quand il est mort, nous avons eu des difficultés. » Ohigashi a poursuivi : « À Tobe, les potiers sont soit un couple marié, soit une usine, soit un homme seul qui travaille au tour. Tous les maris travaillent au tour, comme mon mari, et peu de femmes ont leur propre atelier. Au début, j'avais un mari, mais il est mort, donc j'ai été forcée de devenir potière. Forcée. Je devais le faire. »

L'atelier de céramique était le gagne-pain de sa famille. Ohigashi s'est soudainement retrouvée à devoir apprendre le métier depuis le début, souvent en autodidacte. Elle a commencé par fabriquer de simples pièces en plaques et a demandé de l'aide aux voisins, mais le marché de la céramique est compétitif, et peu de gens étaient prêts à révéler leurs secrets de métier. Elle a même dû apprendre seule à cuire un four.

En repensant à cette période, elle a dit : « Tout cela était autodidacte. J'ai dû faire beaucoup d'erreurs. »

Aujourd'hui, Ohigashi attribue à ces mêmes erreurs le fait d'avoir accompli autant. Elle ajoute à propos de sa croissance créative : « Même maintenant, j'expérimente encore beaucoup de choses parce que personne ne vous enseignera. »

Aujourd'hui, c'est avec elle-même plutôt qu'avec quiconque qu'Ohigashi se mesure. « Je progresse avec moi-même. Parce que je pense que je peux toujours faire mieux. » Ohigashi souhaite transmettre à ses enfants et petits-enfants les techniques traditionnelles qu'elle a apprises ainsi que ses méthodes personnelles. L'utilisation du gosu, la peinture à la main et le washi-zome font partie de ce qu'elle veut transmettre, tout comme son approche artistique.

« Les artisans sont très précis et doivent répéter les choses parfaitement », selon Ohigashi, tandis que les artistes sont « plus libres ». Si le processus d'un artiste est précis, chaque pièce reste différente. 

« Si j'obtiens un processus artistique réussi et que je le mets en données, d'autres personnes ou la prochaine génération pourront l'utiliser. Alors il y aura plus d'artistes ici à Tobe. »

C'est un rêve merveilleux pour sa seconde patrie.