Un classique du sometsuke : Yamamoto Choza

Dans le domaine de la céramique japonaise, la technique décorative appelée sometsuke—dérivée du mot japonais someru, signifiant « teindre »—est reconnue pour ses teintes indigo évocatrices. Cette technique consiste à peindre de l'oxyde de cobalt sous glaçure, connu sous le nom de « gosu» au Japon, directement sur un corps céramique pré-émaillé. Sans revêtement vitreux initial, le gosu pénètre le biscuit, puis est scellé par une glaçure transparente qui se transforme en un bleu profond et riche lors de la cuisson. La translucidité inhérente de la porcelaine s'harmonise avec le cobalt vif, créant un jeu équilibré de lumière et de couleur.

Parmi les maîtres de cet art raffiné, Yamamoto Choza se distingue comme une figure éminente de la céramique ai-Kutani contemporaine, reconnue pour ses teintes bleues saisissantes. En tant que peintre pour Myousen Toubou, son travail s'exprime avec une profondeur et une richesse expressive remarquables, même en n'employant qu'une seule nuance de bleu. Depuis 1990, Myousen Toubou reçoit la prestigieuse commande de produire de la vaisselle pour l'Empereur et l'Impératrice, ainsi que pour les banquets impériaux. Son œuvre relie l'héritage intemporel des techniques anciennes à l'élégance raffinée du design contemporain.

L'entrée de Yamamoto Choza dans l'univers de l'art sometsuke a été profondément façonnée par une famille imprégnée d'une appréciation pour les antiquités. Ayant grandi dans un foyer où l'art historique était chéri, il a forgé un lien inné avec ces formes ancestrales dès son plus jeune âge.

« Mon père dirigeait une entreprise de menuiserie, qu'il a finalement fermée. Il aimait les antiquités et les collectionnait. Depuis mon enfance, je manipulais des rouleaux, j'apprenais l'emballage des boîtes et les nœuds. Ayant côtoyé divers objets depuis l'enfance, mes doigts s'en souviennent. »

Yamamoto s'est formé auprès de plusieurs maîtres durant la vingtaine avant de décider résolument de poursuivre l'art du sometsuke. Observant que Kutani ware était principalement célébré pour ses décorations multicolores vibrantes, telles que les peintures florales hanazume et les embellissements dorés kinsai, Yamamoto a vu l'opportunité de redéfinir son récit. Autrefois considéré comme un simple ornement auxiliaire, ce style a permis à son talent exceptionnel pour le travail de lignes délicates de véritablement s'épanouir.

« Si vous y réfléchissez, dans d'autres régions comme Arita ware ou Seto ware, le sometsuke est également très populaire. Être entouré de Kutani ware donne l'impression que seules les céramiques colorées comptent, mais ce n'est pas vrai. J'ai donc décidé de m'établir dans le sometsuke de Kutani ware. »

Yamamoto explique également qu'un sens mesuré de la tension est essentiel à son processus créatif. Cette concentration imprègne son atelier et se manifeste dans son expression concentrée pendant qu'il travaille, favorisant un état d'esprit raffiné qui lui permet d'atteindre son idéal de beauté bleue et blanche.

« Un sens de la tension est important, n'est-ce pas ? Le bon niveau. S'il y en a trop tout le temps, les choses se briseront. C'est la même chose avec le travail, les relations et les produits », note Yamamoto.

Son attention méticuleuse à la fois pour la composition des couleurs et la chimie subtile des teintures se manifeste dans son utilisation fréquente de pinceaux délicats, souvent remplacés en seulement quelques jours, pour capturer la teinte et la profondeur parfaites.

« Je ne dessine que des symboles de bon augure. C'est ce que tout le monde veut. Parce que tout le monde devient heureux avec eux. Personne ne veut acheter quelque chose qui le rendra malheureux. La porcelaine est évidemment fragile, c'est donc un défaut inhérent. S'il n'y a pas quelque chose pour compenser ce défaut, les gens ne seront pas satisfaits et n'achèteront pas de motifs qui semblent susceptibles d'apporter le malheur. »

Engagé à valoriser les symboles de bon augure, Yamamoto imprègne son travail de motifs qui évoquent le bonheur et le bien-être, des attributs hautement appréciés par ceux qui chérissent la porcelaine fine. Il croit que la fragilité de la porcelaine appelle une beauté compensatoire ; sans elle, même l'assiette ou le bol le plus finement travaillé peut échouer à apporter de la joie. Ses créations, riches de symboles traditionnels tels que fleurs et trésors, témoignent de son dévouement à la fois à l'art et à la vertu de la porcelaine sometsuke.

Malgré les défis liés à la fabrication d'assiettes plus fines et finement détaillées par rapport à leurs homologues produites en masse, Yamamoto maintient que la beauté et le dévouement sincère intégrés dans son travail dépassent de loin toute limitation pratique.

« Avoir son propre espace rempli de ces objets, je pense que c'est le bonheur ultime. Je pense que les antiquités sont ainsi, du moins pour ceux qui peuvent se les offrir. Et pour ceux qui ne le peuvent pas, ils recherchent au moins des choses qui leur rappellent les antiquités, qui partagent des fragments de leur attrait. »

La forme et le design de la vaisselle de Yamamoto reflètent à la fois son approche philosophique et son savoir-faire méticuleux. Immergé dès son plus jeune âge dans un environnement rempli d'antiquités, il a développé une sensibilité profonde à ce qui rend un design intemporel—quelque chose qui peut perdurer comme art patrimonial.

Il croit que s'entourer de tels objets offre la forme la plus élevée d'accomplissement personnel, qu'il s'agisse de véritables antiquités ou de pièces qui font écho à leur beauté durable. Sa vaisselle incarne cette philosophie : un mélange harmonieux de perspicacité historique et de technique raffinée façonnée par des années d'étude des formes antiques.

En plus de puiser son inspiration dans l'histoire, Yamamoto recherche continuellement les tendances contemporaines en parcourant les magazines de style de vie japonais, et en visitant les grands magasins et les expositions. Il croit qu'observer les motifs évolutifs dans les sections vaisselle et mobilier offre des aperçus inestimables sur les préférences changeantes des consommateurs—une dynamique qui informe finalement sa vision artistique.

« En musique classique, on reçoit une partition, mais l'interprétation peut varier selon chaque chef d'orchestre. Je me considère davantage comme un chef d'orchestre », réfléchit Yamamoto. À ses yeux, chaque pièce qu'il crée s'apparente à une composition musicale, interprétée de manière unique à travers son mélange personnel de tradition et d'innovation. Sa capacité extraordinaire à tisser des motifs historiques avec une sensibilité philosophique et contemporaine le distingue dans le domaine de l'art sometsuke. À travers son travail, Yamamoto Choza captive et inspire, tout en forgeant un pont élégant entre le passé et le présent.