Découvrir la céramique de Kusatsu : des pots de plantes inspirés par la nature et la tradition

Des pots de plantes créés par un artiste qui aime les plantes, à partir d'une argile ancienne provenant des rives du lac Biwa : voici les œuvres de Yamamoto Kazuma d' Ohmitogei Research Centre. Inspiré par une poterie ancienne connue sous le nom de Kusatsu ware, créée il y a 1 400 ans à partir de l'argile, du limon et de la boue du lac Biwa, Yamamoto utilise ces mêmes matériaux locaux pour réimaginer Kusatsu ware à l'ère moderne, célébrant la beauté du passage du temps.

Combinées à des caractéristiques qui favorisent un environnement sain pour les plantes, comme une argile respirante et une création réfléchie du drainage, le résultat est une série d'œuvres qui se tiennent seules comme pièces d'art tout en révélant le meilleur des plantes qui y sont plantées.

Nous nous sommes entretenus avec Yamamoto pour en savoir plus sur les récipients anciens et les motifs naturels qui ont inspiré ces pièces uniques, et approfondir la manière dont ils fonctionnent avec les plantes pour créer des compositions florissantes et unifiées.

La ville de Kusatsu repose sur les rives sud du lac Biwa, à seulement environ 20 km du centre de Kyoto—un trajet rapide de 20 minutes en train dans le monde d'aujourd'hui.

À la fin du VIIe siècle, la capitale japonaise fut brièvement déplacée à Otsu, également sur la rive sud du lac, stimulant la production de poterie et de fer dans la région de Kusatsu. La poterie non émaillée produite à cette époque est connue sous le nom de sueki ou grès Sue : une variété ancienne de céramique japonaise. Bien que sa production dans la région de Kusatsu ait cessé avec le temps, des ruines anciennes contenant des fragments de grès Sue subsistent.

Le père de Yamamoto, également potier, a participé à des fouilles archéologiques de ces ruines, l'inspirant à réimaginer l'ancienne Kusatsu ware—créant avec la même boue, le même limon et la même argile utilisés à l'époque.

« Ce n'est pas le même style que le Kusatsu sueki original », précise le jeune Yamamoto, « mais plutôt, utiliser des matériaux locaux pour créer de nouvelles choses pour la vie et la culture modernes. »

Travaillant à partir de ce concept, les Yamamoto n'appliquent pas d'émail, mais plutôt une boue locale du lac Biwa appelée limon de Seta. Ce matériau fond autour de 1 100°C, bien en dessous de la température de 1 250°C qu'utilise Ohmitogei Research Centre pour cuire l'argile. En conséquence, la boue fond dans le four, devenant un agent colorant naturel. L'ajout de composants comme la chaux la sépare en teintes de noir et de brun, tandis que verser du limon dilué sur la surface, vaporiser de la boue avec un brumisateur ou graver des motifs ajoute de la profondeur de couleur et de texture. Les finitions semblent rustiques, comme si les pots étaient véritablement des objets anciens excavés de la terre.

Yamamoto déclare : « Personnellement, j'aime les choses qui ont vieilli. Cela me donne l'impression que le temps que l'objet a traversé est gravé dans le récipient lui-même. » Cela semble approprié pour des pièces inspirées par la poterie de la région de Kusatsu d'il y a quatorze siècles.

Également au service d'un meilleur drainage, les trous de drainage intentionnellement grands de Yamamoto, et les fentes dans les anneaux de pied de ses pots qui agissent de manière similaire à des gouttières, laissant l'eau s'écouler plus efficacement.

Cela a plusieurs implications positives pour la santé des plantes : le plus crucial étant la réduction du risque de pourriture des racines. C'est essentiel pour les plantes comme les cactus et les succulentes qui souffrent dans des conditions humides et sont facilement susceptibles d'être trop arrosées.

Pourtant, Yamamoto note que ce ne sont pas seulement les végétaux arides qui peuvent prospérer dans ces récipients. « Pour des choses comme le bonsaï où vous voulez retenir l'humidité dans une certaine mesure, vous géreriez cela en changeant le sol pour un sol avec une meilleure rétention d'eau. »

En fait, Yamamoto se souvient avoir eu un client de l'étranger qui a dit qu'il prévoyait de planter un bonsaï de kuromatsu (pin noir) dans l'un de ses pots de plantes. « Tout comme au Japon, les plantes recherchées incluent celles d'Amérique du Sud ou de régions sèches, les gens à l'étranger collectionnent des pots pour des choses comme le bonsaï et d'autres plantes japonaises. J'ai réalisé qu'il y a des gens qui collectionnent des pots de plantes dans cette perspective opposée. »

Une partie de l'attrait de la poterie pour Yamamoto est ce qu'il appelle « gagner une communication avec les autres à travers l'argile ». Avec le design réfléchi de ces pots et leur perspective créative unique, on a vraiment l'impression qu'ils créent un dialogue entre le potier et l'utilisateur, un murmure à travers les océans d'un amateur de plantes à un autre.

En ce qui concerne l'aspect visuel, il ne serait pas inexact de dire que ces pots de plantes sont à la fois élégants et rustiques—deux descripteurs souvent contrastés l'un avec l'autre, et pourtant ici ils se combinent sans effort. Alors comment Yamamoto fait-il ?

Peut-être le secret réside-t-il dans l'utilisation de matériaux naturels et la combinaison de formes créées par l'homme et inspirées par la nature. Le design Equator, par exemple, implique des lignes gravées à la main influencées par l'architecture, tandis que la série Torch est façonnée comme son homonyme. Pourtant, leurs teintes contrastées de blanc et de noir sont créées en superposant deux couleurs différentes de boue. De même, les lignes en forme de colonne de Plump sont contrastées avec une surface brun terreux et un rebord artistiquement fissuré pour paraître naturel. Yamamoto utilise ces rebords fissurés pour également évoquer le passage du temps, se reconnectant une fois de plus aux racines centenaires de Kusatsu ware.

D'autres œuvres adoptent plus directement la forme d'éléments trouvés dans la nature. La série Plump s'inspire d'une fleur, la jacinthe des bois espagnole, tandis que les pièces Chalaza trouvent leur origine dans les œufs. Yamamoto perçoit dans ces formes ce qu'il appelle la « beauté sculpturale et le raffinement » de la nature, qu'il souhaite intégrer à son travail.

Même dans l'esthétique, l'attention de Yamamoto pour les plantes transparaît. « Le point de départ, c'est que ces pots sont des outils destinés à être utilisés. Cela n'a pas de sens si l'on ne peut pas y planter. » Le design fusionne avec la fonction. Par exemple, Yamamoto voulait créer un pot cylindrique pour accueillir les plantes populaires dont les racines poussent verticalement, ce qui a donné naissance au design Torch, long et élancé. De même, à propos des bords brisés : « Si l'on exagère, le sable ou la terre se répandront. Je veille donc à briser les bords d'une manière qui semble naturelle, tout en gardant un design facile à planter. »

Yamamoto note que, concernant les pots de plantes artistiques, l'atmosphère a changé depuis la pandémie de Covid-19, lorsque de nombreuses personnes se sont intéressées aux plantes d'intérieur—et aux récipients qui les accueillent. Désormais, un plus grand nombre de céramistes ont commencé à fabriquer ces mêmes récipients. 

« Jusqu'à ce que l'industrie des pots de plantes se développe », dit Yamamoto, « j'avais l'impression que beaucoup de gens dans le domaine de la céramique avaient tendance à mépriser la fabrication de pots de plantes. Mais cela a vraiment disparu. Aujourd'hui, ces pots sont recherchés pour leurs formes artistiques ou très élaborées. Je pense que c'est une transition culturelle intéressante depuis la pandémie. »

C'est une expansion stimulante des possibilités pour les céramiques que nous invitons dans notre quotidien. Pas seulement celles qui apparaissent sur nos tables, mais aussi les récipients qui accueillent la verdure dans nos maisons.