Home Sweet Museum : visite du musée de l'artisanat populaire japonais (Nihon Mingeikan)

Pour de nombreux voyageurs venus de loin au Japon, le Musée des arts populaires japonais (Nihon Mingeikan) ne figure peut-être pas immédiatement en tête de liste des destinations muséales. Dépourvu de l'ampleur des musées nationalement reconnus regroupés à Ueno, ce joyau culturel réside discrètement dans un quartier résidentiel tranquille, son attrait réservé à ceux qui le connaissent. Néanmoins, notre équipe de MUSUBI KILN s'est sentie attirée par cette institution silencieuse pour son exposition distincte : un ensemble d'objets artisanaux du quotidien allant de la céramique et de la vaisselle aux textiles, peintures, tissus teints, objets en bambou et en papier. Ces artefacts, collectés à travers le Japon et au-delà, indépendamment de leur époque, représentent un véritable coffre au trésor pour nous, praticiens dans le domaine de l'artisanat de la vaisselle.

Normalement, la photographie n'est pas autorisée à l'intérieur du Musée, mais à cette occasion, nous avons reçu une permission spéciale pour photographier l'intérieur. Les photographies présentées ici sont strictement interdites de reproduction ou de republication.

Une promenade tranquille autour de la station Komaba-Todaimae sur la ligne ferroviaire privée révèle une étendue de quartiers résidentiels sereins, l'Université de Tokyo et le parc verdoyant de Komaba. Ceux qui ont un penchant pour l'histoire ou l'architecture pourraient voir leur curiosité éveillée par l'ancienne résidence aristocratique de style occidental érigée dans les années 1920 à proximité. Elle invite à un détour enrichissant pour les aventuriers culturels.

Surgissant soudainement à quelques minutes de marche de la gare se dresse le Musée des arts populaires japonais (Nihon Mingeikan), un édifice saisissant qui dégage le caractère digne d'un design japonais unique. Le Musée est l'œuvre de Soetsu Yanagi, la force pionnière derrière le Mouvement des arts populaires, qui célébrait « la beauté dans les objets du quotidien ». Établi en 1936 par Yanagi et un groupe de collaborateurs partageant les mêmes idées, l'espace a été conçu pour présenter l'élégance des arts populaires au monde. Yanagi lui-même a été intimement impliqué dans la conception du bâtiment, une entreprise reflétée dans la curation réfléchie de ses expositions.

À l'arrivée, on ne peut qu'être impressionné par la présence robuste du bâtiment qui mêle harmonieusement l'esthétique japonaise à un sens sous-jacent de gravité. Les matériaux extérieurs et de revêtement de sol mettent en valeur l'utilisation de la pierre Oya provenant des environs d'Utsunomiya, Tochigi, un matériau que Soetsu considérait comme « la pierre la plus japonaise », une « pierre proche du bois ». La pierre Oya, avec sa haute résistance au feu et sa protection contre l'humidité, convient bien aux installations de stockage et d'exposition. La facilité avec laquelle la pierre Oya peut être travaillée a permis la réalisation de tout design souhaité, aboutissant à la construction de cette structure distinctement japonaise.

En entrant par les portes coulissantes en bois de couleur ambre profond, on vous remet des couvre-chaussures à enfiler. Bien qu'il était autrefois d'usage de retirer entièrement ses chaussures, la présence d'un genkan (entrée) est plutôt inhabituelle dans un cadre muséal. *Actuellement, au lieu de fournir des couvre-chaussures, ils sont revenus à la méthode consistant à retirer ses chaussures et à passer aux pantoufles, comme cela se faisait avant la pandémie de COVID-19. Cela naît du désir de Yanagi Soetsu d'imprégner le Musée d'une chaleur plus évocatrice d'une maison que d'une institution. La sensation est moins celle d'entrer dans un musée et plus proche de rendre visite à quelqu'un chez lui.

La composition spatiale, centrée autour d'une pièce d'escalier ouverte, est un style souvent trouvé dans les anciennes maisons de style occidental. Elle reflète la fusion de la beauté architecturale que Soetsu, bien versé dans les cultures occidentales, a accumulée de ses rencontres avec les styles architecturaux européens, puis mêlée harmonieusement à l'esthétique japonaise.

À l'intérieur du Musée, la tranquillité est soulignée par les poutres en bois et le plâtre, tandis que la texture grossière et le toucher frais du sol en pierre Oya offrent un accord parfait. Les meubles recouverts de laque urushi, les vitrines en bois conçues par Yanagi lui-même, les fenêtres à écrans shoji et le papier peint fabriqué à partir de la fibre de kudzu appelée « Kuzufu », tous s'harmonisent dans une exposition de matériaux naturels, créant une atmosphère d'équilibre saisissant.

Le Musée est considérablement plus sombre qu'un lieu d'art typique, une décision consciente de Yanagi, qui s'interrogeait : « Comment pouvons-nous faire apparaître les expositions aussi belles que possible ? » Même la lumière qui filtre à travers les écrans shoji est calculée. L'intention est de maintenir le principe selon lequel « les espaces doivent naturellement rehausser la beauté ».

La vitrine sous l'escalier contenait un ensemble d'objets laqués japonais et coréens, soigneusement sélectionnés pour l'exposition spéciale en cours, « La beauté de l'urushi - laques du Japon et de la péninsule coréenne ».

Une boîte de raden japonais (incrustation de coquillages), dans laquelle des motifs sont dessinés avec des fragments de coquillages, a attiré l'œil parmi les objets laqués exposés. Le raden, que l'on pense avoir son origine dans l'ancienne Mésopotamie et les dynasties Yin et Zhou de Chine, possède une esthétique unique. L'artisanat de ces boîtes n'est pas exceptionnellement complexe ou méticuleusement fini. Au lieu de cela, le matériau – le coquillage – est laissé dans son état naturel, créant une apparence qui révèle immédiatement son origine organique. Le choix délibéré d'exposer un travail de raden qui met l'accent sur la texture naturelle du coquillage transmettait la sensibilité esthétique de Soetsu Yanagi dans le mingei, le mouvement des arts populaires.

De plus, on trouve ici une série d'objets tombés en désuétude à l'époque moderne. Par exemple, ce que l'on voit au premier plan de la photographie s'appelle un « Tobiguchi », un ancien outil utilisé pour accrocher le bois lors des interventions contre les incendies et autres activités similaires. Par ailleurs, la laque jouait un rôle éminemment pratique à cette époque, comme en témoignent d'autres objets tels que des règles, de la papeterie, des oreillers et des gourdes. Nombre de ces objets ont été remplacés par des matériaux alternatifs comme le plastique à l'époque moderne.

Comme évoqué dans le blog kintsugi , la laque peut être superposée pour la restauration, ce qui permet de réparer et de prolonger l'usage de ces objets. Ils sont même biodégradables, retournant à la terre lorsqu'on les jette. L'exposition témoigne d'une époque où des matériaux respectueux de l'environnement étaient largement utilisés dans la vie quotidienne.

À ce stade, j'ai remarqué un aspect particulier du musée. Les descriptions fournies étaient minimales, indiquant tout au plus le nom de l'objet, le pays et l'époque, ou s'il s'agit d'un artefact étranger, le nom du groupe ethnique ou de la culture qui l'utilisait. Par exemple, des pièces étiquetées simplement « époque coréenne » pouvaient couvrir environ 500 ans, sans indication précise de quand ni où elles ont été fabriquées.

En réponse à cette question, les écrits de Soetsu ont fourni la réponse. « La beauté des choses doit avant tout dépendre de l'intuition » (Soetsu Yanagi, « Mingei to wa Nanika », Kodansha, 2006, p. 103). Il visait à regarder directement l'objet et à trouver la « beauté » ou la valeur qui lui est inhérente, sans titres, histoires ni rien d'autre. Et le musée a été créé pour permettre aux visiteurs de ressentir cela.

Avec enthousiasme, je me dirige vers la salle d'exposition consacrée aux assiettes peintes que j'attendais personnellement avec impatience. Bien qu'il y ait des motifs encore visibles aujourd'hui, tels que des fleurs et des motifs en grille, la palette de couleurs est globalement atténuée, la plupart des objets dégageant un charme rustique.

Bien qu'il y ait des motifs floraux, ils sont moins flamboyants que les fleurs de prunier ou de cerisier et ressemblent davantage à des fleurs sauvages qui poussent souvent dans la région. Nombre des pièces de poterie exposées ici, provenant de différentes régions, semblent parfaitement compléter les habitudes alimentaires rustiques de l'époque où elles ont été créées.

Autrefois, les repas ruraux se composaient principalement de riz d'orge, de soupe miso, de légumes marinés et de plats mijotés, le saumon salé et le poisson séché étant de rares plaisirs dans un mode de vie autosuffisant. Bien sûr, les habitants des zones urbaines comme Tokyo mangeaient également de la nourriture occidentale, mais ces motifs peints simples semblent idéaux pour servir des repas ruraux traditionnels. En d'autres termes, ces motifs d'« herbes sauvages » et de « paysages » discrets, qui permettent de mettre en valeur la qualité des ingrédients et s'accordent bien avec des repas mettant en avant les légumes de saison dans les régions.

Cependant, cela ne signifie pas qu'il n'y avait pas de motifs vibrants ici. Particulièrement sur les objets décoratifs comme les assiettes d'exposition et les vases, qui portent une intention esthétique plus marquée, des peintures plus colorées et élaborées ont été appliquées. Les vases réparés à l'or étaient particulièrement frappants ; nous nous sommes retrouvés attirés, nous arrêtant pour admirer la belle combinaison de motifs floraux et d'or. Il y a quelque chose d'uniquement percutant dans les objets qui renaissent encore plus beaux grâce au processus de réparation à l'or kintsugi. C'est peut-être le sentiment d'histoire, soigneusement préservée et transmise, que nous ressentons à travers eux.

Parmi les objets kintsugi, l'un d'eux se distinguait particulièrement. C'était une assiette ronde, mais dans les sections réparées, une partie du motif avait changé. C'était très intrigant. Certains d'entre nous ont émis l'hypothèse qu'un fragment cassé d'une autre assiette avait peut-être été utilisé pour la réparer. Bien que le motif original de l'assiette soit plutôt commun, le kintsugi a ajouté un charme unique, en faisant une pièce remarquable au sein de l'ensemble du musée.

Le rituel de mes voyages à l'étranger implique le pèlerinage obligatoire dans un musée. Parfois, c'est une exposition éphémère qui m'attire, et parfois c'est la collection éternelle de chefs-d'œuvre et de sculptures. Curieusement, ces sorties culturelles colorent souvent mon impression de la ville elle-même. Les jours où je me retrouve envoûté par un musée ou une galerie d'art, les nuances désagréables de la journée — le froid mordant, la pluie incessante, le vacarme abrasif des klaxons de voiture, ou l'offre culinaire décevante du menu — tout se brouille dans l'insignifiance. À leur place, une satisfaction profonde émerge, portée par les échos résonnants d'une exposition splendide, qui projette une ambiance délicieuse sur mon trajet de retour et même après. Cette joie subtile, vécue au milieu d'espaces captivants et d'expositions fascinantes, est une gratification unique et irremplaçable. Alors que votre voyage se tisse à travers l'archipel japonais, j'espère que vous aussi tomberez sur ces trésors culturels — les galeries d'art et les musées. Qu'ils capturent votre curiosité, émeuvent vos cœurs et vos esprits, et trouvent une place permanente dans votre liste de favoris.