Guide de l'exposition : « Scènes avec récipients à fleurs »

L'équipe Musubi s'est récemment rendue au Sen-oku Hakukokan Museum Tokyo pour examiner en profondeur Scènes avec contenants à fleurs, une nouvelle exposition qui célèbre l'art et l'histoire des vases à fleurs japonais. Chez MUSUBI KILN, nous présentons une large gamme de ces vases, et nous avons été particulièrement intrigués par l'accent mis par cette exposition sur la compréhension de leurs origines à travers le prisme de la cérémonie du thé.

Retraçant le parcours des contenants à fleurs depuis leurs racines chinoises jusqu'à l'ère japonaise moderne—lorsque des récipients en céramique et en bambou ont émergé, raffinés par une esthétique distinctement japonaise—cette exposition éclaire comment ces pièces sont devenues centrales dans la culture du thé et la vie quotidienne au Japon. 

Nous vous invitons à nous rejoindre pour explorer l'évolution des contenants à fleurs japonais, leur rôle essentiel dans la cérémonie du thé et l'ikebana, ainsi que les œuvres captivantes
qui donnent vie à ce récit riche.

Exposition (25 janvier 2025–16 mars 2025) : Scènes avec contenants à fleurs

Cette exposition présente des contenants floraux soigneusement sélectionnés de la Collection Sumitomo, accompagnés de peintures représentant ces récipients élégants. Elle présente également des pièces généreusement données par le maître d'ikebana estimé, OGO Rimei.

En approchant de la salle d'exposition, nous avons découvert un panneau informatif sur les origines des contenants à fleurs japonais. Voici un extrait du texte :

Selon le panneau, les contenants à fleurs au Japon ont été initialement influencés par le bouddhisme, introduit depuis la Chine. Ils faisaient partie des sangusoku, un trio d'objets utilisés pour orner les statues et autels bouddhiques. Dès la période Heian (794–1185), des fleurs arrangées dans ces récipients apparaissaient déjà dans les peintures bouddhiques.

Durant la dynastie Song en Chine, les anciens récipients en bronze ont été réévalués, conduisant à la production de céramiques modelées d'après eux. Ces récipients ont ensuite été utilisés pour les arrangements floraux, une pratique introduite au Japon. À partir de la période Muromachi (1336–1573), ces céramiques importées, connues sous le nom de karamono (objets chinois), étaient très prisées. Cette époque a également marqué l'épanouissement de la culture japonaise du thé. Alors que les maîtres de thé et les érudits, inspirés par la culture des lettrés chinois, développaient un vif intérêt pour les contenants à fleurs, de nombreux types de vases ont été créés et admirés.

Les céramiques japonaises ont longtemps été influencées par la Chine et la Corée, et les contenants à fleurs ne faisaient pas exception. En même temps, le rôle significatif des contenants à fleurs dans la cérémonie du thé nous a rendus curieux de savoir quels types de contenants étaient produits au Japon. Désireux d'en apprendre davantage, nous sommes entrés dans la salle d'exposition.

L'exposition était divisée en quatre sections thématiques. La première salle dans laquelle nous sommes entrés présentait « Contenants à fleurs peints », exposant des œuvres d'art représentant des vases à fleurs. La plupart des peintures ont été créées durant la période Edo (1603–1868) et après, mais les objets représentés variaient dans leur contexte historique. Voici quelques-unes des pièces les plus frappantes :

Cette peinture aux couleurs vives a immédiatement attiré notre attention et figurait même sur le dépliant de l'exposition comme l'un des temps forts. La peinture de pivoine sur laquelle cette œuvre est basée est conservée au temple Chion-in à Kyoto et daterait de la dynastie Yuan (1271–1368) en Chine. Les pivoines dans la peinture sont arrangées dans ce qui semble être un bassin métallique. Si une couleur bleue aussi brillante pouvait être obtenue dans un vase réel, ce serait sans aucun doute magnifique.

Cette peinture représente le poète des Six Dynasties Tao Yuanming, connu pour son amour des chrysanthèmes. Il se tient devant un vase à fleurs avec des anses en forme d'anneaux, perdu dans la contemplation, évoquant un moment tranquille et bienheureux.

Sugawara no Michizane, un noble de la période Heian, a été injustement exilé. À son époque, le Festival des Chrysanthèmes (Choyo no Sekku) était déjà célébré, et on dit que des chrysanthèmes étaient arrangés dans des vases dorés à la cour impériale. Dans cette peinture, des chrysanthèmes sont placés dans un seau en bois sous un ciel où la lune apparaît floue, transmettant un profond sentiment de mélancolie.

La section suivante était consacrée aux « Contenants à fleurs dans la cérémonie du thé ». Le Sen-oku Hakukokan Museum Tokyo abrite une collection d'art rassemblée par la famille Sumitomo de la période Edo à la période Taisho (1912–1926), avec un accent significatif sur les objets liés à la cérémonie du thé. Nombre de ces ustensiles avaient été utilisés lors de rassemblements de thé historiques, formant le cœur de la collection. L'exposition était organisée de manière à recréer l'atmosphère d'une salle de thé traditionnelle, avec des pièces placées sur des tatamis et des rouleaux suspendus ornant les murs.

Cette section présentait une sélection remarquable de karamono (importations chinoises) aux côtés de vases à fleurs en Bizen ware et en bambou artisanal provenant de diverses régions du Japon. Chaque pièce dégageait une présence digne et une aura tranquille.

La glaçure verte élégante, le motif décoratif et la forme incurvée se combinent pour créer une œuvre d'une beauté raffinée. Ce vase céladon a été fabriqué au four Longquan en Chine, un site renommé pour produire des céramiques céladon de haute qualité. Le lotus, une fleur sacrée dans le bouddhisme symbolisant la pureté, était fréquemment représenté dans l'art religieux. On pense que ce vase a été utilisé lors de cérémonies bouddhiques.

Avec son émaillage dynamique, sa forme ondulante et ses marques de ciseau entrecroisées, cette pièce incarne l'esthétique audacieuse de Takatori ware. Une marque attribuée à Furuta Oribe, maître de thé éminent, est inscrite sur la partie inférieure. Lors des cérémonies du thé, ce vase accueillait des camélias et des fleurs de bodhi, nous invitant à imaginer leur contraste avec la forme singulière du récipient.

Ce récipient à fleurs, caractérisé par sa forme arrondie, est appelé un bateau tokkuri. Il évoque une bouteille de saké traditionnelle conçue avec une base large pour assurer la stabilité sur un navire. Le corps présente ce qui semble être un motif goma (sésame), rappelant des graines de sésame. Cette pièce incarne l'héritage durable du savoir-faire Bizen ware.

Attribué à Sen Sōtan, petit-fils du célèbre maître de thé Sen no Rikyū, ce récipient à fleurs en bambou utilise du bambou goma-take . Le goma-take tire son nom des taches semblables à du sésame qui apparaissent avec le vieillissement du bambou. Suspendu au mur, il accentue la beauté naturelle des fleurs qu'il accueille.

Nous avons ensuite visité la salle d'exposition présentant les vases à fleurs en cuivre donnés par le maître d'ikebana, OGO Rimei. Bien que MUSUBI KILN propose également des récipients en cuivre, la variété de couleurs, de formes et de motifs ici était impressionnante. Examinons quelques pièces particulièrement remarquables.

Cette pièce se distingue par son ajourage complexe, combinant harmonieusement les motifs japonais traditionnels de feuilles de paulownia, de chrysanthèmes et d'arabesques.

Ce vase capture l'image majestueuse d'un dragon s'élevant parmi les nuages. Dans la culture chinoise, le dragon symbolise l'empereur, et au Japon, influencé par la Chine et le bouddhisme, les dragons sont devenus vénérés. Considéré comme de bon augure pour son association avec l'ascension de l'eau vers le ciel, le dragon est représenté avec des yeux dorés tandis que l'or et l'argent ornent les nuages, renforçant son aspect tridimensionnel et dynamique.

Chez MUSUBI KILN, nous proposons des pièces représentant des dragons rendus en émail noir. La combinaison du noir et du motif du dragon inspire assurément une gamme d'émotions chez celui qui regarde, de la crainte à l'admiration.

La forme douce de ce vase et la représentation de l'océan fluide défient sa composition métallique, offrant une apparence délicate. La finition pâle de vert-de-gris évoque une vue de pluviers volant à travers la brume matinale. Les motifs traditionnels de pluviers se retrouvent également dans la vaisselle de MUSUBI KILN, surprenant constamment par leur esthétique intemporelle.

La dernière exposition présente des vases à fleurs de l'ère Meiji (1868－1912) et au-delà. À cette époque, les vases de style occidental furent introduits au Japon, donnant lieu à des créations diverses. Ces récipients conservent des éléments traditionnels de la période Edo tout en adoptant un mélange de designs japonais et occidentaux, souvent avec une esthétique vibrante. Bien que l'espace d'exposition soit modeste, le hall d'entrée du musée présente davantage de ces vases modernes.

L'artiste, Kanzan Denshichi (1871-1890), fut une figure éminente du monde de la poterie de Kyoto au début de l'ère Meiji. Il était réputé pour son utilisation réussie de peintures occidentales dans les émaux, ce qui lui valut de recevoir des commandes de la Maison impériale. Par la suite, il se consacra à la production de vaisselle de style occidental.

Cette pièce utilise efficacement la peinture sous émail (où les motifs sont appliqués sur la surface non émaillée avant la cuisson finale) et la peinture sur émail (où les couleurs sont appliquées sur l'émail). Avec ses pivoines rouges et blanches vibrantes comme point focal, entourées d'une profusion de fleurs et accentuées d'or, c'est une œuvre d'art véritablement magnifique.

Cette exposition a permis à l'équipe Musubi de redécouvrir l'étendue remarquable des contenants floraux japonais, passés et présents. Tout comme il existe d'innombrables façons d'arranger les fleurs, la variété des couleurs, formes, matériaux et fonctions de ces récipients se révèle véritablement impressionnante. Cette richesse nous invite à réfléchir à la définition même de la « beauté ». Un vase peut magnifier l'élégance naturelle des fleurs qu'il accueille, et parfois devenir lui-même une œuvre d'art captivante. Ces récipients, qui reflètent les goûts de leurs époques respectives, continueront de faire partie de notre quotidien, porteurs d'un art intemporel.