Fukushima Kazuhiro : À la croisée de la tradition et de l'avant-garde

On dit que la céramique d'Iga trouve son origine entre la fin du VIIe et le début du VIIIe siècle, dans la région de l'actuelle ville d'Iga, préfecture de Mie. Façonnée à partir de l'argile hautement réfractaire de l'ancien bassin du lac Biwa, elle a suivi l'une des trajectoires les plus singulières de l'histoire de la céramique japonaise.

À la fin du XVIe et au début du XVIIe siècle, durant la période Momoyama, la céramique d'Iga subit l'influence du seigneur de guerre et maître de thé Furuta Oribe. Des œuvres qui embrassaient la déformation, les brûlures et les dépôts de cendres comme partie intégrante de leur beauté émergèrent, donnant naissance à des chefs-d'œuvre de la céramique du thé. Ces créations, connues aujourd'hui sous le nom de ko-Iga, sont toujours considérées comme le sommet de la céramique japonaise. Bien que la céramique d'Iga ait ensuite décliné, elle connut un renouveau au milieu du XVIIIe siècle, lorsque les potiers commencèrent à produire non seulement des ustensiles pour le thé, mais aussi des objets du quotidien tels que des marmites en terre et des casseroles à manche unique yukihira , tirant parti de la résistance réfractaire de l'argile. Au XXe siècle, une nouvelle génération d'artistes se mit à nouveau en quête de formes d'expression inédites dans l'argile d'Iga.

Aujourd'hui, Fukushima Kazuhiro, huitième génération à la tête du four Mukai, établi de longue date, est l'une des figures les plus observées dans le monde de la céramique d'Iga. Ses œuvres incarnent un émail vidro vert vitreux, la vitalité brute de la terre, la beauté disruptive qui rappelle le ko-Iga, et des formes qui semblent s'adresser directement à la main. En première ligne d'une tradition séculaire, Fukushima continue de poursuivre sa propre vision de l'expression céramique.

Le four Mukai, situé à Marubashira, au cœur de la région d'Iga, fonctionne depuis plus de trois siècles. Bien qu'il soit né fils aîné du maître de la septième génération, Fukushima se souvient qu'il n'avait aucune intention de reprendre l'entreprise familiale.

« Dès le collège, j'aidais au four familial, et cela suffisait à me montrer à quel point la vie d'un potier pouvait être exigeante. La cuisson signifiait surveiller le four pendant quatre jours d'affilée, alimenter le feu toutes les cinq à six minutes, et transporter de l'argile qui pesait 20 kg. Je me souviens avoir pensé : "Quel métier éprouvant." »

En même temps, Fukushima ressentait un profond désir de consacrer sa vie à quelque chose qu'il pourrait poursuivre de tout son être. Après le lycée, il passa du temps à chercher sa propre voie. À vingt ans, sur un coup de tête, il toucha à nouveau l'argile au four familial. Ce seul geste détermina le cours de son avenir.

« Je l'avais évitée si longtemps, mais au moment où j'ai touché à nouveau l'argile, j'ai pensé : "Je veux faire cela." Du côté de mon père comme de celui de ma mère, la poterie est dans la famille. C'était peut-être dans mon ADN. »

Avec cette décision, Fukushima entra à l'Institut technique des céramistes de la préfecture de Kyoto, l'alma mater de son père, où il étudia la culture et les techniques de la céramique de Kyoto. Il devint ensuite apprenti auprès de feu Koie Ryoji (1938–2020) à Kamiyahagi, préfecture de Gifu. Koie était connu pour des œuvres allant de pièces fonctionnelles utilisant des méthodes traditionnelles à des pièces sculpturales transmettant des messages contre la guerre et les armes nucléaires, se déplaçant librement entre tradition et avant-garde. Sa réputation s'étendait à travers le monde de l'art contemporain.

Rencontrer Koie fut un choc qui bouleversa la perception de la céramique de Fukushima.

La vision du temps de Koie elle-même était différente : alors que la plupart des fours avaient des horaires de travail fixes, dans l'atelier de Koie, dès que l'inspiration frappait, le travail commençait, que ce soit à sept heures du matin ou dix heures du soir. Les apprentis qui assistaient à son travail céramique devaient se joindre immédiatement. L'atelier attirait également des artistes du monde entier, donnant à Fukushima l'occasion de rencontrer des perspectives plus larges et de réexaminer sa propre identité.

« L'année que j'ai passée avec Koie fut remplie de découvertes, de la vie quotidienne à l'approche de la création. L'une des leçons les plus profondes fut la nécessité d'aborder la création avec une conscience du contexte historique. La céramique japonaise a une longue histoire, évoluant à travers de nombreuses époques pour se connecter au présent. Il est essentiel d'étudier les grandes œuvres du passé, les matières premières et les techniques qui ont été transmises. Ce n'est qu'en rendant hommage à nos prédécesseurs que nous pouvons nous demander ce que nous sommes capables de créer maintenant, et placer dans cette création un message qui nous est propre. Koie continue de m'inspirer à la fois admiration et énergie. Rencontrer un tel maître fut un coup de chance extraordinaire. »

Après un an d'apprentissage, Fukushima se rendit aux États-Unis à l'invitation d'artistes liés à Koie. Il passa plusieurs années à Elk Valley, en Californie, apprenant les techniques du four anagama , littéralement « fours-grottes » en raison de leur forme, avant de retourner au Japon vers la fin de la vingtaine pour se concentrer sur son propre travail.

De retour à Marubashira, Fukushima hérita du four Mukai tout en construisant son propre four anagama chez lui. Un four anagama est un four simple en forme de tunnel construit dans une pente, utilisé au Japon depuis la période Jomon (env. 10 000 av. J.-C. – env. 300 av. J.-C.) jusqu'à l'époque médiévale. En brûlant du bois à haute température pendant de nombreuses heures, le four favorise des effets spectaculaires — un émail de cendre naturel qui se dépose comme un voile sur la surface, et des transformations imprévisibles nées de la force des flammes.

Les fours anagama furent au cœur de la céramique du thé ko-Iga de la période Momoyama, mais cédèrent ensuite la place à des fours noborigama plus efficaces, ou fours grimpants, pour la production de masse d'objets du quotidien. Au XXe siècle, cependant, des artistes en quête de la puissance expressive du ko-Iga se tournèrent à nouveau vers les fours anagama.

L'une des caractéristiques d'Iga ware est la glaçure verte vitreuse vidro, formée lorsque la cendre de bois tombe sur la surface de l'argile. Dans le four anagama, où la chambre de cuisson et la chambre de combustion sont reliées, l'expression de la glaçure varie considérablement selon l'emplacement de l'œuvre et la manière dont la cendre se dépose.

« Certains décrivent les variations de glaçure comme le 'produit du hasard', mais je crois que tout est le résultat naturel de causes et de choix. Par exemple, dans Iga ware, il existe une technique de glaçure appelée yobi-gusuri, où l'on applique une glaçure pour attirer la cendre qui tombe et former délibérément des bassins profonds et vitreux de glaçure vidro dans des zones ciblées. Bien entendu, je planifie également en détail l'emplacement de chaque pièce, le mouvement des flammes et la manière dont la cendre s'accumulera. Tout ce qui se passe à l'intérieur du four obéit à sa propre logique, et l'œuvre ne révèle que les résultats de ce que j'ai mis en mouvement de mes propres mains. »

Les flammes, l'argile et l'air étant des éléments naturels qui résistent au contrôle, il faut une véritable maîtrise pour créer une œuvre qui reflète l'expression voulue par l'artiste plutôt que quelque chose laissé au hasard. Fukushima décrit ses vingt et trente ans comme des années de lutte acharnée avec la terre et le four, un temps de construction de sa propre logique et technique.

« L'un des plus grands attraits du four anagama est le long temps qu'il me permet de passer avec chaque œuvre. Une seule cuisson peut durer de quatre-vingt-dix à cent trente heures, et tandis que je fais face à l'état toujours changeant du four, j'ai l'impression qu'on m'accorde du temps pour réfléchir à chaque pièce en cours de cuisson. Quand j'étais plus jeune, je me préoccupais toujours de la manière de réaliser une pièce, mais maintenant mon attention se porte sur ce que je veux exprimer. Je possède déjà les compétences et l'expérience pour façonner les pièces que j'imagine. Ce qui m'importe maintenant, c'est de les imprégner de pensée et de sentiment, et de les laisser parler comme un message. »

Les bassins profonds de glaçure vidro à l'intérieur, les textures vivantes de kairagi, les bords souples mais délicats — les œuvres de Fukushima attirent le regard par leur présence distincte. Se demandant toujours ce qu'est la beauté, il continue de créer en faisant face à son propre moi intérieur.

« Je trouve la beauté dans ce qui existe dans le monde naturel. La vitalité des fleurs sauvages, les motifs des feuilles, la couleur et la présence de l'argile. Ces choses changent et finissent par disparaître. Parce qu'elles ne sont pas éternelles, je veux capturer leur force vitale dans l'argile. Tout comme chaque plante diffère par sa forme et sa taille, chaque œuvre peut avoir sa propre individualité. Ce qui compte, c'est exprimer les mouvements du cœur face à la beauté de la nature. »

Parmi les nombreuses céramiques de thé distinctives que Fukushima a créées, le Oribe Pearled Bloom Matcha Bowl peut être considéré comme l'aboutissement de son travail à ce jour. Avec la présence d'une masse de terre, des paysages façonnés par la glaçure Oribe et kairagi, et un bord à boire réduit à la limite de l'utilisable, le bol à thé, parfois appelé Iga Oribe, bien qu'enraciné dans les matériaux et techniques de la tradition Iga, est en même temps plein de jeu et d'invention.

« Il fonctionne comme un bol à thé, tout en exprimant la sévérité et la sauvagerie de l'argile elle-même. C'est l'une des formes d'expression que je peux créer aujourd'hui. Lorsque je l'ai exposé lors d'une exposition personnelle, un praticien du thé m'a dit : 'On peut tout juste battre le thé dans celui-ci.' J'étais ravi. J'ai eu l'impression que mon intention de défier le concept du bol à thé, tout en respectant la tradition, avait été comprise. »