Wakunami Madoka : En dialogue avec la poterie Jomon

Avant les mots, avant l'histoire écrite, il y avait la forme, laissant sa trace comme témoignage d'une vie ancienne.

Dans les récipients du peuple Jomon, créés il y a plus de 10 000 ans, la fonction seule ne peut expliquer l'intensité de leurs formes. Ces objets dépassent l'utilité, suggérant une manière d'être inséparable de l'imagination, de la croyance et de l'expérience vécue.

La céramiste Wakunami Madoka, basée à Kyoto, aborde la poterie Jomon non comme un style à reproduire, mais comme l'origine de sa créativité et de son métier.

Chacune de ses œuvres est façonnée par une vision intérieure et une fascination. Entièrement modelée à la main, la création est guidée par une longue familiarité avec l'argile, la structure et la cuisson.

Les graines de l'inspiration tombent parfois plus près qu'on ne pourrait le penser.

La rencontre de Wakunami avec la poterie Jomon n'a pas commencé par une recherche académique ou une intention curatoriale, mais par un devoir d'été de collège rapporté à la maison par son fils. Invité à créer quelque chose en lien avec la société et l'artisanat, il a choisi de remonter aux origines de la poterie elle-même, ayant grandi comme enfant d'un four Kiyomizu ware. Comprenant combien il est difficile de donner forme physique à une idée imaginée, Wakunami a aidé son fils à travailler l'argile.

Ce qui a commencé comme un petit projet s'est rapidement approfondi. En examinant de plus près la poterie Jomon, Wakunami s'est trouvée de plus en plus absorbée. La complexité des formes, la confiance de leur construction et l'ambition pure intégrée dans des objets fabriqués il y a des milliers d'années lui ont semblé saisissantes. Ils étaient complets, assurément expressifs et faits pour être utilisés.

« Je me suis complètement absorbée dans la beauté de ce monde. J'ai eu l'impression qu'il venait du sommet même de la création. »

À l'époque, Wakunami avait déjà passé de nombreuses années à travailler dans le contexte de Kiyomizu ware aux côtés de son mari, le quatrième génération Soryu, immergée dans la production quotidienne et les techniques établies de longue date.

Précisément parce qu'elle savait ce que signifiait maintenir une pratique céramique, la rencontre avec Jomon lui a semblé significative. Plutôt que de voir la poterie ancienne comme une référence stylistique, elle a commencé à la considérer comme un rappel d'un moment avant les catégories—avant que « l'usage », « la décoration » ou même « la tradition » ne soient clairement séparés.

Il est important de noter qu'elle n'a pas abordé la poterie Jomon avec l'intention de la comprendre ou de l'expliquer. L'archéologie reconnaît que si beaucoup de choses sont connues sur la façon dont les récipients Jomon ont été fabriqués, beaucoup reste non résolu. Pour Wakunami, cette incertitude n'était pas une limitation.

« Mon travail commence par le respect pour le peuple Jomon. Je réimagine les différentes formes et, en appliquant l'émail, je les amène dans le présent. »

Les œuvres d'inspiration Jomon de Wakunami sont inséparables de son expérience accumulée en tant que créatrice. Née dans une famille d'artisans céramistes à Fukuoka, au sein d'une lignée associée à la poterie Koishiwara, elle a grandi dans un environnement où l'argile et le travail du four faisaient partie de la vie quotidienne. Pourtant, en tant que troisième fille dans une famille de quatre sœurs, elle n'a jamais été positionnée comme héritière.

La céramique est donc devenue un choix conscient. Elle a étudié la poterie à l'Université de Saga et, après avoir obtenu son diplôme, a quitté Kyushu, choisissant Kyoto pour poursuivre sa formation.

À Kyoto, elle a suivi une formation céramique formelle et a ensuite rejoint la vie professionnelle de Kiyomizu ware par le mariage. Pendant près d'une décennie, elle a travaillé largement hors de vue—soutenant la production, assistant et créant sans paternité publique. Cette période l'a ancrée dans les réalités du maintien d'un four, de la gestion des matériaux et de la négociation de la tension entre continuité et changement.

Ce parcours informe sa pratique actuelle. Son travail n'est pas un exercice conceptuel superposé à l'artisanat, mais un processus enraciné dans une longue familiarité avec l'argile, la structure et la cuisson—une imagination soutenue par la répétition et le risque.

Toutes les œuvres Jomon de Wakunami sont construites entièrement à la main. Elle n'utilise pas de tour. Comme les récipients anciens qui l'inspirent, chaque pièce est construite par colombinage, s'élevant progressivement depuis la base.

La forme achevée existe d'abord comme une image intérieure, entièrement formée dans son esprit, et se réalise par un processus lent et physique. Plutôt que d'aborder les récipients Jomon de manière symbolique, Wakunami les regarde du point de vue d'une créatrice : comment ils se tiennent, comment le poids est supporté, comment des formes élaborées ont été assemblées sans tour.

Son étude de la poterie Jomon est visuelle et expérientielle plutôt qu'académique. Elle ne travaille pas à partir de diagrammes ou de typologies, ni ne commence par une classification historique. Au lieu de cela, elle visite des musées et des collections archéologiques quand le temps le permet—voyageant dans des régions comme Nagano et Yamanashi—et répond à ce qui la touche.

Plutôt que d'utiliser l'argile riche en fer typique de l'ancienne poterie Jomon, Wakunami travaille avec une argile semi-porcelaine—un mélange d'argile de grès et de porcelaine. Ce choix permet un meilleur contrôle structurel et une expression plus claire de l'émail, tout en évitant la fragilité et les taux de perte élevés associés à la porcelaine pure. Alors que la poterie Jomon n'est pas émaillée, Wakunami choisit les émaux comme décision artistique—une décision qui permet aux formes anciennes d'entrer discrètement dans le présent.

Un sens de la structure et de l'émerveillement émerge à travers des formes semblables à des flammes qui s'élèvent du corps du récipient. Dans sa pièce Homura, signifiant flamme, ces éléments sont sculptés plutôt qu'appliqués, créant une présence façonnée par l'équilibre et la tension plutôt que par la reproduction.

L'attention se tourne ensuite vers l'intérieur, vers le mouvement et la profondeur. Dans Suien—littéralement « fumée d'eau »—des espaces évidés et un émail bleu retenu permettent à la variation de surgir naturellement, par accumulation, décoloration et abrasion pendant la cuisson.

La résonance émotionnelle la plus directe apparaît dans les volumes arrondis formés autour d'une cavité interne. Dans Taido, qui se traduit par « matrice » et « argile », cette structure évoque la naissance et l'émergence—une réponse intuitive à une époque où la vie était ressentie comme profondément vulnérable.

« La vie devait sembler d'une préciosité insoutenable alors. C'est ce sentiment que je voulais toucher. »

Entrer dans l'œuvre de Wakunami, c'est remonter dans l'histoire profonde de l'une des plus anciennes poteries au monde, réinterprétée à travers un art fermement ancré dans le présent. Wakunami ne se positionne pas comme experte de l'histoire Jomon. Son savoir est pratique, visuel et intuitif. Elle observe, absorbe et répond, permettant à l'imagination inscrite dans la poterie ancienne de rester active.

Interrogée sur ce qui distingue ces œuvres de la vaisselle, Wakunami décrit non pas un changement de pratique, mais une différence d'intensité émotionnelle.

« Avec ces pièces, je peux verser mon amour dans le travail plus librement. Elles sont extrêmement exigeantes à réaliser—mais c'est ce qui les rend si plaisantes. »

Au cœur de sa pratique se trouve une admiration pure pour la beauté de la poterie Jomon pleinement réalisée. Il y a une clarté dans cette fascination, associée au savoir-faire d'une céramiste expérimentée qui sait donner forme à ce qui la touche.