Yamada Yoshiaki : maîtrise du dessin et beauté de l'espace vide

Yamada Yoshiaki maîtrise la porcelaine. Ses œuvres témoignent de la beauté complexe de la flore et de la faune. Chaque pièce tisse une tapisserie délicate de vie, capturant non seulement l'essence visuelle mais aussi l'essence auditive du bruissement des feuilles et du chant mélodieux des oiseaux. Son art invite à des rêveries naturelles sereines.

Connaisseur de l'espace négatif, le réalisme de Yamada est à la fois saisissant et profond. Son savoir-faire exquis lui a valu une reconnaissance généralisée, y compris l'honneur distingué de voir son travail inclus dans la collection de l'Agence de la Maison Impériale.

L'équipe Musubi a eu le privilège de visiter l'atelier de Yamada, un sanctuaire niché au pied du majestueux Mont Hakusan. Entouré par la splendeur de la nature, son art n'est pas simplement un métier mais un mode de vie, son âme en parfaite harmonie avec son environnement.

Yamada est né dans une famille imprégnée de la tradition de Kutani ware, son père étant également un maître artisan. Il a commencé son métier à l'âge de 20 ans, travaillant dans l'entreprise familiale à Sano, une région réputée pour akae, ou peinture rouge. Durant cette période prospère, l'utilisation de tampons rationalisait le processus de décoration, facilitant la production de masse.

Cependant, après s'être marié à vingt-cinq ans et avoir eu un enfant l'année suivante, il a commencé à se demander s'il devait continuer uniquement avec la production de masse basée sur les tampons. Cela a marqué un tournant pour lui, l'incitant à se plonger dans l'étude des techniques traditionnelles de peinture à la main.

Initialement, son style présentait des lignes rigides et des couleurs primaires audacieuses, mais avec le temps, il s'est orienté vers la création de pièces plus douces et d'inspiration plus naturelle.

Lors d'une visite à son atelier, il a présenté à l'équipe Musubi sa collection d'échantillons de couleurs précieux qu'il avait méticuleusement recherchés. Ceux-ci comprenaient une gamme de nuances comme les verts, les bruns et les bleus, qu'il utilise comme base pour mélanger ses propres peintures. Il a commencé à esquisser un dessin préliminaire fin sur du papier découpé en forme ronde, utilisant un type de papier carbone pour les transferts.

Ensuite, il utilise gosu, un bleu de cobalt sous glaçure, pour kotsugaki, une technique qui consiste à tracer des contours audacieux avant d'ajouter de la couleur. Il diffuse ensuite doucement ces lignes avec de l'eau avant de superposer les pigments colorés.

En étant témoin de sa méthode de première main, notre équipe a acquis une profonde appréciation pour son dévouement méticuleux et l'intégrité artistique qui le définit en tant qu'artisan de Kutani ware.

L'atelier de Yamada est un trésor de carnets de croquis, chaque page remplie d'études complexes des mêmes plantes rendues dans d'innombrables variations. Ces illustrations démontrent vivement son engagement envers l'observation directe, une pierre angulaire de son style artistique unique.

Yamada a été profondément influencé par Takegoshi Yoshiyuki, un maître de troisième génération de Kutani ware, sous lequel il a étudié en tant que jeune apprenti. Ce mentorat a instillé un dévouement rigoureux au croquis qui a considérablement façonné son style artistique distinctif. De plus, Yamada a affiné ses compétences dans la manipulation des pigments japonais et les techniques de peinture détaillée grâce aux leçons de nombreux maîtres. En conséquence, son Wild Grape Design Large Plate a été sélectionné pour la première fois à l'Exposition d'Art Traditionnel du Japon.

Au début de sa carrière, Yamada a expérimenté l'encre sur shikishi, un type spécial de papier cartonné japonais souvent utilisé pour la peinture, le dessin et les autographes, où il a d'abord saisi l'impact profond de l'espace négatif. « Équilibrer les éléments à travers l'espace négatif est crucial pour créer des œuvres raffinées et captivantes », explique-t-il, notant le défi de maîtriser cette technique. Yamada arrange méticuleusement les plantes et les oiseaux, considérant l'interaction des formes et des vides. Une seule composition nécessite souvent sept ou huit esquisses préliminaires.

Pour Yamada, dessiner d'après nature est essentiel pour créer une vision véritablement originale. En incorporant ses propres observations de terrain dans ses œuvres, il évite la simple réplication. Il s'émerveille du pouvoir transformateur de la nature, notant qu'une seule plante peut apparaître radicalement différente selon la période de l'année, l'emplacement et la perspective.

« Même le plus petit détail, comme un trou fait par un insecte, peut ajouter de la profondeur et de l'intrigue à une pièce. »

Yamada s'est précédemment concentré sur la création de grands objets tels que des vases et des assiettes décoratives, mais il s'est récemment tourné vers la production de vaisselle. Il mentionne que tandis que les vases et les assiettes décoratives se tiennent comme des œuvres d'art complètes en elles-mêmes, la vaisselle ne prend véritablement son sens que lorsqu'elle est utilisée pour présenter de la nourriture. Par conséquent, il conçoit en mettant l'accent sur l'harmonie entre la vaisselle et la nourriture qu'elle contiendra, évitant les couleurs trop vives. L'objectif de Yamada est de créer des pièces qui non seulement ravissent les yeux mais améliorent également l'expérience de leur utilisation.

Au-delà de ses réalisations personnelles, Yamada est profondément engagé à encadrer la prochaine génération, visant à préserver l'héritage et la signification culturelle de Kutani ware. Il observe que les jeunes artisans d'aujourd'hui développent des styles qui divergent des méthodes traditionnelles, et il est optimiste quant à leurs approches innovantes. S'adressant à ces artisans, Yamada a souligné : « Concevez des produits en pensant aux utilisateurs et collaborez avec vos pairs pour améliorer collectivement l'héritage de Kutani ware. »

Le langage artistique de Yoshiaki Yamada se définit par l'observation méticuleuse de la nature à travers le croquis et l'utilisation intentionnelle de l'espace négatif. Ses explorations juvéniles du Mont Hakusan ont joué un rôle crucial dans la cultivation de son style unique. Puisant son inspiration dans l'appréciation esthétique japonaise de l'espace négatif, Yamada croit en la beauté de la simplicité et de l'ordre.

« Je trouve la beauté dans les choses qui sont libres d'excès, propres et bien organisées. »

Les techniques et l'esthétique exceptionnelles de Yamada sont prêtes à avoir un impact durable sur le développement de l'art céramique.