Tamura Seito : Calligraphie sur Kutani, une connexion à travers le temps

La pointe fine d'un pinceau trempé dans un pigment noir touche la porcelaine émaillée. Bien qu'elle ne mesure que quelques poils d'épaisseur, ses soies se courbent à peine en glissant sur la surface. Un seul trait achevé, le pinceau se soulève brièvement, puis se pose à nouveau. Il semble trembler, pourtant ses mouvements sont assurés tandis qu'ils dessinent un nouveau trait : un empattement plus épais. Deux traits de plus, et des lignes apparemment déconnectées se rejoignent. Un caractère hiragana japonais a émergé. Bientôt, un poème entier prend forme, des mots millénaires qui respirent sur la céramique.

C'est le travail de Tamura Seito, successeure de quatrième génération d'une technique connue sous le nom de Kutani mohitsu saiji, ou Kutani micro-calligraphie au pinceau. Seule artiste restante de ce style, elle combine avec habileté des émaux expressifs et des poèmes waka pour créer des pièces unifiées où les espaces vides entre les caractères racontent autant d'histoire que les mots eux-mêmes.

Nous nous sommes entretenus avec elle pour parler de son retour à ses racines, de la créativité qui vit dans l'espace négatif, et de la façon dont les poèmes de personnes d'il y a plus de mille ans résonnent encore aujourd'hui.

Redécouvrir la valeur de ses origines

« Pour être honnête, je n'étais pas du tout intéressée par la reprise de l'entreprise familiale », confie Tamura. « Au contraire, je voulais vraiment partir à l'étranger et essayer de travailler dans un bureau. Je voulais voir ce qu'était une entreprise. »

C'est difficile à imaginer, entourée comme elle l'est maintenant par ses outils de travail : au moins cinq pots de pinceaux alignés sur son bureau, le plateau d'un tour de potier à son coude, et des œuvres en cours soigneusement empilées sur des étagères dans le coin.

« Mon père faisait toujours le même travail seul à la maison, alors cela me semblait plutôt ordinaire. »

Bien qu'elle ait étudié le Kutani mohitsu saiji sous la direction de son père, Tamura Keisei, Tamura a également obtenu son diplôme de l'Université de Tsukuba, École d'études internationales, en 2004. Elle a passé les trois années suivantes à travailler dans la vente, un emploi qu'elle trouvait tout à fait agréable. C'est aussi pendant cette période qu'elle a commencé à voir le travail de son père sous un jour différent. Les produits qu'elle rencontrait dans les magasins ne se comparaient tout simplement pas aux pièces qu'elle l'avait vu créer chaque jour.

« Les autres choses semblaient superficielles en comparaison. Quand ce niveau de qualité fait simplement partie de votre vie quotidienne depuis l'enfance, votre œil s'y habitue naturellement. »

Tamura a également commencé à penser qu'elle voulait créer quelque chose qu'elle pourrait continuer à construire au fil du temps — quelque chose qui durerait et resterait.

« À cette époque », poursuit-elle, « alors que je réfléchissais au type de travail auquel je voulais consacrer ma vie, j'ai réalisé que mon père était le dernier artisan pratiquant le Kutani mohitsu saiji. Une fois qu'il serait parti, la technique elle-même disparaîtrait. »

Elle a décidé de retourner à l'école, cette fois pour étudier la céramique, complétant une formation à l'Institut de formation technique Kutani de la préfecture d'Ishikawa en 2007. Elle a commencé à exposer dès 2008 et s'est consacrée avec diligence à l'artisanat depuis lors.

Bien qu'elle s'inspire de son père et de son grand-père, Tamura Kinsei de deuxième génération, elle forge régulièrement sa propre voix artistique.

« Je veux écrire des caractères doux », dit-elle de ses techniques de lettrage, utilisant un mot qui peut se traduire également par doux, souple ou bienveillant. « Des caractères avec un sens de la souplesse ou de la flexibilité. Je conçois mes pièces pour qu'elles soient belles sous tous les angles. En fin de compte, j'espère que la personne qui accueille mes pièces sera celle qui achèvera l'œuvre. »

De cette façon, les caractères « doux » ne concernent pas seulement la forme ou la technique, mais aussi la considération pour l'utilisateur. Une calligraphie qui répond non seulement au récipient sur lequel elle est peinte, mais aussi à l'humeur même de la personne qui en profite — c'est ce qui forme le cœur du travail de Tamura.

Laisser l'œuvre parler

Pourtant, l'art de Tamura ne s'arrête pas à la micro-calligraphie. En fait, il commence bien avant que le pinceau de calligraphie ne touche la céramique. Une autre caractéristique de ses créations comprend des émaux expressifs, ainsi que des motifs peints dans les cinq couleurs traditionnelles de Kutani ware, le Kutani gosai.

La façon dont Tamura combine les techniques révèle un autre aspect de son approche artistique flexible et réactive. Sa série Washi, par exemple, présente un émail blanc texturé qui rappelle le fin papier washi . L'émail est pulvérisé, créant un motif différent à chaque fois. Tamura ajuste le placement des caractères pour correspondre aux variations naturelles de l'émail. Elle écrit tout son travail à l'œil nu. Aucune loupe n'est utilisée, même pour les plus petits caractères.

Les couleurs, elles aussi, varient avec chaque pièce. Certaines sortent du four avec des nuances roses ; d'autres tendent vers le jaune. Ce n'est qu'alors que Tamura décide de l'orientation de l'œuvre. Elle pourrait choisir des motifs de fleurs de cerisier ou une poésie sur le thème du printemps pour une pièce rose, tout en apportant des feuilles d'automne et des thèmes aux récipients teintés de jaune. L'œuvre d'art est ainsi redécouverte à chaque étape.

Les poèmes que Tamura choisit, et les surfaces de ses œuvres, sont en dialogue l'un avec l'autre.

« Avec cet émail blanc, si je mets un poème sur le thème de la neige, cela ressemble à de la neige ; si je mets un poème sur les fleurs de cerisier, cela ressemble à des pétales qui se dispersent dans le vent. » Donnant un autre exemple, elle dit : « Parfois, j'ai l'intention dès le départ d'utiliser un émail rouge parce que je veux inclure un poème sur les feuilles d'érable ; selon le résultat, je pourrais décider que cela convient plutôt aux fleurs de cerisier, ou que cela convient à un poème sur le crépuscule. Donc je ne décide pas tout à l'avance. L'œuvre se construit à travers ce processus de découverte de nouvelles possibilités dans ce qui émerge. »

Pourtant, Tamura laisse intentionnellement de l'espace vide, à la fois littéralement — très peu de ses récipients sont complètement couverts de texte ou de motifs — et conceptuellement.

« J'aime créer une atmosphère qui permet aux spectateurs d'interpréter une pièce eux-mêmes », dit-elle.

Poèmes en voyage

Les poèmes se prêtent bien à cet art de l'espace négatif. La plupart sont des waka issus des plus anciennes anthologies poétiques du Japon : le Manyoshu, compilé dans la dernière partie de la période Nara (710–794 apr. J.-C.), et le Kokin Wakashu (vers 905–920 apr. J.-C.).

« Les waka ne contiennent que trente et une syllabes », explique Tamura, « donc vous devez combler les vides avec votre imagination. Vous finissez par réfléchir au poème tout en évoquant quelque chose en vous-même. »

Écrits en japonais classique, le contenu n'est pas particulièrement facile à comprendre, même pour la plupart des locuteurs natifs japonais. Mais pour Tamura, cela fait partie de l'attrait.

« Je pense qu'il est bon de ne pas tout comprendre. Il n'y a aucun attrait dans une liste de ce qui s'est passé ce jour-là, ou dans une conclusion après l'autre. Au contraire, même si vous ne pouvez pas lire ce qui est écrit, si cela ressemble toujours au japonais, je pense que c'est exactement ce qu'il faut. Quand c'est juste à la limite de "je peux le lire, je ne peux pas le lire". C'est le point d'équilibre que je vise avec ma calligraphie. »

Le système d'écriture japonais contient trois scripts : les kanji, ou caractères empruntés au chinois ; katakana, un système phonétique souvent utilisé pour les mots empruntés ; et les hiragana, le principal script phonétique.

« La beauté des hiragana, qui sont asymétriques, est quelque chose d'unique au Japon, et je veux vraiment préserver cela. Cette qualité dispersée, ce sentiment d'être irrégulier mais harmonieux, c'est ce que je vise. »

Leurs qualités visuelles peuvent être appréciées en elles-mêmes, que l'on comprenne leur signification ou non.

Bien que Tamura ait commencé avec des poèmes d'amour, aujourd'hui elle se sent attirée par les poèmes sur les personnes en voyage. Cela semble approprié pour une artiste qui a trouvé sa vocation en quittant son foyer et en y revenant.

« J'ai l'impression de m'appuyer fortement sur le pouvoir de ces poèmes. » Bien que son travail puisse être solitaire, Tamura ne crée pas seule. Les poèmes, la langue et la sensibilité qu'ils portent ont été transmis pendant des siècles. Son rôle est d'emprunter leur pouvoir et leur beauté, d'ajouter sa propre perspective, et de les laisser parler à nouveau à travers Kutani ware.

Lettres envoyées à travers mille ans

« Qu'un poème composé par une personne il y a si longtemps nous soit parvenu aujourd'hui — c'est tout simplement extraordinaire, n'est-ce pas ? Bien que cette personne ait vécu si loin dans le passé, elle était toujours humaine, comme nous. Les émotions sont les mêmes. Un waka est un chant, mais c'est aussi comme une lettre. Lire ces mots et ressentir de l'empathie pour quelqu'un né il y a plus de mille ans — il y a quelque chose de profondément émouvant dans cela. »

Le travail de Tamura, lui aussi, est comme une lettre. Un moment capturé dans le temps, réceptif au destinataire, il n'est vraiment achevé qu'une fois qu'il atteint un autre être humain. Chacun des récipients de Tamura est destiné à être complété par celui qui le tient. Un voyageur ancien partant en voyage, une artiste de quatrième génération peignant dans son atelier, et, de l'autre côté d'un océan, une personne plaçant une fleur dans un vase orné de calligraphie, le tournant pour capter la lumière du jour exactement comme il faut. Chaque personne et chaque moment sont connectés, une douce lettre d'humanité qui est toujours en train d'être écrite.

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