Fukushima Kazuhiro: Am Scheideweg von Tradition und Avantgarde

Iga-Ware entstand vermutlich zwischen dem späten siebten und frühen achten Jahrhundert in der Gegend der heutigen Stadt Iga in der Präfektur Mie. Geformt aus dem hochfeuerfesten Ton des ehemaligen Biwa-See-Beckens, folgte diese Keramik einem der markantesten Wege in der Geschichte japanischer Keramik.

Im späten sechzehnten und frühen siebzehnten Jahrhundert, während der Momoyama-Zeit, geriet Iga-Ware unter den Einfluss des Kriegsherrn und Teemeisters Furuta Oribe. Werke entstanden, die Verformung, Versengung und Ascheablagerungen als Teil ihrer Schönheit annahmen, und brachten Meisterwerke der Teekeramik hervor. Diese Schöpfungen, heute als ko-Iga bekannt, gelten noch immer als Höhepunkt japanischer Keramik. Obwohl Iga-Ware später zurückging, erlebte sie Mitte des achtzehnten Jahrhunderts eine Wiederbelebung, als Töpfer begannen, nicht nur Teeutensilien, sondern auch Alltagsgegenstände wie Tontöpfe und einhenkelige yukihira -Töpfe herzustellen und dabei die feuerfeste Stärke des Tons nutzten. Im zwanzigsten Jahrhundert begannen Künstler einer neuen Generation erneut, frische Ausdrucksformen im Iga-Ton zu suchen.

Heute ist Fukushima Kazuhiro, der achte Generationsleiter der traditionsreichen Mukai-Brennerei, eine der am meisten beachteten Figuren in der Welt der Iga-Ware. Seine Werke verkörpern eine glasige grüne Vidro-Glasur, die raue Vitalität der Erde, die disruptive Schönheit, die an ko-Iga erinnert, und Formen, die direkt zur Hand zu sprechen scheinen. An der vordersten Front einer jahrhundertealten Tradition stehend, verfolgt Fukushima weiterhin seine eigene Vision keramischen Ausdrucks.

Die Mukai-Brennerei in Marubashira, dem Herzen der Iga-Ware, besteht seit über drei Jahrhunderten. Obwohl als ältester Sohn des Meisters der siebten Generation geboren, erinnert sich Fukushima daran, dass er keine Absicht hatte, das Familienunternehmen zu übernehmen.

„Als ich in der Mittelschule war, half ich in der Familienbrennerei, und das reichte aus, um mir zu zeigen, wie anspruchsvoll das Leben eines Töpfers sein konnte. Das Brennen bedeutete, vier Tage lang den Ofen zu betreuen, alle fünf bis sechs Minuten Holz nachzulegen und Ton zu schleppen, der 20 kg wog. Ich erinnere mich, dass ich dachte: ‚Was für eine zermürbende Arbeit.'"

Gleichzeitig verspürte Fukushima den tiefen Wunsch, sein Leben etwas zu widmen, dem er sich mit ganzem Herzen hingeben konnte. Nach der Oberschule verbrachte er Zeit damit, nach einem eigenen Weg zu suchen. Im Alter von zwanzig Jahren berührte er auf einen Impuls hin erneut Ton in der Brennerei seiner Familie. Diese einzelne Handlung legte den Kurs für seine Zukunft fest.

„Ich hatte es so lange vermieden, aber in dem Moment, als ich den Ton wieder berührte, dachte ich: ‚Das will ich tun.' Sowohl auf der Seite meines Vaters als auch meiner Mutter liegt Töpferei in der Familie. Vielleicht war es in meiner DNA."

Mit dieser Entscheidung trat Fukushima in das Kyoto Prefectural Ceramists' Technical Institute ein, die Alma Mater seines Vaters, wo er die Kultur und Techniken der Kyoto-Ware studierte. Anschließend absolvierte er eine Lehre bei dem verstorbenen Koie Ryoji (1938–2020) in Kamiyahagi, Präfektur Gifu. Koie war bekannt für Werke, die von funktionalen Waren mit traditionellen Methoden bis zu skulpturalen Stücken reichten, die Botschaften gegen Krieg und Atomwaffen vermittelten, und sich frei zwischen Tradition und Avantgarde bewegten. Sein Ruf erstreckte sich über die Welt der zeitgenössischen Kunst.

Die Begegnung mit Koie war ein Schock, der Fukushimas Wahrnehmung von Keramik auf den Kopf stellte.

Koies Zeitverständnis war anders: Während die meisten Brennereien feste Arbeitszeiten hatten, begann in Koies Atelier die Arbeit in dem Moment, in dem die Inspiration kam, ob um sieben Uhr morgens oder zehn Uhr abends. Lehrlinge, die bei seiner keramischen Arbeit assistierten, mussten sofort mitmachen. Das Atelier zog auch Künstler aus der ganzen Welt an und gab Fukushima die Gelegenheit, breitere Perspektiven kennenzulernen und seine eigene Identität zu überdenken.

„Das Jahr, das ich mit Koie verbrachte, war voller Entdeckungen, vom täglichen Leben bis zum Ansatz der Schöpfung. Eine der tiefgreifendsten Lektionen war die Notwendigkeit, die Schöpfung mit einem Bewusstsein für den historischen Kontext anzugehen. Japanische Keramik hat eine lange Geschichte, die sich durch viele Epochen entwickelt hat, um mit der Gegenwart zu verbinden. Es ist wesentlich, die großen Werke der Vergangenheit, die Rohstoffe und die Techniken zu studieren, die überliefert wurden. Nur indem wir unseren Vorgängern Respekt zollen, können wir uns fragen, was wir jetzt zu schaffen fähig sind, und in diese Schöpfung eine eigene Botschaft legen. Koie inspiriert mich weiterhin mit Bewunderung und Energie. Einen solchen Meister zu treffen, war ein außergewöhnlicher Glücksfall."

Nach einem Jahr Lehre ging Fukushima auf Einladung von Künstlern, die mit Koie verbunden waren, in die Vereinigten Staaten. Er verbrachte mehrere Jahre in Elk Valley, Kalifornien, und lernte die Techniken des anagama -Ofens, wörtlich „Höhlenöfen" aufgrund ihrer Form, bevor er Ende zwanzig nach Japan zurückkehrte, um sich auf seine eigene Arbeit zu konzentrieren.

Nach seiner Rückkehr nach Marubashira übernahm Fukushima die Mukai-Brennerei und baute gleichzeitig seinen eigenen anagama-Ofen zu Hause. Ein anagama-Ofen ist ein einfacher tunnelförmiger Ofen, der in einen Hang gebaut wird und in Japan von der Jomon-Zeit (ca. 10.000 v. Chr. – ca. 300 v. Chr.) bis ins Mittelalter verwendet wurde. Durch das Verbrennen von Holz bei hohen Temperaturen über viele Stunden fördert der Ofen dramatische Effekte – natürliche Ascheglasur, die sich wie ein Schleier auf der Oberfläche niederlässt, und unvorhersehbare Verwandlungen, die aus der Kraft der Flammen geboren werden.

Anagama-Öfen waren zentral für die ko-Iga-Teekeramik der Momoyama-Zeit, wichen aber später effizienteren noborigama -Öfen, oder Kletteröfen, für die Massenproduktion von Alltagswaren. Im zwanzigsten Jahrhundert wandten sich jedoch Künstler, die die Ausdruckskraft von ko-Iga suchten, erneut anagama-Öfen zu.

Ein Kennzeichen der Iga-Keramik ist die glasartige grüne Vidro-Glasur, die entsteht, wenn Holzasche auf die Tonoberfläche fällt. Im Anagama-Ofen, wo Brennkammer und Verbrennungskammer verbunden sind, verändert sich der Ausdruck der Glasur dramatisch – abhängig von der Platzierung des Werks und davon, wie sich die Asche absetzt.

„Manche beschreiben die Glasurvariationen als ‚Produkt des Zufalls', aber ich glaube, alles ist das natürliche Ergebnis von Ursachen und Entscheidungen. In der Iga-Keramik gibt es zum Beispiel eine Glasurtechnik namens yobi-gusuri, bei der eine Glasur aufgetragen wird, um fallende Asche anzuziehen und gezielt tiefe, glasartige Vidro-Glasurpools in bestimmten Bereichen zu bilden. Natürlich plane ich auch im Detail die Platzierung jedes Stücks, die Bewegung der Flammen und die Art, wie sich die Asche ansammeln wird. Alles, was im Ofen geschieht, folgt seiner eigenen Logik, und das Werk offenbart nur die Ergebnisse dessen, was ich mit meinen eigenen Händen in Gang gesetzt habe."

Da Flammen, Ton und Luft natürliche Elemente sind, die sich schwer kontrollieren lassen, erfordert es wahre Meisterschaft, ein Werk zu schaffen, das den beabsichtigten Ausdruck des Künstlers widerspiegelt – und nicht etwas, das dem Zufall überlassen wurde. Fukushima beschreibt seine Zwanziger und Dreißiger als Jahre des unermüdlichen Ringens mit Erde und Ofen, eine Zeit, in der er seine eigene Logik und Technik aufbaute.

„Einer der größten Reize des Anagama-Ofens ist die lange Zeit, die er mir erlaubt, mit jedem Werk zu verbringen. Ein einzelner Brand kann neunzig bis hundertdreißig Stunden dauern, und während ich dem sich ständig verändernden Zustand des Ofens gegenüberstehe, fühlt es sich an, als würde mir Zeit geschenkt, über jedes gebrannte Stück nachzudenken. Als ich jünger war, beschäftigte mich immer die Frage, wie ich ein Stück herstellen sollte, aber jetzt liegt mein Fokus darauf, was ich ausdrücken möchte. Ich besitze bereits die Fähigkeiten und Erfahrung, um die Stücke zu formen, die ich mir vorstelle. Was mir jetzt wichtig ist: sie mit Gedanken und Gefühlen zu erfüllen und sie als Botschaft sprechen zu lassen."

Die tiefen Vidro-Glasurpools im Inneren, die lebendigen Texturen von kairagi, die geschmeidigen und zugleich zarten Ränder – Fukushimas Werke ziehen den Betrachter mit ihrer ausgeprägten Präsenz in ihren Bann. Stets sich selbst fragend, was Schönheit ist, schafft er weiter, während er seinem eigenen Inneren begegnet.

„Ich finde Schönheit in dem, was in der natürlichen Welt existiert. Die Vitalität von Wildblumen, die Muster von Blättern, die Farbe und Präsenz von Ton. Diese Dinge verändern sich und verschwinden schließlich. Weil sie nicht ewig sind, möchte ich ihre Lebenskraft im Ton festhalten. So wie jede Pflanze sich in Form und Größe unterscheidet, kann jedes Werk seine eigene Individualität haben. Was zählt, ist, die Regungen des Herzens auszudrücken, wenn man der Schönheit der Natur begegnet."

Unter den vielen charakteristischen Teekeramiken, die Fukushima geschaffen hat, kann die Oribe Pearled Bloom Matcha-Schale als Höhepunkt seiner bisherigen Arbeit betrachtet werden. Mit der Präsenz einer Erdmasse, Landschaften, die von Oribe-Glasur und kairagi geformt wurden, und einem Trinkrand, der bis an die Grenze der Nutzbarkeit reduziert ist, ist die Teeschale – manchmal Iga Oribe genannt – zwar in den Materialien und Techniken der Iga-Tradition verwurzelt, aber zugleich voller Verspieltheit und Erfindungsreichtum.

„Sie funktioniert als Teeschale und drückt doch die Strenge und Wildheit des Tons selbst aus. Das ist eine der Ausdrucksformen, die ich heute schaffen kann. Als ich sie bei einer Einzelausstellung zeigte, sagte ein Teepraktiker zu mir: ‚Man kann gerade noch Tee darin schlagen.' Ich war erfreut. Es fühlte sich an, als wäre meine Absicht verstanden worden, das Konzept einer Teeschale herauszufordern und dabei die Tradition zu respektieren."