Porzellan-Botanicals: Die natürlichen Texturen von Ohigashi Alyne

Betreten Sie das üppige Atelier der Tobe-Keramikkünstlerin Ohigashi Alyne, wo Porzellan zu fantastischen Formen erblüht.

Team MUSUBI·September 16, 2025

Porcelain Botanicals: The Natural Textures of Ohigashi Alyne

Wir schlängelten uns einen steilen Hügel hinauf, Streifen von Morgenlicht lugten durch dichte Wolken, während Nebel an den Bergen hing. Oben angekommen, wurden wir von einem plötzlichen Regenschauer erfasst, der ebenso schnell aufhörte, wie er begonnen hatte. Heuschrecken wie Grashalme sprangen davon, um unseren Füßen zu entfliehen, und unser Blick fiel auf einen Mikan -Hain, dicht behangen mit leuchtend orangen Früchten.

Eine schmale Straße entlang, gesäumt von Tobe-Ware-Werkstätten, hielten wir vor einem anmutigen Gebäude mit dem üppigsten Garten der Straße. Wir hatten das Atelier von Ohigashi Alyne erreicht, eingebettet in Tobe City, Präfektur Ehime.

Ohigashi ist eine preisgekrönte Tobe-Ware-Künstlerin mit über vierzig Jahren Erfahrung, bekannt für ihre aquarellartige Malerei und ihre komplex gefärbten und geschichteten Glasuren. Ihre Werke überschreiten den Bereich des alltäglichen Handwerks und erreichen Höhepunkte der Kunst.

Mit der Veröffentlichung ihrer neuen Objet-d'Art -Serie, den Botanical Textures, setzten wir uns mit ihr zusammen, um über Vision, Prozess und Inspiration zu sprechen.

Begegnung mit den Objets d'Art

Wir betraten ein Studio, das in jeder Ecke vor Leben strotzte. Monstera-Pflanzen streckten prächtige Blätter von der Größe von Servierplatten in die Luft. Sukkulenten schmiegten sich wie Juwelen in Keramiktöpfe. Und jedes Fenster der Werkstatt stand weit offen zur Sommerluft, duftender Räucherstäbchenrauch zog durch die Ecken, um Mücken fernzuhalten.

Und dann war da das Porzellan.

Es dauerte einen Moment, bis sich der Anblick von Ohigashis Botanicals und ihrer Unterkategorie, Marine Textures, zu dem auflöste, was sie sind – Keramiken und nicht Teil des atemberaubenden Grüns vor uns.

Es ist nicht so, dass sie streng genommen realistisch wären. Es gibt keinen Kaktus, keine Frucht, keine Blume, die genau so aussieht. Aber sie atmen mit Leben.

Eine kugelförmige keramische Botanik mit blaugrünen vertikalen Rippen – die an Blätter, Kaktusstacheln oder vielleicht Samenkapseln erinnerten – saß auf einem Tisch und wirkte vollkommen zu Hause neben dem echten wellig gerippten Kaktus daneben.

Daneben stand ein rosa Objet d'Art, das zugleich an eine Seeanemone, Koralle und Blume erinnerte.

Was wie eine Kreuzung zwischen einem Seeigel und einer Sukkulente aussah, ruhte beiläufig in einer gläsernen Obstschale. Überzogen von einer Glasur, die in einem Kaleidoskop aus blassem Blau, Meergrün und Indigo verlief und floss, hier und da mit Gold berührt wie Sonnenlicht auf Wasser, erinnerte es mich an das Meer.

Eines ruhte sogar unter einer Glasglocke, als wäre es eine echte Pflanze in einem Terrarium.

Jedes Stück ist naturalistisch in der Textur, trotz seiner Aura von Fantasie. Kein Punkt, Fleck oder Grat ist genau gleich. Dennoch sind sie symmetrisch.

Ohigashi erklärte, dass dies eine bewusste Entscheidung war. „Die Natur ist symmetrisch. Also ist meine Arbeit es auch."

Sie führte uns durch die Inspiration jeder Form: Durian – eine Frucht aus ihren heimatlichen Philippinen – Blumen, Seeigel, Korallen, Seepoypen.

Sogar Chlorophyll. „Ich wollte darstellen, was mit bloßem Auge nicht zu sehen ist", sagte Ohigashi uns.

Ursprünglich im Gartenbau ausgebildet, kommt Ohigashis Liebe zur Natur in jedem Stück zum Ausdruck.

„Was die Textur betrifft", fuhr sie fort, „gibt es Meeresbiologie und Pflanzenbiologie. Ich verwende Texturen aus beiden."

Diese Texturen verlangen danach, berührt zu werden. Nachdem ich die Erlaubnis erhalten hatte, konnte ich nicht anders, als mit meinen Fingern über jedes Stück zu fahren. Die glatte Glasigkeit der Glasur und die Erhebungen und Rippen unter meinen Fingerspitzen – es hatte etwas einzigartig Verlockendes.

Mit Formen, die vertraut und doch fremd, nostalgisch und doch nie zuvor gesehen sind, sind diese Objets d'Art wie Zierpflanzen – solche, die niemals austrocknen, solche, die ewig leben werden.

Der Entstehungsprozess

Als Nächstes betraten wir den Arbeitsbereich für einen direkten Blick darauf, wie diese Stücke entstehen.

Ohigashi zog einen Haufen von etwas, das wie in Plastik gewickelte Zeitung aussah, aus einer Wanne mit Deckel. „Das bildet die Basis", sagte sie. Als sie Schichten von Plastik und angefeuchteter Zeitung abwickelte, kam ein glatter, geformter Tonkörper zum Vorschein.

„Es ist wesentlich, die Feuchtigkeitsniveaus zu kontrollieren. Das hilft zu verhindern, dass der Porzellanton austrocknet, und hält ihn feucht, bis es Zeit ist, daran zu arbeiten."

Schließlich kann ein Stück wie dieses nicht in einem Zug gemacht werden. Es braucht Stunden sorgfältiger Ergänzungen, damit ein perfekt geformter, aber merkmalloser Tonkörper sich in die komplex texturierte Oberfläche verwandelt, die diese Werkserie definiert.

Den Porzellanton vorsichtig in ihren Händen drehend, erklärte Ohigashi: „Es sieht aus wie eine feste Kugel, aber es ist tatsächlich hohl. Ich mache das, indem ich zwei Schalen forme und sie zusammenfüge. Es gibt winzige Nadellöcher überall, damit es im Ofen nicht explodiert."

Bei genauem Hinsehen war es unmöglich zu erkennen, dass die Form jemals zwei getrennte Hälften gewesen war. Selbst die Nadellöcher sind nahezu unsichtbar.

Ohigashi wickelte den Tonkörper sorgfältig wieder ein und zeigte uns dann zu ihrer Arbeitsstation. Ein in Arbeit befindliches Stück saß bereit und wartend auf einem rotierenden Rad, das wie eine Kreuzung zwischen einem Kuchenständer und einer Drehscheibe aussah. Ohigashi demonstrierte, wie sie die winzigen Rippen und Punkte erschafft, die die evokative Oberfläche ihrer Werke ausmachen.

Vorsichtig, geschickt, kniff sie kleine Tonstücke zwischen ihren Fingerspitzen ab. „Ich mache diese Stücke und befestige sie am Tonkörper", sagte sie. „Ich mache vorher keine Skizzen. Ich muss in 3D arbeiten."

Keine Skizzen, und doch so detaillierte Stücke!

„Ich füge hier ein bisschen hinzu, dort ein bisschen, beurteile, wie es Gestalt annehmen wird, und passe es unterwegs an. Ich kenne alle Glasurfarben und kann mir vorstellen, wie sie in den Vertiefungen und Rippen nach dem Brennen aussehen werden. Das behalte ich im Kopf, während ich arbeite."

Als Nächstes zog sie eine Pipette heraus, die sie mit einer getönten Suspension füllte.

„Das ist Wasserglas", erklärte Ohigashi. „Es ist eine Mischung aus Ton, Wasser und Glasur, also hat es eine Farbe. Ich benutze dieses Pipettenwerkzeug, um Punkte zum Design hinzuzufügen." Sie fügte mehrere zwischen Tonrippen hinzu, während wir zusahen. „Es ist tatsächlich ziemlich schwer zu kontrollieren. Es braucht Übung. Hier, versuchen Sie es."

Erfreut versuchte ich, ein paar Tropfen auf einen Tontestreifen zu pipettieren, den sie mir reichte. Einige kamen winzig heraus, andere dick. Es war tatsächlich schwer zu kontrollieren. Doch Ohigashis sind exakt und gleichmäßig.

Wenn die Detailarbeit abgeschlossen ist, wird das Stück einmal gebrannt, dann glasiert und erneut gebrannt. Für manche Stücke verwendet Ohigashi bis zu drei Glasurschichten, um die Farben zu erreichen. Sie haben eine Tiefe, als würde man in ein Gezeitenbecken eines mineralreichen Meeres blicken.

„Was ist mit den Blumen oben?", fragte ich. „Ist es nicht schwierig zu verhindern, dass sie im Ofen abbrechen?"

„Das ist es", bestätigte Ohigashi,

„aber ich war angenehm überrascht, als ich anfing, Teststücke zu machen, bevor ich sicher war, dass das Konzept funktionieren würde. Viele brachen nicht ab. Von diesem Moment an wusste ich, dass es ein Erfolg werden würde."

Die Horizonte von Tobe-Ware erweitern

Ohigashis Arbeiten – und besonders ihre Objets d'art – unterscheiden sich stark vom Archetyp der Tobe-Ware. Die repräsentativsten Stücke dieses Stils sind dicke, robuste Geschirrteile, bemalt mit indigoblauen Arabesken. Was also macht Ohigashis Botanicals zu Tobe-Ware?

„Es ist der Ton", sagte uns Ohigashi. „Der Porzellanstein, den man hier in Tobe findet, ist einzigartig für diese Gegend. Man kann ihn nirgendwo anders bekommen, und man kann ihn nicht exportieren, weil roher Ton Bakterien enthält. Man kann ihn nur in diesem Teil Japans bekommen.

„Aber", fuhr Ohigashi fort,

„Tobe-Porzellanerde ist schwer zu verarbeiten. Sie hat nicht so viel Plastizität wie andere Arten. Man sieht viele Mino-Ware-Kunstwerke, aber keine Tobe-Ware – noch nicht. Mit meiner Arbeit möchte ich die Möglichkeiten von Tobe-Ware erweitern. Ich möchte, dass sich Tobe-Ware nicht nur in Japan verbreitet, sondern international, auf der ganzen Welt."

Indem sie der Welt zeigt, was Tobe-Ware kann, während sie ihre frische künstlerische Vision ausdrückt, inspiriert uns Ohigashis Arbeit. Wir können es kaum erwarten, mehr von ihren Kreationen zu sehen.

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