Porzellan-Botanicals: Die natürlichen Texturen von Ohigashi Alyne

Wir stiegen einen steilen Hügel hinauf, durch den dichte Wolken schmale Streifen Morgenlicht drangen, während Nebel an den Bergen hing. Oben angekommen, wurden wir von einem plötzlichen Regenschauer überrascht, der so schnell wieder aufhörte, wie er gekommen war. Heuschrecken, so klein wie Grashalme, sprangen vor unseren Füßen auf, und unser Blick fiel auf … Mikan Der Hain ist dicht mit leuchtend orangefarbenen Früchten behangen.

Wir folgten einer schmalen Straße, gesäumt von Tobe-Keramikwerkstätten, und hielten vor einem eleganten Gebäude mit dem prächtigsten Garten der Straße. Wir hatten das Atelier von Ohigashi Alyne erreicht, eingebettet in die Stadt Tobe in der Präfektur Ehime.

Die preisgekrönte Tobe-Keramikkünstlerin Ohigashi, die auf über vierzig Jahre Erfahrung zurückblickt, ist bekannt für ihre aquarellartige Malerei und ihre komplexen, geschichteten Glasuren. Ihre Werke sprengen die Grenzen des alltäglichen Handwerks und erreichen höchste künstlerische Perfektion.

Mit der Veröffentlichung ihres neuen objet d'art Serie, die Botanische TexturenWir haben uns mit ihr zusammengesetzt, um über Visionen, Prozesse und Inspiration zu sprechen.

Streng genommen sind sie nicht realistisch. Es gibt keinen Kaktus, keine Frucht und keine Blume, die ihnen auch nur annähernd gleicht. Aber sie wirken lebendig.

Eine kugelförmige botanische Keramikfigur mit blaugrünen vertikalen Rillen – die an Blätter, Kaktusstacheln oder vielleicht Samenkapseln erinnerten – stand auf einem Tisch und wirkte neben dem echten, wellenförmigen Kaktus daneben völlig stimmig.

Daneben stand ein rosafarbenes Kunstobjekt, das an eine Seeanemone, eine Koralle und eine Blume zugleich erinnerte.

Was wie eine Mischung aus Seeigel und Sukkulente aussah, lag lässig in einer Glasschale. Umhüllt von einer Glasur, die in einem Kaleidoskop aus Hellblau, Meeresgrün und Indigo verlief und hier und da von Gold durchzogen war wie Sonnenlicht auf Wasser, erinnerte sie mich ans Meer.

Eine ruhte sogar unter einer Glasglocke, als wäre sie eine echte Pflanze in einem Terrarium.

Jedes einzelne Stück wirkt trotz seines fantasievollen Charakters naturalistisch in der Textur. Kein Punkt, kein Fleck, keine Erhebung gleicht dem anderen. Dennoch sind sie symmetrisch angeordnet.

Ohigashi erklärte, dies sei eine bewusste Entscheidung gewesen. „Die Natur ist symmetrisch. Deshalb ist es auch meine Arbeit.“

Sie erläuterte uns die Inspiration für jede einzelne Form: Durian – eine Frucht aus ihrer Heimat, den Philippinen –, Blumen, Seeigel, Korallen, Meerespolypen.

Sogar Chlorophyll. „Ich wollte das darstellen, was mit bloßem Auge nicht sichtbar ist“, erklärte uns Ohigashi.

Ursprünglich im Gartenbau ausgebildet, spiegelt sich Ohigashis Liebe zur Natur in jedem seiner Werke wider.

„Was die Textur angeht“, fuhr sie fort, „gibt es Meeresbiologie und Pflanzenbiologie. Ich verwende Texturen aus beiden Bereichen.“

Diese Oberflächen luden geradezu zum Berühren ein. Nachdem ich um Erlaubnis gebeten worden war, konnte ich nicht anders, als mit den Fingern über jedes einzelne Stück zu streichen. Die glatte Glasur und die Unebenheiten und Rillen unter meinen Fingerspitzen – sie übten eine ganz besondere Anziehungskraft aus.

Mit Formen, die vertraut und doch fremd, nostalgisch und doch nie zuvor gesehen sind, gleichen diese Kunstobjekte Zierpflanzen – solchen, die niemals austrocknen, solchen, die ewig leben werden.

„Es ist wichtig, den Feuchtigkeitsgehalt zu kontrollieren. Das verhindert, dass der Porzellanton austrocknet und hält ihn feucht, bis man ihn bearbeiten kann.“

Schließlich lässt sich ein solches Werk nicht in einem Arbeitsgang fertigen. Es bedarf stundenlanger, sorgfältiger Bearbeitung, bis aus einem perfekt geformten, aber ansonsten strukturlosen Tonkörper die komplex strukturierte Oberfläche entsteht, die diese Werkreihe auszeichnet.

Ohigashi drehte den Porzellanton vorsichtig in ihren Händen und erklärte: „Er sieht aus wie eine massive Kugel, ist aber tatsächlich hohl. Ich stelle ihn her, indem ich zwei Schalen forme und sie dann zusammenfüge. Er hat winzige Löcher, damit er im Brennofen nicht platzt.“

Bei genauer Betrachtung war nicht zu erkennen, dass die Form jemals aus zwei getrennten Hälften bestanden hatte. Selbst die Nadellöcher sind nahezu unsichtbar.

„Das ist Wasserglas“, erklärte Ohigashi. „Es ist eine Mischung aus Ton, Wasser und Glasur, daher die Farbe. Mit dieser Pipette setze ich Punkte auf das Muster.“ Während wir zusahen, fügte sie mehrere Punkte zwischen den Tonwülsten hinzu. „Es ist gar nicht so einfach, das zu kontrollieren. Man braucht Übung. Hier, versuchen Sie es mal.“

Erfreut versuchte ich, ein paar Tropfen auf einen Tonteststreifen zu pipettieren, den sie mir reichte. Manche Tropfen waren winzig, manche dick. Es war tatsächlich schwierig, die Dosierung zu kontrollieren. Ohigashis Tropfen hingegen sind exakt und gleichmäßig.

Nach Abschluss der Detailarbeiten wird das Stück einmal gebrannt, glasiert und anschließend erneut gebrannt. Bei manchen Stücken verwendet Ohigashi bis zu drei Glasurschichten, um die gewünschten Farben zu erzielen. Sie besitzen eine Tiefe, wie der Blick in ein Gezeitenbecken eines mineralreichen Meeres.

„Und was ist mit den Blüten oben drauf?“, fragte ich. „Ist es nicht schwierig zu verhindern, dass sie im Brennofen abbrechen?“

„Das ist es“, bestätigte Ohigashi. 

„Aber ich war angenehm überrascht, als ich die ersten Teststücke anfertigte, bevor ich mir sicher war, dass das Konzept funktionieren würde. Mir gelang es, viele Stücke herzustellen, die nicht kaputt gingen. Von diesem Moment an wusste ich, dass es ein Erfolg werden würde.“

Ohigashis Werke – und insbesondere ihre Kunstgegenstände – unterscheiden sich deutlich vom typischen Tobe-Keramikstil. Die repräsentativsten Stücke dieses Stils sind dicke, robuste Geschirrteile, bemalt mit indigoblauen Arabesken. Was also zeichnet Ohigashis botanische Motive aus, die als Tobe-Keramik gelten?

„Es liegt am Ton“, erklärte uns Ohigashi. „Der hier in Tobe vorkommende Töpferstein ist einzigartig für diese Gegend. Man findet ihn nirgendwo sonst und kann ihn auch nicht exportieren, da Rohton Bakterien enthält. Man bekommt ihn nur in diesem Teil Japans.“

„Aber“, fuhr Ohigashi fort, 

„Tobe-Porzellan ist schwer zu verarbeiten. Es ist nicht so formbar wie andere Sorten. Man sieht viele Kunstwerke aus der Mino-Keramik, aber noch keine aus der Tobe-Keramik. Mit meiner Arbeit möchte ich die Möglichkeiten der Tobe-Keramik erweitern. Ich möchte, dass sich Tobe-Keramik nicht nur in Japan, sondern international, weltweit, verbreitet.“

Ohigashi zeigt der Welt, was Tobe-Keramik alles kann und bringt gleichzeitig ihre frische künstlerische Vision zum Ausdruck – ihre Arbeiten inspirieren uns. Wir freuen uns schon sehr auf weitere Kreationen von ihr.