Künstlerinterview: Ohigashi Alynes Schöpfungsreise

Wir trafen Ohigashi Alyne und ihre beeindruckenden objets d'art der Serie Botanical Textures in Teil Eins dieser Artikelserie. Nun, in Teil Zwei, tauchen wir tiefer ein in die Frage, wie Ohigashis Leben und Erfahrungen ihre Keramikkunst geprägt haben.

Es ist eine weitreichende Geschichte, eine Reise, die uns von den Küsten der Philippinen in die Berge Japans führt. Wie kam eine ausgebildete Agrarforscherin dazu, traditionelle japanische Keramik herzustellen? Und wie prägt das Ohigashis einzigartige künstlerische Vision?

Als Team Musubi ihre Werkstatt besuchte, demonstrierte Ohigashi großzügig, wie sie ihre Serie Botanical Textures erschafft. Beim Beobachten ihrer Fingerspitzen, die kleine Tonstücke sorgfältig formen und auftragen, konnte ich die Zahnräder ihres kreativen Geistes bei jeder Bewegung ihrer Hände arbeiten sehen.

„Wenn man Keramik macht", fügt Ohigashi hinzu, „konzentriert man sich sehr lange, und es ist einfach Friedenin deinem Geist."

Die stille Präsenz ihrer botanischen Skulpturen erzählt diese Geschichte in jeder Linie ihrer anmutigen Formen.

Es ist Ohigashis Kindheit auf den Philippinen, die viele Aspekte ihrer heutigen Arbeiten beeinflusst, von den Farben bis zu den Formen, die sie verwendet.

Ohigashi erzählte uns, wie sie jeden Sonntag nach der Kirche mit ihrer Familie zum Strand ging und in kleinen Booten fuhr. „Wir konnten viele natürliche Dinge unter dem Meer sehen, vom Boot aus", sagte sie. „Wir fuhren sehr, sehr weit hinaus und sahen die wunderschönen Farben des Ozeans."

Diese Farben in ihrer Arbeit zu verwenden, wurde zu einer wichtigen Inspiration. „Wenn man Farben macht", erklärte Ohigashi,

„muss man die echte Farbe im Kopf haben. Ich habe sie in meiner Erinnerung. Das ist wertvoll."

Diese Bewunderung für die Natur setzte sich in Ohigashis Erwachsenenleben fort. Sie erwarb einen Universitätsabschluss in Agrarwissenschaften und arbeitete als Forscherin auf den Philippinen. Ihr detailliertes Wissen über Pflanzen findet ebenfalls Eingang in ihre Arbeit mit Formen, die an Durian – eine Frucht aus ihrer Heimat, den Philippinen – Samenkapseln, Blüten und Chlorophyll erinnern.

Auch in Ohigashis Geschirr gehören Pflanzen- und Blütenmotive zu ihren beliebtesten. Vergissmeinnicht-Blüten und Mimosen bringen helle Blautöne und fröhliche Gelb- und Grüntöne auf den Esstisch. Sie entwickelt weiterhin neue Designs, darunter ihr kommendes Mohnblumen-Motiv.

Der üppige Garten, der an Ohigashis Atelier angrenzt, ist eine visuelle Darstellung ihrer Liebe zu Pflanzen. Er bildet die Kulisse für unser Gespräch, während wir dazu übergehen, wie sie von den Philippinen nach Japan und von der Landwirtschaft zur Keramik kam.

Es war an der Universität auf den Philippinen, dass Ohigashi ihren Mann kennenlernte, einen Keramikhandwerker, der sich bei den Japan Overseas Cooperation Volunteers engagierte. Ohigashi forschte daran, wie man eine Forschungsgruppe für Unternehmertum an der Universität aufbauen und einen Workshop über Keramik auf ihrer Heimatinsel schaffen könnte. Ihr Mann war Keramikberater für das Projekt. Nach seinen drei Jahren auf den Philippinen heirateten sie, und sie zog mit ihm nach Japan.

Ohigashis Mann besaß einen Tobe-Ware-Brennofen, wo er Porzellan mit traditionellen karakusa -Motiven (Arabesken) bemalte, einem Kennzeichen von Tobe-Ware. Zunächst arbeitete Ohigashi als Englischlehrerin und half in der Werkstatt ihres Mannes, ohne selbst etwas herzustellen. Doch einige zufällige Begegnungen weckten ihr Interesse an der Keramikmalerei.

Die erste war, als sie auf einer Keramikausstellung einen kaya-zome -Maler traf. Ein völlig anderer Malstil als die typischen Tobe-Ware-Arabesken – die Malerei, die Ohigashi sah, verwendete Schichten aus Violett und Blau, die durch Eintauchen von kaya– einer Art japanischen Stoffs, der einst für Moskitonetze verwendet wurde – in gosu, ein traditionelles Kobaltpigment, entstanden.

Doch kaya ist in Japan nicht mehr so verbreitet wie früher. Als Ohigashi nach Alternativen suchte, traf sie eine Handwerkerin, die washi -Papier verwendete. „Ich fragte sie, ob ich etwas haben könnte. Sie war so gut und freundlich und brachte es aus einer anderen Präfektur mit. Das war der Anfang", sagte Ohigashi über ihren Weg in die Keramikmalerei. Sie sollte später zehn Jahre mit Versuch und Irrtum verbringen, um die aquarellartige Technik des washi-zomezu verfeinern, die sie noch immer ausgiebig nutzt, besonders in ihren Geschirrdesigns.

Ohigashi hatte gerade erst begonnen, ihre bemalten Designs auszustellen, als ihr Mann ohne Vorwarnung starb. „Es war sehr plötzlich. Und es gab keinen Grund dafür. Es war wahrscheinlich ein Schlaganfall. Er war nicht einmal krank. Wir waren also nicht darauf vorbereitet."

Die nächsten Jahre waren extrem herausfordernd.

„Mein Mann formte alle Keramikstücke. Als er starb, hatten wir Schwierigkeiten." Ohigashi fuhr fort: „In Tobe sind die Töpfer entweder ein Ehepaar oder eine Fabrik oder einfach ein einzelner Mann, der an der Töpferscheibe arbeitet. Alle Ehemänner arbeiten an der Töpferscheibe, wie mein Mann, und nicht so viele Frauen haben ihre eigene Werkstatt. Zuerst hatte ich einen Mann, aber er starb, also war ich gezwungen, Töpferin zu werden. Gezwungen. Ich musste es tun."

Die Keramikwerkstatt war der Lebensunterhalt ihrer Familie. Ohigashi musste plötzlich das Handwerk von Grund auf lernen, oft im Selbststudium. Sie begann mit einfachen Plattenstücken und bat Nachbarn um Hilfe, doch der Keramikmarkt ist hart umkämpft, und nicht viele waren bereit, Geschäftsgeheimnisse preiszugeben. Sie musste sogar selbst lernen, wie man einen Brennofen befeuert.

Wenn sie an diese Zeit zurückdenkt, sagt sie: „Das war alles Selbststudium. Ich musste viele Fehler machen."

Heute schreibt Ohigashi genau diesen Fehlern zu, dass sie so viel erreicht hat. Sie fügt über ihr kreatives Wachstum hinzu: „Selbst jetzt experimentiere ich noch mit vielen Dingen, weil dich niemand unterrichten wird."

Heute konkurriert Ohigashi eher mit sich selbst als mit anderen. „Ich entwickle mich mit mir selbst weiter. Weil ich denke, dass ich es immer besser machen kann." Ohigashi freut sich darauf, sowohl die traditionellen Techniken, die sie erlernt hat, als auch ihre eigenen Arbeitsweisen an ihre Kinder und Enkelkinder weiterzugeben. Die Verwendung von gosu, das Handbemalen und washi-zome gehören alle zu dem, was sie weitergeben möchte – ebenso wie ihre künstlerische Denkweise.

„Handwerker sind sehr präzise und müssen Dinge perfekt wiederholen", so Ohigashi, während Künstler „freier" sind. Der Prozess eines Künstlers ist zwar präzise, aber jedes Stück ist anders. 

„Wenn ich einen erfolgreichen künstlerischen Prozess entwickle und ihn in Daten festhalte, können andere Menschen oder die nächste Generation ihn nutzen. Dann wird es hier in Tobe mehr Künstler geben."

Es ist ein wunderbarer Traum für ihre zweite Heimat.