Künstlerinterview: Ohigashi Alynes Schöpfungsreise

Wir trafen Ohigashi Alyne und ihre atemberaubende Kunstgegenstände der Botanische Texturen Serie in Teil Eins Im zweiten Teil dieser Artikelserie gehen wir nun näher darauf ein, wie Ohigashis Leben und Erfahrungen ihre Keramikkunst beeinflusst haben.

Es ist eine umfassende Geschichte, eine Reise, die uns von den Küsten der Philippinen bis in die Berge Japans führt. Wie kam es, dass ein ausgebildeter Agrarforscher traditionelle japanische Keramik herstellte? Und wie prägt das Ohigashis einzigartige künstlerische Vision?

Als Team Musubi ihren Workshop besuchte, demonstrierte Ohigashi großzügig, wie sie ihre Produkte herstellt. Botanische Texturen Als ich ihr dabei zusah, wie sie mit ihren Fingerspitzen vorsichtig kleine Tonstücke formte und auftrug, konnte ich sehen, wie die Zahnräder ihres kreativen Geistes bei jeder Bewegung ihrer Hände arbeiteten.

„Beim Keramiken“, fügt Ohigashi hinzu, „konzentriert man sich sehr lange, und es ist einfach …“ Frieden„voll in deinem Kopf.“

Die stille Präsenz ihrer botanischen Skulpturen erzählt diese Geschichte in jeder Linie ihrer anmutigen Formen.

Ohigashis Kindheit auf den Philippinen beeinflusst viele Aspekte ihrer heutigen Werke, von den Farben bis hin zu den Formen, die sie verwendet.

Ohigashi erzählte uns, wie sie und ihre Familie jeden Sonntag nach dem Gottesdienst zum Strand fuhren und dort mit kleinen Booten unterwegs waren. „Vom Boot aus konnten wir viele Naturschönheiten unter Wasser beobachten“, sagte sie. „Wir fuhren sehr, sehr weit hinaus und bewunderten die wunderschönen Farben des Ozeans.“

Die Verwendung dieser Farben in ihren Werken wurde zu einer wichtigen Inspirationsquelle. „Wenn man Farben mischt“, erklärte Ohigashi,

„Man muss die tatsächliche Farbe im Gehirn haben. Ich habe sie in meiner Erinnerung. Das ist wertvoll.“

Ohigashis Bewunderung für die Natur begleitete sie auch im Erwachsenenalter. Sie erwarb einen Universitätsabschluss in Agrarwissenschaften und absolvierte eine Forschungsausbildung auf den Philippinen. Ihr detailliertes Pflanzenwissen fließt auch in ihre Arbeiten ein, deren Formen an Durian – eine in ihrer Heimat, den Philippinen, bekannte Frucht –, Samenkapseln, Blüten und Chlorophyll erinnern.

Auch bei Ohigashis Geschirr gehören Pflanzen- und Blumenmotive zu ihren beliebtesten. Vergissmeinnicht und Mimosen bringen leuchtende Blau- und fröhliche Gelb- und Grüntöne auf den Esstisch. Sie entwickelt stetig neue Designs, darunter ihr demnächst erscheinendes Mohnblumenmotiv.

Der üppige Garten, der an Ohigashis Atelier angrenzt, ist ein sichtbarer Ausdruck ihrer Liebe zu Pflanzen. Er bildet die Kulisse für unser Gespräch, in dem wir darauf eingehen, wie sie von den Philippinen nach Japan und von der Landwirtschaft zur Keramik gelangte.

An der Universität auf den Philippinen lernte Ohigashi ihren Mann kennen, einen Keramiker, der sich als Freiwilliger bei Japan Overseas Cooperation Volunteers engagierte. Ohigashi forschte an der Universität zum Aufbau einer Forschungsgruppe für Unternehmertum und zur Einrichtung einer Keramikwerkstatt auf ihrer Heimatinsel. Ihr Mann war als Keramikberater an dem Projekt beteiligt. Nach seinen drei Jahren auf den Philippinen heirateten sie, und sie zog mit ihm nach Japan.

Ohigashis Ehemann besaß einen Tobe-Keramikofen, in dem er Porzellan herstellte, das mit traditionellen Farben bemalt war. Karakusa (Arabesken-)Motive sind ein Markenzeichen der Tobe-Keramik. Anfangs arbeitete Ohigashi als Englischlehrerin und half in der Werkstatt ihres Mannes aus, ohne selbst Keramik herzustellen. Doch einige zufällige Begegnungen weckten ihr Interesse an der Keramikmalerei.

Das erste Mal war, als sie einen traf kaya-zome Maler auf einer Keramikausstellung. Ein völlig anderer Malstil als die typischen Arabesken der Tobe-Keramik: Die Malerei, die Ohigashi sah, verwendete Schichten aus Lila und Blau, die durch Eintauchen hergestellt wurden. Kaya—eine Art japanischer Stoff, der früher für Moskitonetze verwendet wurde— gosu, ein traditionelles Kobaltpigment.

Kaya ist in Japan jedoch nicht mehr so verbreitet wie früher. Als Ohigashi nach Alternativen suchte, traf sie auf eine Kunsthandwerkerin, die Kaya verwendete. Washi Papier. „Ich fragte sie, ob ich etwas davon haben könnte. Sie war so nett und freundlich und brachte es aus einer anderen Präfektur mit. So fing alles an“, sagte Ohigashi über ihre Reise in der Keramikmalerei. Zehn Jahre lang verfeinerte sie später durch Ausprobieren und Verfeinern die aquarellartige Technik. Washi-Zome, das sie noch immer ausgiebig nutzt, insbesondere bei ihren Geschirrdesigns.

Ohigashi hatte gerade erst begonnen, ihre Gemälde auszustellen, als ihr Mann unerwartet starb. „Es ging alles sehr schnell. Und es gab keinen Grund dafür. Wahrscheinlich ein Schlaganfall. Er war nicht einmal krank. Wir waren also nicht darauf vorbereitet.“

Die nächsten Jahre waren extrem herausfordernd.

„Mein Mann hat alle Keramikstücke geformt. Als er starb, hatten wir große Schwierigkeiten.“ Ohigashi fuhr fort: „In Tobe sind die Töpfer entweder Ehepaare, arbeiten in einer Manufaktur oder sind alleinstehende Männer, die an der Töpferscheibe drehen. Alle Ehemänner arbeiten an der Töpferscheibe, so wie meiner, und nur wenige Frauen haben eine eigene Werkstatt. Anfangs hatte ich einen Mann, aber er starb, und so war ich gezwungen, Töpferin zu werden. Gezwungen. Ich musste es einfach tun.“

Die Keramikwerkstatt sicherte den Lebensunterhalt ihrer Familie. Ohigashi musste sich plötzlich das Handwerk von Grund auf aneignen und brachte sich vieles selbst bei. Sie begann mit einfachen Platten und bat Nachbarn um Hilfe, doch der Keramikmarkt ist hart umkämpft, und nur wenige waren bereit, ihre Betriebsgeheimnisse preiszugeben. Sogar das Brennen im Ofen musste sie sich selbst beibringen.

Als sie an diese Zeit zurückdachte, sagte sie: „Das habe ich mir alles selbst beigebracht. Ich musste viele Fehler machen.“

Heute ist Ohigashi überzeugt, dass genau diese Fehler ihr geholfen haben, so viel zu erreichen. Über ihre kreative Entwicklung fügt sie hinzu: „Auch jetzt experimentiere ich noch mit vielen Dingen, weil es einem niemand beibringt.“

Heute misst sich Ohigashi eher mit sich selbst als mit anderen. „Ich steigere mein Niveau selbst. Denn ich glaube, ich kann mich immer verbessern.“ Ohigashi freut sich darauf, ihren Kindern und Enkelkindern sowohl die traditionellen Techniken, die sie gelernt hat, als auch ihre einzigartige Herangehensweise weiterzugeben. Der Umgang mit Gosu, Handmalerei und Washi-Zome gehört ebenso dazu wie ihre künstlerische Denkweise.

„Handwerker arbeiten sehr präzise und müssen Dinge perfekt wiederholen“, so Ohigashi, während Künstler „freier“ seien. Obwohl der Arbeitsprozess eines Künstlers präzise ist, ist jedes Stück ein Unikat. 

„Wenn ich einen erfolgreichen künstlerischen Prozess entwickle und ihn in Daten umwandle, können andere Menschen oder die nächste Generation ihn nutzen. Dann wird es hier in Tobe mehr Künstler geben.“

Für ihre zweite Heimat ist es ein wunderbarer Traum.