Kanbata Shinya : Un monde façonné par la rencontre

Pour l'artiste Kutani Kanbata Shinya, un récipient commence bien avant le premier coup de pinceau. De l'argile et de la forme à la décoration sur glaçure et à la dorure finale, chaque décision sert une vision unique. Plutôt que de décorer un récipient achevé, il construit un monde entier.

Ce monde a pris forme à travers des rencontres significatives tout au long de la carrière de Kanbata : avec les techniques et traditions de Kutani, avec l'architecture et les couleurs découvertes dans différents lieux, et avec des personnes et des idées d'autres domaines. Ensemble, ces rencontres ont façonné son art, guidé par ce qui le touche et ancré dans le désir de créer des œuvres qui seront chéries.

Avec quelqu'un à l'esprit

Le parcours de Kanbata dans la céramique a commencé dans le programme d'artisanat d'un lycée professionnel. Déjà intéressé par le dessin, il a découvert une forme de satisfaction dans l'argile : la capacité de façonner quelque chose de ses propres mains. Une autre expérience précoce a donné à cet intérêt une dimension plus personnelle. Un récipient qu'il avait fabriqué en classe et offert à la mère d'un ami avait été chaleureusement accueilli. Des années plus tard, il a découvert qu'elle l'utilisait toujours. Cela est devenu un point de départ pour son désir de poursuivre la création comme profession.

« Avoir l'opportunité de voir quelqu'un juste devant moi prendre plaisir à quelque chose que j'ai créé — je me sens très chanceux de pouvoir faire ce genre de travail. »

Avec le temps, cette considération pour la personne qui reçoit son travail s'est développée en quelque chose de plus large. Kanbata a commencé à penser non seulement au récipient lui-même, mais à ce que sa présence pourrait apporter au temps et à l'espace qui l'entourent.

Sa visite en France a aidé à donner une forme plus claire à cette idée. En voyant des lieux tels que la cathédrale Notre-Dame et l'abbaye du Mont-Saint-Michel, il a été attiré par leur architecture, leurs détails complexes et leurs couleurs, mais aussi par la sensation d'entrer dans les espaces eux-mêmes. En pénétrant dans les églises et les châteaux, se souvient-il, il ressentait l'impression d'être dans un espace sacré, apportant avec elle un sentiment soudain de clarté et de calme.

Ce qui est resté avec lui, c'est ce départ de l'expérience ordinaire. Cela s'est progressivement connecté à ce qu'il voulait que son propre travail offre.

« Au lieu de simplement dessiner des motifs, je crée avec l'idée de changer l'espace, ou de changer l'atmosphère, pour que le temps passé avec l'un de mes récipients devienne quelque chose de spécial. »

Construire un monde, pièce par pièce

Au centre du travail de Kanbata se trouve la technique qu'il appelle ebicha-saibyo, combinant un travail de lignes complexes avec la couleur brun-rouge atténuée connue sous le nom d' ebicha qui est devenue une signature de sa pratique. Pourtant, pour Kanbata, ni les lignes ni la couleur n'existent comme décoration isolée. Ce sont des éléments au sein d'un monde plus vaste, conçus ensemble avec le récipient lui-même.

Une histoire ou un concept vient en premier. Kanbata commence par une image de l'ensemble achevé et travaille à rebours. De cette vision viennent la forme, le choix de l'argile et de la glaçure, et enfin les motifs et leur placement. Les idées peuvent passer un temps considérable à se développer dans des carnets et des cahiers de croquis avant qu'il ne commence à créer ; au moment où il s'assoit au tour, il sait déjà où le travail se dirige.

Sa propre comparaison est architecturale :

« Je travaille avec l'idée de construire une structure, comme une église ou un palais. Même au sein d'un motif circulaire, je ne fais pas que aligner des motifs. Dans mon esprit, j'arrange des parties individuelles pour créer un tout unique. »

L'une de ces parties est le cercle. Son origine peut également être retracée aux vastes rosaces de la cathédrale Notre-Dame. Kanbata se souvient s'être senti presque attiré en elles. L'image est restée avec lui depuis, et continuer à dessiner des formes circulaires sert, en partie, de rappel d'une rencontre qui a aidé à mettre en mouvement sa direction artistique.

Cependant, les cercles dans son travail ne sont pas des symboles avec une signification fixe. Au sein d'une composition, Kanbata les considère davantage comme des composants. Il varie leur taille et leur orientation et en relie certains avec de fines chaînes, créant un mouvement à travers la surface. Dans ses œuvres antérieures concernées par le temps et l'espace, ils pouvaient suggérer des engrenages ou des cadrans d'horloge, avec les chaînes traçant leur mouvement.

Les arabesques sont abordées de manière similaire. Contrairement aux motifs continus souvent vus à travers un récipient, les arabesques de Kanbata apparaissent dans une zone particulière, un peu comme un ornement assigné à une section d'un bâtiment. Cercle, chaîne, arabesque, glaçure et surface non décorée sont réunis comme des parties individuelles d'une construction plus vaste.

Le Vase à fleurs Ebicha-Saibyo Palais dans la brume montre comment cette façon de travailler peut également répondre à ce qui se passe dans le four. Sa glaçure rose pâle n'était pas un effet que Kanbata avait initialement cherché à produire, mais une fois qu'elle est apparue, il y a trouvé un ton qu'il recherchait. Il a laissé des zones ouvertes pour que la glaçure elle-même puisse rester visible, équilibrant sa surface doucement variée contre des passages de peinture fine et d'or.

Pour Kanbata, un concept fort rend de tels ajustements possibles. Si un résultat inattendu dans la glaçure apporte quelque chose à la pièce, il peut s'écarter de ce qu'il avait initialement prévu de peindre. Tant que l'histoire sous-jacente reste claire, un changement dans un élément n'a pas besoin de faire dévier l'ensemble de la composition.

Le moment final vient avec l'or. Lorsque les zones dorées émergent pour la première fois du four, leurs surfaces sont ternes et légèrement rugueuses. Ce n'est que par le polissage que l'or acquiert son éclat final. Pour Kanbata, le changement porte un poids émotionnel particulier.

« Elle (la pièce) commence à prendre vie. C'est comme si un interrupteur avait enfin été activé. Ce n'est que lorsqu'elle commence à scintiller que je sens que, pour moi, elle est enfin complète. »

Le polissage est également une étape qui nécessite la plus grande concentration, car trop de pression peut retirer l'or. Pourtant, c'est précisément à ce point final que le travail se met en place. Alors que la surface commence à briller, Kanbata atteint l'assurance tranquille que ce qu'il avait envisagé s'est assemblé comme il se devait.

Trouver une expression individuelle dans la porcelaine Kutani

Le style actuel de Kanbata a émergé progressivement, à travers une série de découvertes, et non d'une seule source.

L'une des premières est survenue durant sa formation à l'Institut de formation technique de céramique Kutani de la préfecture d'Ishikawa. Dans le cadre de ses études, Kanbata a rencontré akae-saibyo lors d'un cours dispensé par Fukushima Buzan, l'un des plus grands praticiens de cette technique. Bien que Kanbata ait toujours apprécié le travail de détail, apprendre la technique directement lui a révélé à quel point elle était exigeante. La difficulté n'a fait qu'approfondir sa fascination.

« C'était incroyablement difficile lorsque j'ai commencé à l'apprendre, mais je l'ai aussi trouvé immensément plaisant. À partir de ce moment, mon admiration pour akae-saibyo est devenue très forte. »

Ne pouvant devenir apprenti auprès de Fukushima, Kanbata a poursuivi saibyo de manière indépendante. Les lignes qu'il trace aujourd'hui sont le résultat d'années de pratique plutôt que quelque chose qu'il aurait maîtrisé dès le départ.

La ligne, cependant, n'était qu'une partie de l'expression individuelle que Kanbata commençait à développer. D'autres ont émergé à travers la couleur.

Après avoir voyagé en France, Kanbata a tenté de capturer l'atmosphère qui était restée avec lui en utilisant les pigments disponibles, mais aucun ne transmettait vraiment ce dont il se souvenait. Pensant aux bâtiments de pierre, aux rues pavées et aux briques, il a commencé à mélanger des pigments jusqu'à arriver à l'ebicha distinctif qui allait devenir central dans sa palette.

La France n'était qu'une source. Kanbata a également été attiré par des couleurs au-delà de la palette traditionnelle à cinq couleurs de la porcelaine Kutani, notamment le turquoise, ainsi que par des motifs et des éléments visuels rencontrés dans d'autres cultures. Pourtant, il ne voit pas ces influences comme un moyen de faire paraître son travail occidental, mais comme un moyen d'exprimer sa vision intérieure.

« Les bâtiments là-bas étaient faits de pierre et de brique, avec des rues pavées de pierre. J'ai commencé à mélanger mes propres pigments pour rapprocher mes couleurs de ces tonalités, et c'est ainsi que je suis arrivé à l'ebicha. Même si je travaillais avec les mêmes matériaux, j'ai découvert que je pouvais créer un monde avec une sensation d'ailleurs, au-delà du Japon. C'est à ce moment que j'ai commencé à sentir que je pourrais peut-être créer quelque chose qui m'appartienne. »

Un autre changement est survenu à travers le LEXUS NEW TAKUMI PROJECT de 2018, auquel Kanbata a participé en tant que représentant d'Ishikawa. Travailler avec un mentor au cours d'une année l'a encouragé à accorder plus de poids au concept ou à l'histoire derrière chaque œuvre, et à considérer comment elle pourrait résonner avec la personne qui la rencontre. Il a commencé à puiser son inspiration non seulement dans les lieux qu'il avait vus, mais aussi dans des univers littéraires tels que Le Petit Prince et La Voie lactée en chemin de fer de nuit.

Le projet l'a également incité à regarder à nouveau ce qui l'avait toujours entouré à Ishikawa. Rencontrer des créateurs d'autres régions, et les entendre parler de leurs propres matériaux et traditions locales, l'a rendu nouvellement conscient de la richesse de la culture artisanale qu'il avait chez lui.

« En entendant toutes ces histoires différentes, je me suis retrouvé profondément lié à cet attachement à sa région d'origine. Cela m'a donné envie de regarder à nouveau correctement la porcelaine Kutani. J'ai commencé à incorporer les émaux vitreux distinctifs de Kutani que je n'avais pas beaucoup utilisés auparavant, en pensant que peut-être mon propre travail pourrait devenir une occasion pour quelqu'un de découvrir la porcelaine Kutani. »

Même le nom que Kanbata donne à sa technique reflète cette évolution. Le terme japonais saibyo s'écrit conventionnellement « 細描 ». Alors que le second caractère signifie « dessin », le premier caractère, 細 (sai), signifie « fin » ou « minutieux », faisant référence au tracé de lignes extraordinairement délicat de la technique.

Kanbata, cependant, a choisi un autre caractère avec la même prononciation : 彩 (sai), signifiant « couleur ». La décision a commencé en partie par respect pour la tradition qu'il avait apprise du travail de Fukushima.

« J'avais étudié la technique, mais je n'étais pas son apprenti, et à l'époque je ne pouvais pas dessiner avec ce degré de finesse. J'ai senti qu'il serait présomptueux d'utiliser 細, alors j'ai décidé de ne pas le faire. »

Kanbata pensait initialement qu'il pourrait éventuellement remplacer 彩 par 細 au fur et à mesure que sa technique se développerait. Au lieu de cela, l'inverse s'est produit. Son engagement envers la couleur s'est renforcé, particulièrement après le projet LEXUS. L'ebicha, les bleus modifiés et d'autres pigments qu'il a ajustés pour convenir à sa palette sont devenus de plus en plus centraux dans son travail. Un caractère initialement choisi en partie à cause de ce qu'il sentait ne pas encore pouvoir revendiquer en est venu à décrire plus précisément le langage artistique qu'il avait trouvé pour lui-même.

Les lignes elles-mêmes révèlent un autre écart. Kanbata permet aux changements subtils au sein d'un même coup de pinceau de demeurer, valorisant le mouvement du pinceau et la vitalité qui vient du dessin à la main. Aucune ligne ne peut être reproduite exactement de la même manière deux fois, et il porte ce principe dans les pièces finies, changeant les détails même parmi les œuvres apparentées afin que chacune reste distincte.

Au-delà de l'achèvement

Kanbata sait quand une œuvre lui semble complète. Ce qui se passe après cela, cependant, est quelque chose qu'il laisse ouvert.

La Fenêtre de couleurs Ebicha-Saibyo rend la distinction particulièrement visible. L'œuvre puise dans l'une des sources formatrices du langage artistique de Kanbata : les vitraux et les intérieurs sacrés qui l'ont marqué en France.

Kanbata décrit son travail comme prenant une autre dimension dans la possession de quelqu'un d'autre. Cela revient à l'idée introduite plus tôt : un récipient peut déjà être complet dans les mains du créateur, pourtant une autre expérience devient possible une fois qu'il entre chez quelqu'un d'autre.

La Fenêtre Ebicha-Saibyo avec or incluse dans cette collection rassemble des considérations pratiques que Kanbata a apprises en pratiquant lui-même le thé. Des cercles de différentes tailles et des chaînes de connexion se déplacent sur une glaçure dont les propres variations restent visibles. Kanbata a vu la combinaison comme suggérant le passage du temps au cours d'une journée.

Kanbata peut donner un titre à une œuvre, mais il n'entend pas définir comment elle doit être vue. Il peut commencer avec une image particulière en tête, mais ne peut savoir quelles associations elle pourrait éveiller chez quelqu'un d'autre.

Des couleurs qui évoquent un coucher de soleil ou un feuillage d'automne pour une personne peuvent rappeler à une autre des fleurs de colza ou les premiers signes de plantes qui émergent au printemps.

Le Vase à Fleurs Ebicha-Saibyo Palace in the Haze laisse un autre type de choix à la personne qui vit avec lui. Kanbata a intentionnellement donné des compositions différentes à l'avant et à l'arrière. Le vase est déjà complet sans fleurs. Une fois arrangé, cependant, l'un ou l'autre côté peut devenir l'avant selon le contexte.

Il existe un contraste saisissant entre cette ouverture et la précision du processus de Kanbata. Avant qu'une pièce n'atteigne ce point, le concept, la forme, la décoration, les pigments et le polissage final ont tous été soigneusement considérés. Bien qu'il connaisse le moment où l'œuvre lui semble achevée entre ses mains, ce qu'elle peut devenir reste ouvert.

Où l'Œuvre Mène

Environ dix ans après avoir étudié sous la direction de Fukushima à l'institut de formation, Kanbata l'a croisé par hasard à l'aéroport de Haneda. Ils n'avaient pas été en contact, pourtant il a salué Kanbata par son nom, une reconnaissance qui a beaucoup compté pour lui.

Près de dix autres années se sont écoulées avant qu'il n'invite Kanbata à participer à une exposition collective à Tokyo. En repensant au parcours depuis son premier apprentissage auprès de Fukushima jusqu'à exposer enfin à ses côtés, Kanbata s'est ému. « Cela a vraiment pris beaucoup de temps », a-t-il réfléchi. « Près de vingt ans. »

Il existe une cohérence particulière dans son art. Kanbata prend au sérieux l'origine d'une technique sans traiter l'admiration comme une raison de la reproduire sans changement. Il étudie ce qui est venu avant, travaille patiemment à travers le processus, et considère attentivement comment une technique peut devenir partie de son propre langage artistique.

Cette recherche ne se limite plus à la céramique. Kanbata a collaboré avec des artistes verriers et avec un artiste d'origami travaillant le washifait main, et il s'intéresse aux accessoires, aux bijoux, et même au design de cadrans de montres. Ces possibilités ne sont pas un désir de laisser Kutani ware derrière lui. Elles offrent d'autres lieux où les couleurs et motifs qu'il a développés peuvent voyager.

Derrière cette expansion se trouve un espoir plus large.

« Je veux que mon travail devienne une raison pour quelqu'un de vouloir connaître les traditions de Kutani, même l'ancien ko-Kutani. Si c'est le but, je pense parfois que cela ne doit pas nécessairement être de la céramique. »

L'échelle et la complexité de la pratique de Kanbata ont considérablement changé depuis le récipient qu'il a fait pour la mère de son ami au lycée. Pourtant, l'impulsion derrière reste reconnaissable : regarder de près ce qui le touche, traiter ses origines avec soin, et finalement faire quelque chose qui peut trouver un sens dans les mains d'une autre personne.

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