Museo Hogar Dulce: Visita al Museo de Artesanía Popular de Japón (Nihon Mingeikan)

Para muchos viajeros que llegan a Japón desde lejos, el Museo de Artesanía Popular de Japón (Nihon Mingeikan) quizá no sea el primer lugar en su lista de museos de arte. A falta de la grandiosidad de los museos de renombre nacional que se concentran en Ueno, esta joya cultural se encuentra discretamente en un tranquilo distrito residencial, con su encanto reservado para los entendidos. Sin embargo, nuestro equipo de Musubi Kiln se sintió atraído por esta discreta institución por su singular exhibición: una variedad de artículos artesanales cotidianos, desde cerámica y vajilla hasta textiles, pinturas, telas teñidas, bambú y artesanías de papel. Estos artefactos, recopilados de todo Japón y del extranjero, independientemente de su época, representan un verdadero tesoro para nosotros, los profesionales de la artesanía de la vajilla.

Normalmente no se permite fotografiar dentro del Museo, pero en esta ocasión recibimos un permiso especial para fotografiar el interior. Queda estrictamente prohibida la reproducción o republicación de las fotografías aquí expuestas.

Un paseo tranquilo por la estación Komaba-Todaimae, en la línea ferroviaria privada, revela una extensa zona residencial tranquila, la Universidad de Tokio y el exuberante Parque Komaba. Quienes tengan interés en la historia o la arquitectura podrán sentir curiosidad por la cercana residencia de una antigua aristocracia de estilo occidental, construida en la década de 1920. Es una ruta enriquecedora para los amantes de la cultura.

A pocos minutos a pie de la estación, emerge repentinamente el Museo de Artesanía Popular de Japón (Nihon Mingeikan), un imponente edificio que rezuma la majestuosidad del singular diseño japonés. El museo es una creación de Soetsu Yanagi, pionero del Movimiento de Artesanía Popular, que ensalzaba la belleza de los objetos cotidianos. Fundado en 1936 por Yanagi y un grupo de colaboradores con ideas afines, el espacio fue diseñado para presentar la elegancia de la artesanía popular al mundo. El propio Yanagi participó activamente en el diseño del edificio, una labor que se refleja en la meticulosa selección de sus exposiciones.

Al llegar, es inevitable quedar impresionado por la robusta presencia del edificio, que combina armoniosamente la estética japonesa con una profunda sensación de solemnidad. Los materiales del exterior y del suelo muestran el uso de piedra de Oya, procedente de la zona de Utsunomiya, Tochigi, un material que Soetsu consideraba "la piedra más japonesa", una "piedra similar a la madera". La piedra de Oya, con su alta resistencia al fuego y protección contra la humedad, es ideal para instalaciones de almacenamiento y exposición. La facilidad con la que se trabaja la piedra de Oya permitió la realización de cualquier diseño deseado, dando como resultado la construcción de esta estructura típicamente japonesa.

Al entrar por las puertas corredizas de madera de color ámbar intenso, se entregan cubrezapatos. Si bien antes era costumbre quitarse los zapatos por completo, la presencia de un "Genkan" (entrada) resulta bastante inusual en un museo.

*Actualmente, en lugar de proporcionar cubrezapatos, han vuelto al método de quitarse los zapatos y ponerse pantuflas, como se hacía antes de la pandemia de COVID-19.

Esto nace del deseo de Yanagi Soetsu de dotar al Museo de una calidez que evoca más la de un hogar que la de una institución. La sensación se asemeja más a la de visitar una casa que a la de entrar en un museo.

La composición espacial, centrada en una habitación con escalera abierta, es un estilo frecuente en las antiguas casas de estilo occidental. Refleja la fusión de la belleza arquitectónica que Soetsu, experto en culturas occidentales, adquirió a partir de sus encuentros con estilos arquitectónicos europeos, y que luego integró a la perfección con la estética japonesa.

En el interior del Museo, la tranquilidad se ve realzada por las vigas de madera y el yeso, mientras que la textura rugosa y el tacto fresco del suelo de piedra de Oya crean una combinación perfecta. Muebles revestidos con laca urushi, vitrinas de madera diseñadas por el propio Yanagi, ventanas con mosquiteras Shoji y papel pintado de la fibra de kudzu llamada "Kuzufu" se combinan en una exhibición de materiales naturales, creando una atmósfera de asombroso equilibrio.

El museo es considerablemente más oscuro que un espacio artístico típico, una decisión consciente de Yanagi, quien se preguntó: "¿Cómo podemos lograr que las exhibiciones luzcan lo más hermosas posible?". Incluso la luz que se filtra a través de las pantallas shoji está calculada. La intención es defender el principio de que "los espacios deben realzar la belleza de forma natural".

La vitrina debajo de la escalera contenía una variedad de artesanías lacadas japonesas y coreanas, cuidadosamente seleccionadas para la exposición especial en curso, "La belleza de la laca Urushi de Japón y la península de Corea".

Una caja de "Raden" japonés (incrustación de concha marina), con patrones dibujados con fragmentos de concha, llamó la atención entre las artesanías de laca expuestas. El Raden, que se cree que proviene de la antigua Mesopotamia y de las dinastías Yin y Zhou de China, posee una estética única. La artesanía de estas cajas no es excepcionalmente intrincada ni meticulosa. En cambio, el material —la concha— se conserva en su estado natural, creando una apariencia que revela inmediatamente su origen orgánico. La elección deliberada de exhibir obras de Raden que enfatizan la textura natural de la concha transmitió la sensibilidad estética de Soetsu Yanagi en Mingei, el movimiento de arte popular.

Además, aquí se encuentra una serie de artefactos que han caído en desuso en la época moderna. Por ejemplo, lo que se ve en primer plano en la foto se llama "Tobiguchi", una antigua herramienta utilizada para enganchar madera durante la extinción de incendios y actividades similares. Además, la laca desempeñó un papel sumamente práctico en aquella época, como se evidencia en otros artículos como reglas, artículos de papelería, almohadas y botellas de agua. Muchos de estos objetos han sido reemplazados por materiales alternativos como el plástico en la época moderna.

Como se comenta en el blog de Kintsugi , la laca se puede aplicar en capas para su restauración, lo que permite reparar y prolongar la vida útil de estos artículos. Incluso son biodegradables y regresan a la tierra al desecharse. La exposición evoca una época en la que los materiales ecológicos se utilizaban ampliamente en la vida cotidiana.

En ese momento, noté un aspecto particular del museo. Las descripciones ofrecidas eran mínimas; como máximo, indicaban el nombre del objeto, el país y la época, o, si se trataba de un artefacto extranjero, el nombre del grupo étnico o cultura que lo utilizaba. Por ejemplo, las piezas etiquetadas únicamente como "época coreana" podían abarcar aproximadamente 500 años, sin ninguna indicación de cuándo ni dónde se fabricaron exactamente.

En respuesta a la pregunta, los propios escritos de Soetsu dieron la respuesta. «La belleza de las cosas debe depender sobre todo de la intuición» (Soetsu Yanagi, «Mingei to wa Nanika», Kodansha, 2006, p. 103). Su objetivo era observar directamente el objeto y encontrar la «belleza» o el valor inherente a él, sin títulos, historias ni nada más. Y el Museo se creó para que los visitantes pudieran sentir eso.

Emocionado, me dirijo a la sala de exposición dedicada a los platos pintados que tanto ansiaba. Aunque aún se ven motivos, como flores y cuadrículas, la paleta de colores general es sobria, y la mayoría de las piezas destilan un encanto rústico.

Aunque hay motivos florales, son menos vistosos, como las flores de ciruelo o cerezo, y más parecidos a las flores silvestres que suelen crecer en la zona. Muchas de las piezas de cerámica expuestas aquí, procedentes de diferentes zonas, parecen complementar a la perfección los rústicos hábitos alimenticios de la época en que fueron creadas.

En el pasado, las comidas rurales consistían principalmente en arroz de cebada, sopa de miso, encurtidos y platos cocinados a fuego lento, siendo el salmón salado y el pescado seco caprichos poco comunes en un estilo de vida autosuficiente. Por supuesto, quienes vivían en zonas urbanas como Tokio también comían comida occidental, pero estos sencillos diseños pintados resultan ideales para servir comidas rurales tradicionales. En otras palabras, estos motivos de "hierba silvestre" y "paisaje" sutiles permiten resaltar la riqueza de los ingredientes y combinan a la perfección con platos con verduras de temporada de la región.

Sin embargo, eso no significa que no hubiera diseños vibrantes. Sobre todo en artículos decorativos como platos y jarrones, con un propósito estético más marcado, se aplicaron pinturas más coloridas y elaboradas. Especialmente impactantes fueron los jarrones remendados con oro; nos sentimos atraídos a detenernos y admirar la hermosa combinación de motivos florales y oro. Hay algo singularmente impactante en los artículos que han renacido con mayor belleza gracias al proceso de reparación de oro Kintsugi. Quizás sea la sensación de historia, cuidadosamente preservada y transmitida, que nos transmiten.

Entre los objetos Kintsugi, uno en particular destacaba. Era un plato redondo, pero en las secciones reparadas, parte del patrón cambió. Fue muy intrigante. Algunos especulamos que quizás se usó una pieza rota de otro plato para repararlo. A pesar de que el patrón original del plato era bastante común, el Kintsugi le aportaba un encanto único, convirtiéndolo en una pieza destacada de todo el museo.

El ritual de mis viajes al extranjero implica la obligada peregrinación a un museo. A veces, es una exposición fugaz la que me atrapa, y otras, la eterna colección de obras maestras y esculturas. Curiosamente, estas salidas culturales a menudo influyen en mi impresión de la ciudad. Los días que me quedo fascinado por un museo o una galería de arte, los matices desagradables del día —el frío cortante, la lluvia incesante, el estruendo abrasivo de las bocinas o la decepcionante oferta culinaria del menú— se difuminan hasta la insignificancia. En su lugar, emerge una profunda satisfacción, avivada por los ecos resonantes de una espléndida exposición, que crea una atmósfera encantadora durante mi viaje de regreso e incluso después. Esta sutil alegría, experimentada en medio de espacios cautivadores y exposiciones fascinantes, es una gratificación única e irremplazable.

A medida que su viaje serpentea por el archipiélago japonés, espero que usted también se tope con estos tesoros culturales: las galerías de arte y los museos. Que despierten su curiosidad, conmuevan sus corazones y mentes, y encuentren un lugar permanente en su lista de favoritos.