Wakunami Madoka: Im Dialog mit Jomon Pottery

Vor den Worten, vor der schriftlichen Geschichte gab es die Form, die ihre Spuren als Aufzeichnung des Lebens in der Antike hinterließ.

Bei den Gefäßen der Jōmon-Kultur, die vor über 10.000 Jahren geschaffen wurden, lässt sich die Ausdruckskraft ihrer Formen nicht allein durch ihre Funktion erklären. Diese Objekte gehen über ihren Nutzen hinaus und deuten auf eine Lebensweise hin, die untrennbar mit Vorstellungskraft, Glauben und gelebter Erfahrung verbunden ist.

Die in Kyoto lebende Keramikkünstlerin Wakunami Madoka betrachtet die Jomon-Keramik nicht als einen Stil, der nachgeahmt werden soll, sondern als den Ursprung ihrer Kreativität und ihres Handwerks.

Jedes ihrer Werke ist von einer inneren Vision und Faszination geprägt. Die vollständig von Hand geformten Stücke zeugen von langjähriger Erfahrung mit Ton, Struktur und Brenntechnik.

Die Saat der Inspiration liegt manchmal näher, als man erwarten würde.

Wakunamis Begegnung mit der Jomon-Keramik begann nicht durch akademische Forschung oder kuratorische Absichten, sondern durch eine Sommeraufgabe aus der Mittelschule, die ihr Sohn mit nach Hause brachte. Er sollte etwas zum Thema Gesellschaft und Handwerk gestalten und entschied sich, die Ursprünge der Keramik selbst zu erforschen, da er als Kind in einer Kiyomizu-Keramikbrennerei aufgewachsen war. Wakunami verstand, wie schwierig es ist, einer Vorstellung eine physische Form zu geben, und half ihrem Sohn beim Arbeiten mit dem Ton.

Was als kleines Projekt begann, entwickelte sich schnell zu einem umfassenderen Vorhaben. Je genauer Wakunami die Jōmon-Keramik untersuchte, desto mehr fesselte sie sie. Die Komplexität der Formen, die Sicherheit ihrer Ausführung und der schiere Ehrgeiz, der in den vor Tausenden von Jahren gefertigten Objekten steckte, waren verblüffend. Sie waren vollendet, ausdrucksstark und für den Gebrauch bestimmt.

„Ich war völlig gefesselt von der Schönheit dieser Welt. Es fühlte sich an, als käme sie direkt vom Gipfel der Schöpfung.“

Zu diesem Zeitpunkt hatte Wakunami bereits viele Jahre im Umfeld der Kiyomizu-Keramik an der Seite ihres Mannes, des Soryu der vierten Generation, gearbeitet und war in die tägliche Produktion und die seit langem etablierten Techniken eingebunden.

Gerade weil sie wusste, was es bedeutete, eine Keramiktradition aufrechtzuerhalten, empfand sie die Begegnung mit der Jōmon-Kultur als bedeutsam. Anstatt die antike Keramik als stilistische Referenz zu betrachten, begann sie, sie als Erinnerung an eine Zeit vor Kategorien zu sehen – bevor „Gebrauch“, „Dekoration“ oder gar „Tradition“ klar voneinander getrennt waren.

Wichtig ist, dass sie sich der Jōmon-Keramik nicht mit der Absicht näherte, sie zu verstehen oder zu erklären. Die Archäologie räumt ein, dass zwar viel über die Herstellung von Jōmon-Gefäßen bekannt ist, aber noch vieles ungeklärt bleibt. Für Wakunami stellte diese Unsicherheit keine Einschränkung dar.

„Meine Arbeit beginnt mit Respekt vor dem Jomon-Volk. Ich interpretiere die verschiedenen Formen neu und hole sie durch das Auftragen von Glasur in die Gegenwart.“

Wakunamis von der Jōmon-Zeit inspirierte Werke sind untrennbar mit ihrer langjährigen Erfahrung als Künstlerin verbunden. Geboren in eine Familie von Keramikhandwerkern in Fukuoka, deren Tradition mit der Koishiwara-Keramiktradition verknüpft ist, wuchs sie in einem Umfeld auf, in dem Ton und die Arbeit im Brennofen zum Alltag gehörten. Doch als dritte von vier Schwestern war sie nie als Erbin vorgesehen.

Keramik wurde somit zu einer bewussten Entscheidung. Sie studierte Töpferei an der Saga-Universität und verließ nach ihrem Abschluss Kyushu, um in Kyoto ihre Ausbildung fortzusetzen.

In Kyoto absolvierte sie eine formale Keramikausbildung und trat später durch Heirat in die Welt der Kiyomizu-Keramikhersteller ein. Fast ein Jahrzehnt lang arbeitete sie weitgehend im Verborgenen – sie unterstützte die Produktion, assistierte und fertigte Keramik an, ohne öffentlich darüber zu berichten. Diese Zeit prägte sie und vermittelte ihr die Realitäten des Brennofenbetriebs, des Materialmanagements und des Umgangs mit dem Spannungsfeld zwischen Kontinuität und Wandel.

Dieser Hintergrund prägt ihre aktuelle Arbeitsweise. Ihre Arbeit ist keine konzeptuelle Übung, die dem Handwerk übergestülpt wird, sondern ein Prozess, der in der langjährigen Vertrautheit mit Ton, Struktur und Brennvorgang wurzelt – eine Vorstellungskraft, die durch Wiederholung und Risiko genährt wird.

Alle Jomon-Werke von Wakunami sind vollständig handgefertigt. Sie verwendet keine Töpferscheibe. Wie die antiken Gefäße, die sie inspirieren, entsteht jedes Stück durch die Technik des Spiralbaus und wächst schrittweise von der Basis empor.

Die fertige Form existiert zunächst als inneres Bild, vollständig in ihrem Kopf ausgearbeitet, und wird durch einen langsamen, physischen Prozess realisiert. Anstatt sich den Jomon-Gefäßen symbolisch zu nähern, betrachtet Wakunami sie aus der Perspektive einer Schöpferin: wie sie stehen, wie das Gewicht getragen wird, wie die kunstvollen Formen ohne Rad zusammengefügt wurden.

Ihr Studium der Jōmon-Keramik ist visuell und erfahrungsorientiert, nicht akademisch. Sie arbeitet weder mit Diagrammen noch mit Typologien und geht auch nicht von einer historischen Klassifizierung aus. Stattdessen besucht sie, wann immer es ihre Zeit erlaubt, Museen und archäologische Sammlungen – und reist dafür in Regionen wie Nagano und Yamanashi – und lässt sich von dem leiten, was sie berührt.

Anstatt des für die antike Jōmon-Keramik typischen eisenreichen Tons verwendet Wakunami einen Halbporzellan-Ton – eine Mischung aus Steinzeug- und Porzellanton. Diese Wahl ermöglicht eine präzisere Strukturierung und eine klarere Darstellung der Glasur, während gleichzeitig die Zerbrechlichkeit und die hohe Verlustrate von reinem Porzellan vermieden werden. Während Jōmon-Keramik unglasiert ist, wählt Wakunami Glasuren bewusst – eine Entscheidung, die es alten Formen ermöglicht, auf subtile Weise in die Gegenwart überzugehen.

Ein Gefühl von Struktur und Ehrfurcht entsteht durch flammenartige Formen, die aus dem Gefäßkörper emporsteigen. In ihrem Werk HomuraDiese Elemente, die Flamme bedeuten, werden eher eingearbeitet als aufgesetzt, wodurch eine Präsenz entsteht, die von Ausgewogenheit und Spannung geprägt ist und nicht von Nachahmung.

Die Aufmerksamkeit richtet sich dann nach innen, auf Bewegung und Tiefe. Suien—wörtlich „Wasserrauch“ — Hohlräume und eine zurückhaltende blaue Glasur lassen Variationen auf natürliche Weise durch Ansammlungen, Verblassen und Abrieb während des Brennvorgangs entstehen.

Die direkteste emotionale Resonanz tritt in abgerundeten Formen auf, die um einen inneren Hohlraum herum gebildet werden. TaidoDer Name bedeutet übersetzt „Mutterleib“ und „Lehm“ und erinnert an Geburt und Entstehung – eine intuitive Reaktion auf eine Zeit, in der das Leben als zutiefst verletzlich empfunden wurde.

„Das Leben muss sich damals unerträglich kostbar angefühlt haben. Genau dieses Gefühl wollte ich berühren.“

Wer sich mit Wakunamis Werk auseinandersetzt, taucht ein in die tiefgründige Geschichte einer der ältesten Töpfereien der Welt, neu interpretiert durch eine Kunst, die fest in der Gegenwart verwurzelt ist. Wakunami versteht sich nicht als Expertin für die Geschichte der Jōmon-Zeit. Ihr Wissen ist praktisch, visuell und intuitiv. Sie beobachtet, nimmt auf und reagiert, wodurch die in der antiken Keramik angelegte Fantasie lebendig bleibt.

Auf die Frage, wie sich diese Arbeiten von Geschirr unterscheiden, beschreibt Wakunami keinen Wechsel in der Arbeitsweise, sondern einen Unterschied in der emotionalen Intensität.

„Bei diesen Stücken kann ich meine Liebe freier in die Arbeit einfließen lassen.“ Sie sind extrem aufwendig in der Herstellung – aber genau das macht sie so reizvoll.“

Im Kern ihrer Arbeit liegt die tiefe Bewunderung für die Schönheit vollendeter Jomon-Keramik. Diese Faszination verbindet sich mit dem Können einer erfahrenen Keramikkünstlerin, die ihre inneren Gedanken gekonnt in Form bringt.