Wakunami Madoka: Im Dialog mit Jomon Pottery

Vor den Worten, vor der geschriebenen Geschichte, gab es Form, die ihre Spur als Aufzeichnung uralten Lebens hinterließ.

In den Gefäßen der Jomon-Menschen, geschaffen vor mehr als 10.000 Jahren, kann Funktion allein die Intensität ihrer Formen nicht erklären. Diese Objekte überschreiten den Nutzen und deuten auf eine Seinsweise hin, die untrennbar von Vorstellungskraft, Glauben und gelebter Erfahrung ist.

Die in Kyoto ansässige Keramikkünstlerin Wakunami Madoka nähert sich der Jomon-Keramik nicht als einem zu replizierenden Stil, sondern als dem Ursprung ihrer Kreativität und ihres Handwerks.

Jedes ihrer Werke wird von einer inneren Vision und Faszination geformt. Vollständig von Hand geformt, wird die Schöpfung von einer langen Vertrautheit mit Ton, Struktur und Brand geleitet.

Die Samen der Inspiration fallen manchmal näher, als man erwarten würde.

Wakunamis Begegnung mit der Jomon-Keramik begann nicht durch akademische Forschung oder kuratorische Absicht, sondern durch eine Sommeraufgabe der Mittelschule, die ihr Sohn nach Hause brachte. Aufgefordert, etwas zu schaffen, das mit Gesellschaft und Handwerk zu tun hat, entschied er sich, zu den Ursprüngen der Keramik selbst zurückzublicken, aufgewachsen als Kind einer Kiyomizu-Ware-Brennerei. Im Verständnis dafür, wie schwierig es ist, einer vorgestellten Idee physische Form zu geben, half Wakunami ihrem Sohn bei der Arbeit mit dem Ton.

Was als kleines Projekt begann, vertiefte sich schnell. Als Wakunami die Jomon-Keramik genauer betrachtete, fand sie sich zunehmend absorbiert. Die Komplexität der Formen, die Sicherheit ihrer Konstruktion und der schiere Ehrgeiz, der in vor Tausenden von Jahren geschaffenen Objekten eingebettet war, wirkten verblüffend. Sie waren vollständig, sicher ausdrucksstark und zum Gebrauch gemacht.

„Ich wurde vollständig von der Schönheit dieser Welt absorbiert. Es fühlte sich an, als käme sie vom Gipfel des Schaffens selbst."

Zu dieser Zeit hatte Wakunami bereits viele Jahre im Kontext der Kiyomizu-Ware an der Seite ihres Mannes, des vierten Soryu, gearbeitet, eingetaucht in die tägliche Produktion und langjährig etablierte Techniken.

Gerade weil sie wusste, was es bedeutet, eine keramische Praxis aufrechtzuerhalten, fühlte sich die Begegnung mit Jomon bedeutsam an. Anstatt antike Keramik als stilistische Referenz zu sehen, begann sie, sie als Erinnerung an einen Moment vor Kategorien zu betrachten—bevor „Gebrauch", „Dekoration" oder sogar „Tradition" klar getrennt waren.

Wichtig ist, dass sie sich der Jomon-Keramik nicht mit der Absicht näherte, sie zu verstehen oder zu erklären. Die Archäologie erkennt an, dass zwar viel darüber bekannt ist, wie Jomon-Gefäße hergestellt wurden, vieles jedoch ungeklärt bleibt. Für Wakunami war diese Ungewissheit keine Einschränkung.

„Meine Arbeit beginnt mit Respekt für die Jomon-Menschen. Ich stelle mir die verschiedenen Formen neu vor und bringe sie durch das Auftragen von Glasur in die Gegenwart."

Wakunamis von Jomon inspirierte Werke sind untrennbar von ihrer angesammelten Erfahrung als Schaffende. Geboren in eine Familie von Keramikhandwerkern in Fukuoka, innerhalb einer mit Koishiwara-Keramik verbundenen Linie, wuchs sie in einem Umfeld auf, in dem Ton und Brennofenarbeit Teil des täglichen Lebens waren. Doch als dritte Tochter in einer Familie von vier Schwestern wurde sie nie als Erbin positioniert.

Keramik wurde somit zu einer bewussten Wahl. Sie studierte Keramik an der Saga-Universität und verließ nach dem Abschluss Kyushu, wählte Kyoto, um ihre Ausbildung fortzusetzen.

In Kyoto trat sie in eine formale Keramikausbildung ein und trat später durch Heirat in das Arbeitsleben der Kiyomizu-Ware ein. Fast ein Jahrzehnt lang arbeitete sie weitgehend außerhalb der öffentlichen Wahrnehmung—unterstützte die Produktion, assistierte und schuf ohne öffentliche Urheberschaft. Diese Periode verankerte sie in den Realitäten der Aufrechterhaltung einer Brennerei, der Verwaltung von Materialien und der Aushandlung der Spannung zwischen Kontinuität und Wandel.

Dieser Hintergrund prägt ihre aktuelle Praxis. Ihre Arbeit ist keine konzeptuelle Übung, die auf Handwerk aufgesetzt wird, sondern ein Prozess, der in langer Vertrautheit mit Ton, Struktur und Brand verwurzelt ist—eine Vorstellungskraft, die von Wiederholung und Risiko getragen wird.

Alle Jomon-Werke von Wakunami werden vollständig von Hand aufgebaut. Sie verwendet keine Töpferscheibe. Wie die antiken Gefäße, die sie inspirieren, wird jedes Stück durch Wulsttechnik konstruiert, das allmählich von der Basis aufsteigt.

Die vollendete Form existiert zuerst als inneres Bild, vollständig in ihrem Geist geformt, und wird durch einen langsamen, physischen Prozess realisiert. Anstatt sich Jomon-Gefäßen symbolisch zu nähern, betrachtet Wakunami sie aus der Perspektive einer Schaffenden: wie sie stehen, wie Gewicht getragen wird, wie aufwendige Formen ohne Scheibe zusammengesetzt wurden.

Ihr Studium der Jomon-Keramik ist visuell und erfahrungsbasiert statt akademisch. Sie arbeitet nicht mit Diagrammen oder Typologien, noch beginnt sie mit historischer Klassifizierung. Stattdessen besucht sie Museen und archäologische Sammlungen, wenn die Zeit es erlaubt—reist in Regionen wie Nagano und Yamanashi—und reagiert auf das, was sie bewegt.

Anstatt den eisenreichen Ton zu verwenden, der für antike Jomon-Keramik typisch ist, arbeitet Wakunami mit einem Halbporzellan-Ton—einer Mischung aus Steinzeug- und Porzellanerde. Diese Wahl ermöglicht größere strukturelle Kontrolle und klareren Ausdruck der Glasur, während sie die Zerbrechlichkeit und hohen Verlustquoten vermeidet, die mit reinem Porzellan verbunden sind. Während Jomon-Keramik unglasiert ist, wählt Wakunami Glasuren als künstlerische Entscheidung—eine, die es antiken Formen ermöglicht, leise in die Gegenwart einzutreten.

Ein Gefühl von Struktur und Ehrfurcht entsteht durch flammenartige Formen, die sich vom Körper des Gefäßes erheben. In ihrem Stück Homura, was Flamme bedeutet, werden diese Elemente geschnitzt statt aufgetragen, wodurch eine Präsenz entsteht, die von Balance und Spannung statt von Replikation geformt wird.

Die Aufmerksamkeit wendet sich dann nach innen, zu Bewegung und Tiefe. In Suien—wörtlich „Wasserrauch"—ermöglichen ausgehöhlte Räume und eine zurückhaltende blaue Glasur, dass Variation natürlich an die Oberfläche tritt, durch Ansammlung, Verblassen und Abrieb während des Brands.

Die direkteste emotionale Resonanz erscheint in gerundeten Volumina, die um einen inneren Hohlraum geformt sind. In Taido, was „Mutterleib" und „Ton" bedeutet, ruft diese Struktur Geburt und Entstehung hervor – eine intuitive Antwort auf eine Zeit, in der das Leben als zutiefst verletzlich empfunden wurde.

„Das Leben muss damals unerträglich kostbar gewesen sein. Dieses Gefühl wollte ich berühren."

Wakunamis Werk zu betreten bedeutet, in die tiefe Geschichte einer der frühesten Töpfereien der Welt einzutreten, neu interpretiert durch eine Kunstfertigkeit, die fest in der Gegenwart verwurzelt ist. Wakunami versteht sich nicht als Expertin für Jomon-Geschichte. Ihr Wissen ist praktisch, visuell und intuitiv. Sie beobachtet, nimmt auf und reagiert, sodass die in der antiken Keramik eingebettete Vorstellungskraft aktiv bleibt.

Auf die Frage, wie sich diese Arbeiten von Geschirr unterscheiden, beschreibt Wakunami keinen Wechsel in der Praxis, sondern einen Unterschied in der emotionalen Intensität.

„Bei diesen Stücken kann ich meine Liebe freier in die Arbeit einfließen lassen. Sie sind extrem anspruchsvoll in der Herstellung – aber genau das macht sie so erfüllend."

Im Kern wird ihre Praxis von einer reinen Bewunderung für die Schönheit vollendeter Jomon-Keramik angetrieben. Diese Faszination ist klar, gepaart mit der Fertigkeit einer erfahrenen Keramikkünstlerin, die weiß, wie sie dem Form verleiht, was sie bewegt.