Entdecken Sie die einzigartige Imari-Kunst hinter den Museumstüren

Viele Stücke japanischer Keramik werden als Kunstwerke in Museen aufbewahrt, und unter ihnen sind die als „Ko-Imari“ bekannten Stücke besonders beliebt.

Das „ko“ in Ko-Imari bedeutet auf Japanisch „alt“ und bezieht sich auf Imari-Ware aus der Edo-Zeit (1603–1867 n. Chr.). Im Ausland wird es manchmal „Altes Imari“ genannt.

Die Region, in der die Imari-Ware entstand, ist heute als Präfektur Saga und Nagasaki bekannt. Auch heute noch wird in diesen Gebieten Keramik hergestellt, die von den Designs von Ko-Imari inspiriert ist und die Menschen immer wieder fasziniert. In diesem Artikel möchte ich ihren Reiz erkunden.

Um Ko-Imari als Kunstwerke persönlich zu sehen, besuchte ich eine Sonderausstellung im Matsuoka Museum of Art mit dem Titel „Keramik aus der Edo-Zeit: Ko-Imari-Ausstellung“. Das Museum liegt etwa sieben Gehminuten vom Bahnhof Shirokanedai im Tokioter Bezirk Minato entfernt. Es liegt in einer ruhigen Gegend, umgeben von üppiger Natur, mit einem Park namens „Institut für Naturkunde“, der im Hintergrund zu sehen ist. Dieses privat geführte Museum befindet sich in dieser grünen Umgebung.

Hier wohnte ursprünglich der erste Direktor und Gründer des Museums, Seijiro Matsuoka. Schon in jungen Jahren liebte er Kalligrafie, Malerei und Antiquitäten und verbrachte etwa ein halbes Jahrhundert damit, eine umfangreiche Sammlung aufzubauen. Als er auf die 80 zuging, kam ihm der Gedanke: „Außergewöhnliche Kunstwerke sollten der Öffentlichkeit zugänglich gemacht werden, damit möglichst viele Kunstliebhaber sie genießen können. Wissenschaftlich wertvolle Objekte sollten Experten und angehenden Wissenschaftlern auf diesem Gebiet als Forschungsmaterial dienen. Nur dann wird meine jahrelange Sammeltätigkeit wirklich von Bedeutung sein.“ Mit dieser Einstellung beschloss er, das Museum zu gründen. Alle hier ausgestellten Kunstwerke hat Matsuoka im Laufe seines Lebens zusammengetragen, und allein Keramik macht etwa ein Drittel der gesamten Sammlung aus.

In dieser Sonderausstellung wurden 49 Stücke gezeigt, die vier Stile der Imari-Keramik aus der Edo-Zeit repräsentieren. Den Auftakt machte der Kakiemon-Stil, gefolgt vom Kinrande-Stil, dem Ko-Kutani-Stil und dem Nabeshima-Stil. Entdecken Sie nun die wertvollen Ko-Imari-Stücke, die nur hier zu sehen sind.

Beim Betreten des Ausstellungsraums empfängt einen eine Vielzahl von Vasen, Teegeschirr und anderen Objekten, jeweils begleitet von einer Erläuterung des Kakiemon-Stils. Besonders beeindruckend ist die Eleganz der Waren mit ihren roten Malereien auf strahlend weißem Porzellan.

Ko-Imari wurde ab Mitte des 17. Jahrhunderts etwa 100 Jahre lang aktiv nach Übersee exportiert. Der Kakiemon-Stil wurde entwickelt, um den strengen Qualitätsstandards der Niederländischen Ostindien-Kompanie gerecht zu werden und den Geschmack des europäischen Adels zu treffen. Der Name „Kakiemon“ leitet sich von Sakaida Kakiemon ab, dem Kakiemon der ersten Generation, der die Technik der Rotmalerei entwickelte.

Die Motive sind asymmetrisch und zeigen chinesische Figuren, Vögel und Blumen. Auf der ersten ausgestellten Vase sind beispielsweise Chinesen mit Regenschirmen abgebildet. Das filigrane Kunstwerk wertet das einzigartige, milchig-weiße Porzellan – bekannt als „Nigoshide“ – auf und füllt den Raum wunderschön aus. Es bringt eine einzigartige japanische Ästhetik zum Ausdruck.

Ein besonderes Merkmal der Kakiemon-Keramik ist, dass die Vasen und Flaschen nicht auf der Töpferscheibe, sondern aus Tonplatten gefertigt werden. Eine sechseckige Vase, ähnlich der abgebildeten, gehörte ebenfalls zur orientalischen Porzellansammlung, die Maria II. von England in den Niederlanden zusammentrug. Sie ist nach dem Palast, in dem sie sich befindet, „Hampton Court Vase“ genannt.

Es heißt, dass Weinkrüge wie der auf diesem Foto nur für eine kurze Exportperiode ab Mitte des 17. Jahrhunderts hergestellt wurden, bis man begann, Wein in Glasbehälter abzufüllen, die mit Korken verschlossen waren. Ähnlich wie der erste Krug zeigt auch dieser Krug Figuren mit Regenschirmen.

Im Anschluss an die Kakiemon-Ausstellung wurde der „Kinrande“-Stil präsentiert, was übersetzt „Goldbrokat“ bedeutet. Ursprünglich bezeichnete Kinrande eine Porzellanart, die während der Ming-Dynastie in Jingdezhen, China, hergestellt wurde und sich durch einen roten Hintergrund mit Goldapplikationen auszeichnete. Dieser Stil erregte die Aufmerksamkeit japanischer Teemeister und erfreute sich schnell großer Beliebtheit unter den wohlhabenden Japanern.

Diese Popularität nutzend, begann in den 1690er Jahren in Arita, Japan, die Produktion von Keramik im Kinrande-Stil, inspiriert vom chinesischen Vorbild. Diese prachtvollen Keramiken, reich verziert mit Unterglasurblau, Aufglasur-Emaille und Gold, wurden sowohl für den Inlands- als auch für den Auslandsmarkt hergestellt. Im Laufe der Zeit verlagerte sich der Exportschwerpunkt vom Kakiemon- zum Kinrande-Stil. Einige der in diesem Stil gefertigten Keramiken wurden in Europa als „Altjapanische Keramik“ bekannt und erfreuten sich großer Beliebtheit.

Wenn Sie die Stücke in der Realität betrachten, werden Sie feststellen, dass der starke Goldeindruck, den der Name suggeriert, mit der Zeit verblasst ist. Stattdessen hinterlässt der Kontrast zwischen Rot und Marineblau einen viel stärkeren Eindruck, verstärkt durch kräftige Designs, die eine kraftvolle Aura ausstrahlen.

Es scheint, dass in Palästen und Adelsresidenzen der damaligen Zeit einzelne dieser großen Krüge und zylindrischen Vasen ausgestellt waren. Ein Foto unten rechts in der Ausstellung zeigt diese Anordnung. Der enorme Umfang dieser Werke ist ein bemerkenswerter Hinweis darauf, dass es sich um Exporte handelt.

Auf den ersten Blick dachte ich, es handele sich um eine Schüssel für gekochte Gerichte, aber es stellte sich heraus, dass es eine Tasse mit Untertasse für heiße Schokolade war. Ich erfuhr, dass der Deckel und das schlanke Design geschickt für den Genuss heißer Schokolade gestaltet wurden. Der unerwartete Zweck ist nicht sofort ersichtlich, sodass ich innehalten und genauer hinschauen musste, als er erklärt wurde.

Kutani-Keramik, die heute in der Präfektur Ishikawa hergestellt wird, übernimmt die Designs des sogenannten „Ko-Kutani“. Lange Zeit war der Ursprung der Kutani-Keramik Gegenstand von Debatten. Neuere Forschungen legen jedoch nahe, dass die Teller mit dem Ko-Kutani-Dekor tatsächlich in der Hizen-Region gefertigt wurden. Öffentliche Einrichtungen wie das Nationalmuseum Tokio verwenden die Bezeichnung „Imari Ko-Kutani-Stil“, und auch das Kunstmuseum Matsuoka stellt Stücke unter diesem Gesichtspunkt aus. Der Ko-Kutani-Stil gilt als das erste in Japan verbreitete Aufglasurporzellan.

Die Farbpalette aus Blau (Grün), Gelb, Rot, Lila und Dunkelblau ist insgesamt eher dezent gehalten. Der Reichtum der Gestaltungsideen und die kunstvolle Komposition faszinieren den Betrachter auch heute noch.

Eine prächtige Schale in leuchtenden Grün- und Gelbtönen wurde in einer Vitrine ausgestellt. Dieser Farbkontrast, das traditionelle geometrische Muster und die kräftige Komposition wirken ukiyoe-artig und wirken etwas modern.

Das Porzellan im Nabeshima-Stil, oft als „Höhepunkt der Aufglasurmalerei“ bezeichnet, wurde in Brennöfen hergestellt, die direkt vom Saga-Nabeshima-Lehen beaufsichtigt wurden. Diese Keramiken, die ohne Rücksicht auf Profitabilität gefertigt wurden, waren so exklusiv, dass sie ausschließlich als Opfergaben an den Shogun, als Geschenke an verschiedene Feudalherren und Hofadelige sowie für den persönlichen Gebrauch des Lehensherrn bestimmt waren.

Die mit Aufglasurmalerei verzierten Stücke sind auch als „Iro-Nabeshima (Farbige Nabeshima)“ bekannt und zeichnen sich durch eine Vierfarbenpalette aus: Unterglasurblau sowie Aufglasurrot, -grün und -gelb. Elegant bemalt mit Flora und Fauna, Landschaften, juwelenartigen Mustern und geometrischen Motiven, gelten sie oft als Meisterwerke der dekorativen Kunst.

Alle hier ausgestellten Stücke haben ähnliche Formen, was die stilistischen Unterschiede leichter erkennbar macht. Sie weisen gemeinsame Elemente wie ein Kammmuster auf dem Fuß und schwache unterglasurblaue Linien auf. Trotz der leuchtenden Aufglasurmalerei dient das Unterglasurblau als Grundlage für die Dekoration und verleiht den Stücken eine erfrischende und würdevolle Ausstrahlung.

Nabeshima-Geschirr besitzt ein außergewöhnliches Maß an Eleganz und Extravaganz und strahlt eine würdevolle Präsenz aus, die dem von Feudalherren geliebten Geschirr würdig ist. Die Tatsache, dass Meisterhandwerker der damaligen Zeit zusammenkamen, um diese Stücke herzustellen, spricht Bände. Man erkennt das beispiellose Maß an technischem Können und künstlerischem Einfallsreichtum, das in ihre Herstellung einfloss.

Mein Tag im Matsuoka Art Museum war eine bereichernde Erfahrung, die es mir ermöglichte, tief in die Welt des Ko-Imari einzutauchen, einer geschätzten Facette der japanischen Kunst. Inmitten einer Reihe kunstvoller Keramiken war ich fasziniert, als wäre ich über eine differenzierte Antwort auf die Frage gestolpert, warum Ko-Imari auf so viele Menschen eine so anhaltende Faszination ausübt. Die schiere sinnliche Wirkung dieser Stücke – die allein durch Fotos oder literarische Beschreibungen nicht zu erreichen ist – war wirklich augenöffnend. Die Authentizität ihrer Dimensionen, die Lebendigkeit ihrer Farben, die Eleganz ihrer Designs, die sorgfältige Handwerkskunst und ihre beeindruckende Präsenz in der Ausstellung – all das wird beim Betrachten lebendig. Ich spürte eine spürbare Kontinuität, eine lebendige Tradition dieser künstlerischen Prinzipien, die sich bis in die zeitgenössische Keramikkunst fortsetzt.

Wenn sich die Gelegenheit ergibt, empfehle ich Ihnen wärmstens einen Besuch, um in die Meisterwerke von Ko-Imari einzutauchen, die nur in den ehrwürdigen Hallen eines Kunstmuseums ihre volle Geltung finden. Dort können Sie sowohl die fesselnde Schönheit als auch die reiche Geschichte dieser bemerkenswerten Werke hautnah erleben.