Entdecken Sie die einzigartige Imari-Kunst hinter den Museumstüren

Viele japanische Keramiken werden als Kunstwerke in Museen bewahrt, und unter ihnen sind die als „Ko-Imari" bekannten Stücke besonders beliebt.

Das „ko" in Ko-Imari bedeutet im Japanischen „alt" und bezieht sich auf Imari-Ware, die in der Edo-Zeit (1603–1867) hergestellt wurde. Im Ausland wird sie manchmal „Old Imari" genannt.

Die Region, die Imari-Ware hervorbrachte, entspricht den heutigen Präfekturen Saga und Nagasaki. Noch heute werden in diesen Gebieten Keramiken produziert, die sich an den Designs von Ko-Imari orientieren und Menschen unaufhörlich faszinieren. In diesem Artikel möchte ich ihre Anziehungskraft erkunden.

Um Ko-Imari als Kunstwerke persönlich zu sehen, besuchte ich eine Sonderausstellung im Matsuoka Museum of Art mit dem Titel „Keramik der Edo-Zeit: Ko-Imari-Ausstellung". Das Museum liegt etwa sieben Gehminuten von der Station Shirokanedai im Tokioter Bezirk Minato entfernt. Es befindet sich in einer ruhigen Gegend, umgeben von üppiger Natur, mit einem Park namens „Institute for Nature Study" im Hintergrund. Dieses private Museum wurde in dieser grünen Umgebung errichtet.

Der Standort war ursprünglich die Residenz des ersten Direktors und Gründers des Museums, Seijiro Matsuoka. Er liebte Kalligrafie, Malerei und Antiquitäten von Jugend an und verbrachte etwa ein halbes Jahrhundert damit, eine umfangreiche Sammlung aufzubauen. Als er sich dem 80. Lebensjahr näherte, begann er zu denken: „Außergewöhnliche Kunstwerke sollten öffentlich zugänglich gemacht werden, damit möglichst viele Menschen, die Kunst lieben, sie genießen können. Akademisch wertvolle Objekte sollten als Forschungsmaterial für Experten und angehende Wissenschaftler dienen. Nur dann werden meine Jahre des Sammelns wirkliche Bedeutung haben." Mit dieser Haltung beschloss er, das Museum zu gründen. Alle hier ausgestellten Kunstwerke wurden von Matsuoka zu Lebzeiten gesammelt, und Keramiken allein machen etwa ein Drittel der gesamten Sammlung aus.

In dieser Sonderausstellung wurden 49 Stücke gezeigt, die vier Stile der Imari-Ware aus der Edo-Zeit repräsentieren. Sie begannen mit dem Kakiemon-Stil, gefolgt vom Kinrande-Stil, dem ko-Kutani-Stil und dem Nabeshima-Stil. Nun begeben wir uns zu den kostbaren Ko-Imari-Stücken, die nur hier zu sehen sind.

Sobald Sie den Ausstellungsraum betreten, empfängt Sie eine Reihe von Vasen, Teewaren und anderen Objekten, alle begleitet von einer Erläuterung des Kakiemon-Stils. Die Eleganz der Waren mit roten Malereien auf hellem weißem Porzellan ist besonders eindrucksvoll.

Ko-Imari wurde ab Mitte des 17. Jahrhunderts etwa 100 Jahre lang aktiv ins Ausland exportiert. Der Kakiemon-Stil wurde entwickelt, um den strengen Qualitätsstandards der Niederländischen Ostindien-Kompanie zu entsprechen und den Geschmack des europäischen Adels zu treffen. Der Name „Kakiemon" leitet sich von Sakaida Kakiemon ab, dem Kakiemon der ersten Generation, der die Technik der roten Malerei entwickelte.

Die Motive sind asymmetrische Designs mit chinesischen Figuren, Vögeln und Blumen. Auf der ersten ausgestellten Vase sind beispielsweise chinesische Menschen mit Schirmen dargestellt. Die feine Kunstfertigkeit hebt das einzigartige, milchig-weiße Porzellan – bekannt als „Nigoshide" – hervor und füllt seinen Raum auf schöne Weise, wodurch eine einzigartig japanische Ästhetik zum Ausdruck kommt.

Ein charakteristisches Merkmal von Kakiemon-Keramiken ist, dass die Vasen und Flaschen aus Tonplatten gefertigt werden, anstatt auf der Töpferscheibe gedreht zu werden. Eine sechseckige Vase, ähnlich der abgebildeten, gehörte auch zur Sammlung orientalischen Porzellans, die Maria II. von England in den Niederlanden zusammentrug. Sie trägt den Namen „Hampton Court Vase" nach dem Palast, in dem sie aufbewahrt wird.

Es heißt, dass Weinkrüge wie der auf diesem Foto nur für eine kurze anfängliche Exportperiode ab Mitte des 17. Jahrhunderts produziert wurden, bis Wein in Glasflaschen mit Korkverschluss abgefüllt wurde. Ähnlich wie die erste Vase zeigt auch dieser Krug Figuren mit Schirmen.

Nach der Kakiemon-Ausstellung folgte der „Kinrande"-Stil, was „goldener Brokat" bedeutet. Ursprünglich bezieht sich Kinrande auf eine Porzellanart, die in Jingdezhen während der chinesischen Ming-Dynastie hergestellt wurde und einen roten Hintergrund mit aufgetragenem Gold aufweist. Dieser Stil erregte die Aufmerksamkeit japanischer Teemeister und gewann schnell an Popularität unter den Wohlhabenden in Japan. Diese Popularität nutzend, begann in den 1690er Jahren in Arita, Japan, die Produktion von Keramiken im Kinrande-Stil, inspiriert von der chinesischen Version. Diese schillernden Keramiken, üppig verziert mit Unterglasurblau, Aufglasurfarben und Gold, wurden sowohl für den inländischen als auch für den ausländischen Markt produziert. Mit der Zeit verlagerte sich der Schwerpunkt der Exporte vom Kakiemon-Stil zum Kinrande-Stil. Einige der in diesem Stil gefertigten Keramiken wurden in Europa als „Old Japan" bekannt und zu beliebten Artikeln.

Beim Betrachten der tatsächlichen Stücke fällt auf, dass der starke Goldeindruck, den der Name suggeriert, mit der Zeit verblasst ist. Stattdessen hinterlässt der Kontrast zwischen roten und marineblauen Farben einen viel stärkeren Eindruck, verstärkt durch kühne Designs, die eine kraftvolle Aura ausstrahlen.

Es scheint, dass ungerade Sätze dieser großen Vasen und zylindrischen Vasen in Palästen und Adelsresidenzen der damaligen Zeit ausgestellt wurden. Ein Foto unten rechts in der Ausstellung zeigt diese Anordnung. Die großartige Dimension dieser Werke ist ein bemerkenswerter Hinweis darauf, dass es sich um Exportware handelt.

Auf den ersten Blick dachte ich, es sei eine Schale für geschmorte Gerichte, aber es stellte sich heraus, dass es sich um eine Tasse mit Untertasse für heiße Schokolade handelt. Ich erfuhr, dass der Deckel und das schlanke Design geschickt für den Konsum heißer Schokolade gestaltet wurden. Der unerwartete Zweck ist nicht sofort offensichtlich und veranlasst mich, innezuhalten und genauer hinzusehen, während er erklärt wird.

Kutani-Ware, heute in der Präfektur Ishikawa produziert, führt die Designs des sogenannten „Ko-Kutani" fort. Lange Zeit war der Ursprung von Kutani-Ware Gegenstand von Debatten. Neuere Forschungen legen jedoch nahe, dass die Teller mit dem Ko-Kutani-Design tatsächlich in der Hizen-Region hergestellt wurden. Öffentliche Institutionen wie das Tokyo National Museum verwenden den Begriff „Imari Ko-Kutani-Stil", und auch das Matsuoka Art Museum stellt Stücke mit diesem Verständnis aus. Der Ko-Kutani-Stil gilt als das erste überglasierte Emailporzellan, das im Inland zirkulierte.

Die Farbpalette aus Blau (Grün), Gelb, Rot, Violett und Dunkelblau ist insgesamt recht gedämpft. Der Reichtum der gestalterischen Ideen und die Kunstfertigkeit der Komposition fesseln bis heute jene, die sie betrachten.

Eine prächtige Schale mit lebendigen Grün- und Gelbtönen wurde in einer Vitrine präsentiert. Dieser Farbkontrast, das traditionelle geometrische Muster und die kühne Komposition haben eine ukiyoe-artige Wirkung und eine gewisse moderne Anmutung.

Das Nabeshima-Porzellan, oft als „Höhepunkt der Überglasurmalerei" bezeichnet, wurde in Brennöfen hergestellt, die direkt vom Saga Nabeshima-Clan beaufsichtigt wurden. Ohne Rücksicht auf Rentabilität geschaffen, waren diese Keramiken so exklusiv, dass sie ausschließlich für Opfergaben an den Shogun, als Geschenke an verschiedene Feudalherren und Hofadlige sowie für den persönlichen Gebrauch des Clan-Oberhaupts bestimmt waren. Die überglasurbemalten Stücke sind auch als „Iro-Nabeshima (Farbiges Nabeshima)" bekannt und weisen eine Vier-Farben-Palette auf, bestehend aus Unterglasurblau sowie Überglasurrot, -grün und -gelb. Elegant bemalt mit Flora und Fauna, Landschaften, edelsteinartigen Mustern und geometrischen Motiven, gelten sie oft als Meisterwerke der dekorativen Kunst.

Alle hier ausgestellten Stücke haben ähnliche Formen, was es erleichtert, die Unterschiede im Stil zu erkennen. Sie teilen gemeinsame Elemente wie ein Kammmuster am Fuß und zarte Unterglasurblaulinien. Trotz der lebendigen Überglasurbemalung dient das Unterglasurblau als Grundlage für die Dekoration und verleiht den Stücken eine erfrischende und würdevolle Präsenz.

Nabeshima-Ware besitzt ein außergewöhnliches Maß an Eleganz und Pracht und strahlt eine würdevolle Präsenz aus, die dem Geschirr würdig ist, das von Feudalherren geschätzt wurde. Die Tatsache, dass Meisterhandwerker der damaligen Zeit versammelt wurden, um diese Stücke zu schaffen, spricht Bände. Man erkennt das unvergleichliche Niveau an technischem Können und künstlerischem Einfallsreichtum, das in ihre Herstellung floss.

Mein Tag im Matsuoka Art Museum war eine bereichernde Erfahrung, die es mir ermöglichte, tief in die Welt des Ko-Imari einzutauchen, einer geschätzten Facette japanischer Kunst. Inmitten einer Vielzahl kunstvoller Keramiken fand ich mich verzaubert wieder, als hätte ich eine nuancierte Antwort auf die Frage gefunden, warum Ko-Imari für so viele eine so anhaltende Anziehungskraft besitzt. Die schiere sinnliche Wirkung dieser Stücke – unerreichbar durch Fotografien oder literarische Beschreibungen allein – war wahrhaft augenöffnend. Die Authentizität ihrer Dimensionen, die Lebendigkeit ihrer Farben, die Eleganz ihrer Designs, die akribische Handwerkskunst und ihre eindrucksvolle Präsenz bei der Ausstellung – all dies erwacht zum Leben, wenn man sie persönlich betrachtet. Ich spürte ein greifbares Gefühl von Kontinuität, eine lebendige Abstammungslinie dieser künstlerischen Prinzipien, die sich in die zeitgenössische Keramikkunst fortsetzt. Sollte sich die Gelegenheit ergeben, empfehle ich von ganzem Herzen einen Besuch, um sich in die Ko-Imari-Meisterwerke zu vertiefen, die nur in den ehrwürdigen Hallen eines Kunstmuseums vollständig gewürdigt werden können. Dort können Sie sowohl die fesselnde Schönheit als auch die reiche Geschichte dieser bemerkenswerten Werke unmittelbar erleben.