Home Sweet Museum: Ein Besuch im Japan Folk Crafts Museum (Nihon Mingeikan)

Für viele Reisende, die aus der Ferne nach Japan kommen, steht das „Japan Folk Crafts Museum" (Nihon Mingeikan) möglicherweise nicht sofort ganz oben auf der Liste der Kunstmuseen. Ohne die großen Dimensionen der landesweit bekannten Museen in Ueno gelegen, residiert dieses kulturelle Juwel diskret in einem ruhigen Wohnviertel – seine Anziehungskraft bleibt jenen vorbehalten, die davon wissen. Dennoch fühlte sich unser Team von MUSUBI KILN zu dieser stillen Institution hingezogen, wegen ihrer besonderen Ausstellung: eine Vielfalt alltäglicher Handwerksobjekte von Keramik und Geschirr über Textilien, Gemälde, gefärbte Stoffe, Bambus bis hin zu Papierarbeiten. Diese Artefakte, gesammelt aus ganz Japan und darüber hinaus, unabhängig von ihrer Epoche, stellen für uns als Praktiker im Bereich des Geschirrhandwerks eine wahre Schatzkammer dar.

Normalerweise ist das Fotografieren im Museum nicht gestattet, doch bei dieser Gelegenheit erhielten wir eine Sondergenehmigung, Aufnahmen vom Inneren zu machen. Die hier gezeigten Fotografien dürfen keinesfalls reproduziert oder weiterverbreitet werden.

Ein gemächlicher Spaziergang rund um die Station Komaba-Todaimae an der privaten Bahnlinie offenbart eine Weite ruhiger Wohnviertel, die Universität Tokio und den grünen Komaba Park. Wer sich für Geschichte oder Architektur interessiert, könnte seine Neugier durch die nahegelegene ehemalige Aristokratenresidenz im westlichen Stil geweckt sehen, die in den 1920er Jahren errichtet wurde. Sie lädt als bereichernder Umweg für kulturell Abenteuerlustige ein.

Plötzlich, nur wenige Gehminuten vom Bahnhof entfernt, erhebt sich das „Japan Folk Crafts Museum" (Nihon Mingeikan), ein eindrucksvolles Gebäude, das den würdevollen Charakter einzigartiger japanischer Gestaltung ausstrahlt. Das Museum ist die Schöpfung von Soetsu Yanagi, der treibenden Kraft hinter der Folk Crafts Movement, die „die Schönheit in alltäglichen Objekten" pries. 1936 von Yanagi und einer Gruppe gleichgesinnter Mitstreiter gegründet, wurde der Raum geschaffen, um die Eleganz des Volkshandwerks der Welt vorzustellen. Yanagi selbst war intensiv in die Gestaltung des Gebäudes eingebunden, ein Unterfangen, das sich in der durchdachten Kuratierung seiner Ausstellungen widerspiegelt.

Bei der Ankunft kann man nicht umhin, von der robusten Präsenz des Gebäudes beeindruckt zu sein, die japanische Ästhetik harmonisch mit einem unterschwelligen Gefühl von Gravitas verbindet. Die Außen- und Bodenmaterialien zeigen die Verwendung von Oya-Stein aus der Nähe von Utsunomiya, Tochigi – ein Material, das Soetsu als „den japanischsten Stein" betrachtete, einen „Stein, der dem Holz nahesteht". Oya-Stein mit seiner hohen Feuerbeständigkeit und Feuchtigkeitsabwehr eignet sich gut für Lager- und Ausstellungseinrichtungen. Die Leichtigkeit, mit der Oya-Stein bearbeitet werden kann, ermöglichte die Verwirklichung jeder gewünschten Gestaltung und führte zum Bau dieser ausgeprägt japanischen Struktur.

Beim Eintreten durch die tiefbernsteinfarbenen hölzernen Schiebetüren werden Ihnen Schuhüberzieher gereicht. Während es früher üblich war, die Schuhe vollständig auszuziehen, ist die Anwesenheit eines „Genkan" (Eingangsbereich) in einem Museum eher ungewöhnlich.*Derzeit sind sie anstelle von Schuhüberziehern zur Methode zurückgekehrt, die Schuhe auszuziehen und zu Hausschuhen zu wechseln, wie es vor der COVID-19-Pandemie praktiziert wurde.Dies entspringt Yanagi Soetsus Wunsch, dem Museum eine Wärme zu verleihen, die eher an ein Zuhause als an eine Institution erinnert. Das Gefühl ist weniger, ein Museum zu betreten, sondern eher, jemandem einen Besuch abzustatten.

Die räumliche Komposition, zentriert um einen offenen Treppenraum, ist ein Stil, der häufig in alten Häusern im westlichen Stil zu finden ist. Sie spiegelt die Verschmelzung architektonischer Schönheit wider, die Soetsu, bewandert in westlichen Kulturen, aus seinen Begegnungen mit europäischen Baustilen ansammelte und dann nahtlos mit japanischer Ästhetik verband.

Im Inneren des Museums wird die Ruhe durch Holzbalken und Putz unterstrichen, während die grobe Textur und kühle Berührung des Oya-Steinbodens eine perfekte Ergänzung bildet. Mit Urushi-Lack beschichtete Möbel, von Yanagi selbst entworfene hölzerne Vitrinen, Shoji-Papierfenster und Tapeten aus der Faser der Kudzu-Pflanze namens „Kuzufu" harmonieren alle in einer Darbietung natürlicher Materialien und schaffen eine Atmosphäre von beeindruckender Balance.

Das Museum ist erheblich dunkler als ein typischer Kunstort – eine bewusste Entscheidung Yanagis, der fragte: „Wie können wir die Exponate so schön wie möglich erscheinen lassen?" Selbst das Licht, das durch die Shoji-Schirme sickert, ist kalkuliert. Die Absicht besteht darin, das Prinzip aufrechtzuerhalten, dass „Räume Schönheit auf natürliche Weise verstärken sollen".

Die Vitrine unter der Treppe enthielt eine Auswahl japanischer und koreanischer Lackarbeiten, sorgfältig kuratiert für die laufende Sonderausstellung „Die Schönheit von Urushi – Lackarbeiten aus Japan und der Koreanischen Halbinsel".

Eine Schachtel mit japanischem „Raden" (Perlmutteinlage), bei der Muster mit Muschelfragmenten gezeichnet werden, fiel unter den ausgestellten Lackarbeiten ins Auge. Raden, von dem angenommen wird, dass es aus dem antiken Mesopotamien und den Yin- und Zhou-Dynastien Chinas stammt, besitzt eine einzigartige Ästhetik. Die Handwerkskunst dieser Schachteln ist nicht außergewöhnlich kompliziert oder akribisch vollendet. Stattdessen wird das Material – die Muschel – in seinem natürlichen Zustand belassen, wodurch ein Erscheinungsbild entsteht, das sofort seinen organischen Ursprung offenbart. Die bewusste Entscheidung, Raden-Arbeiten auszustellen, die die natürliche Textur der Muschel betonen, vermittelte Soetsu Yanagis ästhetische Sensibilität in Mingei, der Volkskunstbewegung.

Darüber hinaus gibt es hier eine Reihe von Objekten, die in der modernen Zeit außer Gebrauch geraten sind. Im Vordergrund des Fotos ist beispielsweise ein „Tobiguchi" zu sehen, ein altes Werkzeug, das bei der Brandbekämpfung zum Haken von Holz verwendet wurde. Zudem spielte Lack damals eine immens praktische Rolle, wie andere Gegenstände wie Lineale, Schreibwaren, Kissen und Wasserflaschen zeigen. Viele dieser Objekte wurden in der Moderne durch alternative Materialien wie Plastik ersetzt.

Wie im kintsugi-Blog besprochen, kann Lack schichtweise zur Restaurierung aufgetragen werden, wodurch diese Gegenstände repariert und ihre Nutzung verlängert werden kann. Sie sind sogar biologisch abbaubar und kehren bei der Entsorgung zur Erde zurück. Die Ausstellung spricht von einer Zeit, in der umweltfreundliche Materialien im Alltag breit genutzt wurden.

An diesem Punkt fiel mir ein besonderer Aspekt des Museums auf. Die Beschreibungen waren minimal und gaben höchstens den Namen des Objekts, das Land und die Epoche an, oder bei ausländischen Artefakten die ethnische Gruppe oder Kultur, die es verwendete. Stücke, die beispielsweise nur mit „Koreanische Ära" bezeichnet waren, konnten etwa 500 Jahre umfassen, ohne Angabe, wann oder wo genau sie entstanden.

Auf diese Frage gaben Soetsus eigene Schriften die Antwort. „Die Schönheit der Dinge muss vor allem auf Intuition beruhen" (Soetsu Yanagi, „Mingei to wa Nanika", Kodansha, 2006, S. 103). Er wollte das Objekt direkt betrachten und die „Schönheit" oder den Wert finden, der ihm innewohnt – ohne Titel, Geschichten und alles andere. Und das Museum wurde geschaffen, um den Besuchern dies zu ermöglichen.

Voller Vorfreude begebe ich mich zum Ausstellungsraum mit bemalten Tellern, auf den ich mich persönlich gefreut hatte. Obwohl es Motive gibt, die auch heute noch zu sehen sind, wie Blumen und Gittermuster, ist die Farbgebung insgesamt gedämpft, und die meisten Stücke strahlen einen rustikalen Charme aus.

Obwohl es Blumenmotive gibt, sind sie weniger prunkvoll wie Pflaumen- oder Kirschblüten, sondern eher wie Wildblumen, die oft in der Gegend wachsen. Viele der hier ausgestellten Keramikstücke aus verschiedenen Regionen scheinen perfekt zu den rustikalen Essgewohnheiten der Zeit zu passen, in der sie entstanden.

Früher bestanden ländliche Mahlzeiten hauptsächlich aus Gerstenreis, Miso-Suppe, eingelegtem Gemüse und geschmorten Gerichten, wobei gesalzener Lachs und getrockneter Fisch seltene Genüsse in einem selbstversorgenden Lebensstil waren. Natürlich aßen Menschen in städtischen Gebieten wie Tokio auch westliche Speisen, aber diese schlichten bemalten Designs wirken ideal für das Servieren traditioneller ländlicher Mahlzeiten. Mit anderen Worten: Diese Motive von „wildem Gras" und gedämpften „Landschaften" lassen die Güte der Zutaten zur Geltung kommen und passen gut zu Mahlzeiten mit saisonalem Gemüse aus den Regionen.

Das heißt jedoch nicht, dass es hier keine lebhaften Designs gab. Besonders auf dekorativen Objekten wie Ziertellern und Vasen, die einen stärkeren ästhetischen Zweck tragen, wurden farbenfroheren und aufwendigeren Malereien angebracht. Besonders eindrucksvoll waren die mit Gold reparierten Vasen; wir fühlten uns angezogen, innezuhalten und die schöne Kombination aus Blumenmotiven und Gold zu bewundern. Es gibt etwas einzigartig Eindrucksvolles an Objekten, die durch den kintsugi-Reparaturprozess noch schöner wiedergeboren wurden. Vielleicht ist es das Gefühl von Geschichte, sorgfältig bewahrt und weitergegeben, das wir von ihnen empfangen.

Unter den kintsugi-Objekten stach eines besonders hervor. Es war ein runder Teller, aber innerhalb der reparierten Abschnitte änderte sich ein Teil des Musters. Es war sehr faszinierend. Einige von uns spekulierten, dass vielleicht ein zerbrochenes Teil eines anderen Tellers zur Reparatur verwendet wurde. Obwohl das ursprüngliche Muster des Tellers eher gewöhnlich war, verlieh ihm kintsugi einen einzigartigen Charme und machte ihn zu einem herausragenden Stück im gesamten Museum.

Das Ritual meiner Auslandsreisen beinhaltet die obligatorische Pilgerfahrt zu einem Museum. Manchmal ist es eine flüchtige Ausstellung, die mich anzieht, und manchmal ist es die ewige Sammlung von Meisterwerken und Skulpturen. Interessanterweise prägen diese kulturellen Ausflüge oft meinen Eindruck von der Stadt selbst. An Tagen, an denen ich von einem Museum oder einer Galerie in den Bann gezogen werde, verschwimmen die unangenehmen Nuancen des Tages – die beißende Kälte, der unaufhörliche Regen, das abrasive Dröhnen der Autohupen oder das enttäuschende kulinarische Angebot der Speisekarte – in Bedeutungslosigkeit. An ihre Stelle tritt eine tiefsitzende Zufriedenheit, getragen von den nachhallenden Echos einer großartigen Ausstellung, die eine angenehme Atmosphäre über meine Heimreise und auch danach legt. Diese subtile Freude, erlebt inmitten fesselnder Räume und faszinierender Exponate, ist eine einzigartige, unersetzliche Genugtuung. Während Ihre Reise durch den japanischen Archipel führt, hoffe ich, dass auch Sie auf diese kulturellen Schätze stoßen – die Galerien und Museen. Mögen sie Ihre Neugier einfangen, Ihre Herzen und Gedanken bewegen und einen dauerhaften Platz in Ihrer Liste der Favoriten finden.