Home Sweet Museum: Ein Besuch im Japan Folk Crafts Museum (Nihon Mingeikan)

Für viele Reisende, die aus der Ferne nach Japan kommen, steht das Japanische Volkskunstmuseum (Nihon Mingeikan) vielleicht nicht sofort ganz oben auf der Liste der Kunstmuseen. Es fehlt ihm die Größe der landesweit bekannten Museen in Ueno; dieses kulturelle Juwel liegt unauffällig in einem ruhigen Wohngebiet und sein Reiz ist Kennern vorbehalten. Nichtsdestotrotz hat unser Team von Musubi Kiln Ich fühlte mich von dieser stillen Institution aufgrund ihrer einzigartigen Ausstellung angezogen: eine Vielfalt an Alltagsgegenständen, von Keramik und Geschirr über Textilien, Gemälde und gefärbte Stoffe bis hin zu Bambus- und Papierarbeiten. Diese Artefakte, die aus ganz Japan und darüber hinaus stammen und unabhängig von ihrer Epoche sind, stellen für uns, die wir uns mit der Herstellung von Geschirr beschäftigen, eine wahre Schatzkammer dar.

Normalerweise ist das Fotografieren im Museum nicht gestattet, doch dieses Mal erhielten wir eine Sondergenehmigung für Innenaufnahmen. Die hier gezeigten Fotos dürfen weder reproduziert noch veröffentlicht werden.

Ein gemütlicher Spaziergang rund um den Bahnhof Komaba-Todaimae an der privaten Bahnstrecke offenbart eine Weite ruhiger Wohnviertel, die Universität Tokio und den üppigen Komaba-Park. Wer sich für Geschichte oder Architektur interessiert, wird vielleicht von einem nahegelegenen ehemaligen Adelshaus im westlichen Stil aus den 1920er Jahren neugierig gemacht. Es ist ein bereichernder Abstecher für Kulturinteressierte.

Nur wenige Gehminuten vom Bahnhof entfernt erhebt sich plötzlich das „Japan Folk Crafts Museum“ (Nihon Mingeikan), ein markantes Gebäude, das den würdevollen Charakter einzigartigen japanischen Designs ausstrahlt. Das Museum ist die Idee von Soetsu Yanagi, dem Pionier der Folk Crafts-Bewegung, die die „Schönheit in Alltagsgegenständen“ pries. Das 1936 von Yanagi und einer Gruppe gleichgesinnter Mitarbeiter gegründete Museum sollte der Welt die Eleganz des Volkshandwerks näherbringen. Yanagi selbst war maßgeblich an der Gestaltung des Gebäudes beteiligt, was sich in der sorgfältigen Kuratierung der Exponate widerspiegelt.

Schon beim Betreten des Gebäudes ist man von seiner robusten Erscheinung beeindruckt, die japanische Ästhetik harmonisch mit einer gewissen Würde verbindet. Für die Außen- und Bodenbeläge wurde Oya-Stein aus der Nähe von Utsunomiya, Tochigi, verwendet. In Soetsu gilt er als „der japanischste Stein“, ein „Holz ähnlicher Stein“. Oya-Stein eignet sich dank seiner hohen Feuerbeständigkeit und Feuchtigkeitsbeständigkeit hervorragend für Lager- und Ausstellungsräume. Die einfache Bearbeitung des Oya-Steins ermöglichte die Umsetzung beliebiger Designs und führte zum Bau dieses typisch japanischen Bauwerks.

Beim Betreten des Museums durch die tief bernsteinfarbenen Holzschiebetüren erhält man Überschuhe. Früher war es üblich, die Schuhe ganz auszuziehen, doch das Vorhandensein eines „Genkan“ (Eingangsbereichs) ist in einem Museum eher ungewöhnlich.

*Aktuell wird anstelle von Überschuhen wieder die Methode angewendet, die Schuhe auszuziehen und auf Hausschuhe umzusteigen, wie es vor der COVID-19-Pandemie üblich war.

Dies entspringt Yanagi Soetsus Wunsch, dem Museum eine behagliche Atmosphäre zu verleihen, die eher an ein Zuhause als an eine Institution erinnert. Man fühlt sich weniger wie in einem Museum, sondern eher wie bei einem Besuch im Haus von Freunden und Familie.

Die Raumkomposition, deren Zentrum ein offenes Treppenhaus bildet, ist ein Stilmerkmal, das häufig in alten Häusern westlicher Bauart anzutreffen ist. Sie spiegelt die Verschmelzung architektonischer Schönheit wider, die Soetsu, der mit westlichen Kulturen bestens vertraut war, durch seine Begegnungen mit europäischen Architekturstilen sammelte und anschließend nahtlos mit japanischer Ästhetik verband.

Im Inneren des Museums wird die Ruhe durch Holzbalken und Putz unterstrichen, während die raue Textur und die kühle Haptik des Oya-Steinbodens perfekt dazu passen. Mit Urushi-Lack beschichtete Möbel, von Yanagi selbst entworfene Holzvitrinen, Shoji-Fliegengitter und Tapeten aus der Kudzu-Faser „Kuzufu“ harmonieren in einer Ausstellung natürlicher Materialien und schaffen eine Atmosphäre atemberaubender Ausgewogenheit.

Das Museum ist deutlich dunkler als ein typischer Kunstort – eine bewusste Entscheidung von Yanagi, der sich fragte: „Wie können wir die Exponate so schön wie möglich erscheinen lassen?“ Sogar das Licht, das durch die Shoji-Schirme eindringt, ist kalkuliert. Ziel ist es, dem Grundsatz gerecht zu werden, dass „Räume die Schönheit auf natürliche Weise hervorheben sollten“.

In der Vitrine unter der Treppe befand sich eine Auswahl japanischer und koreanischer Lackarbeiten, die sorgfältig für die laufende Sonderausstellung „Die Schönheit der Urushi-Lackwaren aus Japan und der koreanischen Halbinsel“ zusammengestellt worden waren.

Unter den ausgestellten Lackarbeiten fiel eine Schachtel mit japanischem „Raden“ (Muscheleinlage) auf, in die mit Muschelfragmenten Muster eingearbeitet sind. Raden, das vermutlich aus dem alten Mesopotamien und den chinesischen Yin- und Zhou-Dynastien stammt, besticht durch seine einzigartige Ästhetik. Die Verarbeitung dieser Schachteln ist weder außergewöhnlich aufwendig noch sorgfältig. Stattdessen wird das Material – die Muschel – in seinem natürlichen Zustand belassen, wodurch ein Erscheinungsbild entsteht, das seinen organischen Ursprung sofort verrät. Die bewusste Entscheidung, Raden-Arbeiten auszustellen, die die natürliche Textur der Muschel betonen, verdeutlicht Soetsu Yanagis ästhetisches Gespür für die Volkskunstbewegung Mingei.

Darüber hinaus gibt es hier eine Reihe von Artefakten, die in der Neuzeit außer Gebrauch gekommen sind. Beispielsweise ist im Vordergrund des Fotos ein sogenannter „Tobiguchi“ zu sehen, ein altes Werkzeug, das zum Anheben von Holz beim Feuerlöschen und ähnlichen Arbeiten verwendet wurde. Auch Lack spielte damals eine äußerst praktische Rolle, wie man an anderen Gegenständen wie Linealen, Schreibwaren, Kissen und Wasserflaschen erkennen kann. Viele dieser Objekte wurden in der Neuzeit durch alternative Materialien wie Plastik ersetzt.

Wie im Folgenden erörtert Kintsugi-Blog Lack kann zur Restaurierung in mehreren Schichten aufgetragen werden, wodurch die Reparatur und die Nutzungsdauer dieser Gegenstände verlängert werden können. Er ist sogar biologisch abbaubar und kehrt nach der Entsorgung in den natürlichen Kreislauf zurück. Die Ausstellung erinnert an eine Zeit, in der umweltfreundliche Materialien im Alltag weit verbreitet waren.

An dieser Stelle fiel mir ein bestimmter Aspekt im Museum auf. Die Beschreibungen waren sehr spärlich und nannten höchstens den Namen des Objekts, das Land und die Epoche, oder, falls es sich um ein ausländisches Artefakt handelte, die ethnische Gruppe oder Kultur, die es benutzt hatte. So konnten beispielsweise Stücke, die lediglich als „koreanische Ära“ gekennzeichnet waren, einen Zeitraum von rund 500 Jahren umfassen, ohne dass genau angegeben wurde, wann oder wo sie hergestellt wurden.

Die Antwort auf diese Frage lieferten Soetsus eigene Schriften. „Die Schönheit der Dinge muss vor allem auf Intuition beruhen“ (Soetsu Yanagi, „Mingei to wa Nanika“, Kodansha, 2006, S. 103). Sein Ziel war es, das Objekt direkt zu betrachten und die ihm innewohnende „Schönheit“ oder den Wert ohne Titel, Geschichten oder Ähnliches zu erfassen. Und das Museum wurde geschaffen, um den Besuchern genau dies zu ermöglichen.

Voller Vorfreude gehe ich in den Ausstellungsraum mit den bemalten Tellern, auf den ich mich schon sehr gefreut hatte. Obwohl man hier noch immer Motive wie Blumen und Gittermuster sieht, ist die Farbgebung insgesamt gedeckt, und die meisten Stücke verströmen einen rustikalen Charme.

Obwohl Blumenmotive zu sehen sind, wirken diese weniger üppig wie Pflaumen- oder Kirschblüten, sondern ähneln eher den in der Gegend häufig wachsenden Wildblumen. Viele der hier ausgestellten Keramikstücke aus verschiedenen Regionen scheinen die rustikalen Essgewohnheiten ihrer Entstehungszeit perfekt zu ergänzen.

Früher bestanden die Mahlzeiten auf dem Land hauptsächlich aus Gerstenreis, Misosuppe, eingelegtem Gemüse und Schmorgerichten. Gesalzener Lachs und Trockenfisch waren seltene Leckereien in einem autarken Lebensstil. Natürlich aßen auch die Menschen in Städten wie Tokio westliche Gerichte, doch diese schlichten, bemalten Motive eignen sich ideal zum Servieren traditioneller ländlicher Speisen. Die Motive von Wildgras und dezenten Landschaften bringen die Qualität der Zutaten optimal zur Geltung und passen hervorragend zu Gerichten mit saisonalem Gemüse aus der jeweiligen Region.

Das heißt jedoch nicht, dass es hier keine lebendigen Designs gab. Besonders dekorative Gegenstände wie Teller und Vasen, die einen stärkeren ästhetischen Zweck erfüllen, wurden farbenfroher und kunstvoller bemalt. Besonders auffällig waren die mit Gold reparierten Vasen; wir blieben stehen und bewunderten die wunderschöne Kombination aus Blumenmotiven und Gold. Gegenstände, die durch das Kintsugi-Goldreparaturverfahren noch schöner wiedergeboren wurden, haben eine einzigartige Wirkung. Vielleicht ist es das Gefühl von Geschichte, das wir in ihnen spüren, sorgfältig bewahrt und weitergegeben.

Unter den Kintsugi-Objekten stach eines besonders hervor. Es war ein runder Teller, dessen Muster sich in den reparierten Bereichen teilweise verändert hatte. Das war sehr faszinierend. Einige von uns spekulierten, dass vielleicht ein abgebrochenes Stück eines anderen Tellers zur Reparatur verwendet wurde. Obwohl das ursprüngliche Muster des Tellers eher gewöhnlich war, verlieh das Kintsugi-Muster ihm einen einzigartigen Charme und machte ihn zu einem herausragenden Stück im gesamten Museum.

Das Ritual meiner Auslandsreisen beinhaltet die obligatorische Pilgerfahrt in ein Museum. Manchmal ist es eine flüchtige Ausstellung, die mich fesselt, manchmal die ewige Sammlung von Meisterwerken und Skulpturen. Interessanterweise prägen diese kulturellen Ausflüge oft meinen Eindruck von der Stadt selbst. An Tagen, an denen ich von einem Museum oder einer Kunstgalerie völlig in ihren Bann gezogen werde, verblassen die unangenehmen Nuancen des Tages – die beißende Kälte, der unaufhörliche Regen, das schrille Hupen der Autos oder das enttäuschende kulinarische Angebot – zur Bedeutungslosigkeit. An ihre Stelle tritt eine tiefe Zufriedenheit, getragen von den Nachwirkungen einer großartigen Ausstellung, die meine Heimreise und sogar noch danach mit einer wunderbaren Atmosphäre erfüllt. Diese subtile Freude, erlebt inmitten fesselnder Räume und faszinierender Exponate, ist eine einzigartige, unersetzliche Bereicherung.

Ich hoffe, dass auch Sie auf Ihrer Reise durch den japanischen Archipel auf diese kulturellen Schätze stoßen – die Kunstgalerien und Museen. Mögen sie Ihre Neugier wecken, Ihr Herz und Ihren Verstand berühren und einen dauerhaften Platz auf Ihrer Favoritenliste finden.