Home Sweet Museum: Ein Besuch im Japan Folk Crafts Museum (Nihon Mingeikan)

Für viele Reisende, die von weit her nach Japan kommen, steht das Japanische Volkskunstmuseum (Nihon Mingeikan) vielleicht nicht ganz oben auf der Liste der Kunstmuseen. Dieses kulturelle Juwel, das nicht an die Größe der landesweit bekannten Museen in Ueno heranreicht, liegt diskret in einem ruhigen Wohnviertel und ist nur für Eingeweihte zugänglich. Dennoch hat unser Team von Musubi Kiln Ich fühlte mich von dieser ruhigen Institution aufgrund ihrer einzigartigen Ausstellung angezogen: eine Reihe von Alltagshandwerksgegenständen von Keramik und Tafelgeschirr bis hin zu Textilien, Gemälden, gefärbten Stoffen, Bambus und Papierhandwerk. Diese Artefakte, die aus ganz Japan und darüber hinaus, unabhängig von ihrer Epoche, zusammengetragen wurden, stellen für uns, die wir uns mit der Tafelgeschirr-Kunst beschäftigen, eine wahre Schatztruhe dar.

Normalerweise ist das Fotografieren im Museum nicht gestattet, doch dieses Mal erhielten wir eine Sondergenehmigung für Innenaufnahmen. Die hier gezeigten Fotos dürfen weder reproduziert noch veröffentlicht werden.

Ein gemütlicher Spaziergang rund um den Bahnhof Komaba-Todaimae an der privaten Bahnstrecke offenbart eine Weite ruhiger Wohnviertel, die Universität Tokio und den üppigen Komaba-Park. Wer sich für Geschichte oder Architektur interessiert, wird vielleicht von einem nahegelegenen ehemaligen Adelshaus im westlichen Stil aus den 1920er Jahren neugierig gemacht. Es ist ein bereichernder Abstecher für Kulturinteressierte.

Nur wenige Gehminuten vom Bahnhof entfernt erhebt sich plötzlich das „Japan Folk Crafts Museum“ (Nihon Mingeikan), ein markantes Gebäude, das den würdevollen Charakter einzigartigen japanischen Designs ausstrahlt. Das Museum ist die Idee von Soetsu Yanagi, dem Pionier der Folk Crafts-Bewegung, die die „Schönheit in Alltagsgegenständen“ pries. Das 1936 von Yanagi und einer Gruppe gleichgesinnter Mitarbeiter gegründete Museum sollte der Welt die Eleganz des Volkshandwerks näherbringen. Yanagi selbst war maßgeblich an der Gestaltung des Gebäudes beteiligt, was sich in der sorgfältigen Kuratierung der Exponate widerspiegelt.

Schon beim Betreten des Gebäudes ist man von seiner robusten Erscheinung beeindruckt, die japanische Ästhetik harmonisch mit einer gewissen Würde verbindet. Für die Außen- und Bodenbeläge wurde Oya-Stein aus der Nähe von Utsunomiya, Tochigi, verwendet. In Soetsu gilt er als „der japanischste Stein“, ein „Holz ähnlicher Stein“. Oya-Stein eignet sich dank seiner hohen Feuerbeständigkeit und Feuchtigkeitsbeständigkeit hervorragend für Lager- und Ausstellungsräume. Die einfache Bearbeitung des Oya-Steins ermöglichte die Umsetzung beliebiger Designs und führte zum Bau dieses typisch japanischen Bauwerks.

Beim Betreten des Museums durch die tief bernsteinfarbenen Holzschiebetüren werden Ihnen Schuhüberzieher zum Anziehen gereicht. Während es früher üblich war, die Schuhe komplett auszuziehen, ist die Existenz eines „Genkan“ (Eingangsbereichs) in einem Museum eher ungewöhnlich.

*Anstatt Überschuhe bereitzustellen, ist man derzeit wieder zur Methode zurückgekehrt, die Schuhe auszuziehen und auf Hausschuhe umzusteigen, wie es vor der COVID-19-Pandemie üblich war.

Dies entspringt Yanagi Soetsus Wunsch, dem Museum eine Wärme zu verleihen, die eher an ein Zuhause als an eine Institution erinnert. Es vermittelt weniger das Gefühl, ein Museum zu betreten, sondern eher das Gefühl, jemandes Zuhause zu besuchen.

Die Raumkomposition, die sich um einen offenen Treppenraum dreht, ist ein Stil, der häufig in alten Häusern im westlichen Stil zu finden ist. Sie spiegelt die Verschmelzung architektonischer Schönheit wider, die Soetsu, der sich mit westlichen Kulturen gut auskannte, aus seinen Begegnungen mit europäischen Architekturstilen sammelte und dann nahtlos mit japanischer Ästhetik verschmolz.

Im Inneren des Museums wird die Ruhe durch Holzbalken und Putz unterstrichen, während die raue Textur und die kühle Haptik des Oya-Steinbodens perfekt dazu passen. Mit Urushi-Lack beschichtete Möbel, von Yanagi selbst entworfene Holzvitrinen, Shoji-Fliegengitter und Tapeten aus der Kudzu-Faser „Kuzufu“ harmonieren in einer Ausstellung natürlicher Materialien und schaffen eine Atmosphäre atemberaubender Ausgewogenheit.

Das Museum ist deutlich dunkler als ein typischer Kunstort – eine bewusste Entscheidung von Yanagi, der sich fragte: „Wie können wir die Exponate so schön wie möglich erscheinen lassen?“ Sogar das Licht, das durch die Shoji-Schirme eindringt, ist kalkuliert. Ziel ist es, dem Grundsatz gerecht zu werden, dass „Räume die Schönheit auf natürliche Weise hervorheben sollten“.

In der Vitrine unter der Treppe war eine Auswahl japanischer und koreanischer Lackkunstwerke zu sehen, die sorgfältig für die laufende Sonderausstellung „Die Schönheit von Urushi – Lackwaren aus Japan und der koreanischen Halbinsel“ kuratiert wurden.

Unter den ausgestellten Lackarbeiten fiel eine Schachtel mit japanischem „Raden“ (Muscheleinlage) auf, in die mit Muschelfragmenten Muster eingearbeitet sind. Raden, das vermutlich aus dem alten Mesopotamien und den chinesischen Yin- und Zhou-Dynastien stammt, besticht durch seine einzigartige Ästhetik. Die Verarbeitung dieser Schachteln ist weder außergewöhnlich aufwendig noch sorgfältig. Stattdessen wird das Material – die Muschel – in seinem natürlichen Zustand belassen, wodurch ein Erscheinungsbild entsteht, das seinen organischen Ursprung sofort verrät. Die bewusste Entscheidung, Raden-Arbeiten auszustellen, die die natürliche Textur der Muschel betonen, verdeutlicht Soetsu Yanagis ästhetisches Gespür für die Volkskunstbewegung Mingei.

Darüber hinaus gibt es hier eine Reihe von Artefakten, die heute nicht mehr verwendet werden. Im Vordergrund des Fotos ist beispielsweise ein sogenanntes „Tobiguchi“ zu sehen, ein altes Werkzeug, das zum Einhaken von Holz bei der Brandbekämpfung und ähnlichen Tätigkeiten verwendet wurde. Darüber hinaus spielte Lack damals eine äußerst praktische Rolle, wie andere Gegenstände wie Lineale, Schreibwaren, Kissen und Wasserflaschen zeigen. Viele dieser Objekte wurden heute durch alternative Materialien wie Kunststoff ersetzt.

Wie in der Kintsugi-Blog Lack kann zur Restaurierung aufgetragen werden, wodurch die Gegenstände repariert und ihre Lebensdauer verlängert werden kann. Sie sind sogar biologisch abbaubar und kehren nach der Entsorgung zur Erde zurück. Die Ausstellung erzählt von einer Zeit, in der umweltfreundliche Materialien im Alltag weit verbreitet waren.

An diesem Punkt fiel mir ein besonderer Aspekt des Museums auf. Die Beschreibungen waren spärlich und enthielten höchstens den Namen des Gegenstands, das Land und die Epoche oder, falls es sich um ein ausländisches Artefakt handelte, den Namen der ethnischen Gruppe oder Kultur, die es verwendete. Stücke, die beispielsweise nur als „koreanische Ära“ bezeichnet wurden, konnten rund 500 Jahre alt sein, ohne dass es Hinweise darauf gab, wann genau oder wo sie hergestellt wurden.

Die Antwort auf diese Frage lieferten Soetsus eigene Schriften. „Die Schönheit der Dinge beruht vor allem auf Intuition“ (Soetsu Yanagi, „Mingei to wa Nanika“, Kodansha, 2006, S. 103). Sein Ziel war es, die Objekte direkt zu betrachten und ihre innewohnende „Schönheit“ oder ihren Wert zu entdecken, ohne Titel, Geschichten und alles andere. Und das Museum wurde geschaffen, um den Besuchern dies zu ermöglichen.

Aufgeregt gehe ich in den Ausstellungsraum mit den bemalten Tellern, auf den ich mich persönlich schon sehr gefreut hatte. Zwar sind auch heute noch Motive wie Blumen und Gittermuster zu sehen, doch die Farbgebung ist insgesamt gedämpft, die meisten Stücke versprühen einen rustikalen Charme.

Obwohl es Blumenmotive gibt, sind diese weniger auffällig wie Pflaumen- oder Kirschblüten, sondern erinnern eher an Wildblumen, die in der Gegend häufig wachsen. Viele der hier ausgestellten Töpferwaren aus verschiedenen Regionen scheinen perfekt zu den rustikalen Essgewohnheiten der Zeit zu passen, als sie hergestellt wurden.

Früher bestanden ländliche Mahlzeiten hauptsächlich aus Gerstenreis, Misosuppe, Pickles und Schmorgerichten, während gesalzener Lachs und getrockneter Fisch im autarken Lebensstil nur selten gegessen wurden. Natürlich aßen auch Menschen in städtischen Gebieten wie Tokio westliche Speisen, aber diese schlichten Malereien eignen sich ideal für traditionelle ländliche Gerichte. Mit anderen Worten: Diese Motive mit „Wildgras“ und dezenten „Landschaften“ bringen die Vorzüge der Zutaten zur Geltung und passen gut zu Gerichten mit saisonalem Gemüse in der jeweiligen Region.

Das heißt jedoch nicht, dass es hier keine lebendigen Designs gab. Besonders dekorative Gegenstände wie Teller und Vasen, die einen stärkeren ästhetischen Zweck erfüllen, wurden farbenfroher und kunstvoller bemalt. Besonders auffällig waren die mit Gold reparierten Vasen; wir blieben stehen und bewunderten die wunderschöne Kombination aus Blumenmotiven und Gold. Gegenstände, die durch das Kintsugi-Goldreparaturverfahren noch schöner wiedergeboren wurden, haben eine einzigartige Wirkung. Vielleicht ist es das Gefühl von Geschichte, das wir in ihnen spüren, sorgfältig bewahrt und weitergegeben.

Unter den Kintsugi-Objekten stach eines besonders hervor. Es war ein runder Teller, dessen Muster sich in den reparierten Bereichen teilweise verändert hatte. Das war sehr faszinierend. Einige von uns spekulierten, dass vielleicht ein abgebrochenes Stück eines anderen Tellers zur Reparatur verwendet wurde. Obwohl das ursprüngliche Muster des Tellers eher gewöhnlich war, verlieh das Kintsugi-Muster ihm einen einzigartigen Charme und machte ihn zu einem herausragenden Stück im gesamten Museum.

Zum Ritual meiner Auslandsreisen gehört der obligatorische Museumsbesuch. Mal ist es eine flüchtige Ausstellung, die mich in ihren Bann zieht, mal die ewige Sammlung von Meisterwerken und Skulpturen. Interessanterweise prägen diese kulturellen Ausflüge oft meinen Eindruck von der Stadt selbst. An Tagen, an denen ich von einem Museum oder einer Kunstgalerie fasziniert bin, verschwimmen die unangenehmen Nuancen des Tages – die beißende Kälte, der unaufhörliche Regen, das kratzende Hupen der Autos oder das enttäuschende kulinarische Angebot der Speisekarte – zur Bedeutungslosigkeit. Stattdessen stellt sich eine tiefe Zufriedenheit ein, getragen vom Nachhall einer großartigen Ausstellung, die meine Heimreise und auch danach in eine entzückende Atmosphäre taucht. Diese subtile Freude, die ich inmitten fesselnder Räume und faszinierender Exponate erlebe, ist eine einzigartige, unersetzliche Genugtuung.

Ich hoffe, dass auch Sie auf Ihrer Reise durch den japanischen Archipel auf diese kulturellen Schätze stoßen – die Kunstgalerien und Museen. Mögen sie Ihre Neugier wecken, Ihr Herz und Ihren Verstand berühren und einen dauerhaften Platz auf Ihrer Favoritenliste finden.