Descubriendo la única artesanía Imari tras las puertas del museo

Muchas piezas de cerámica japonesa se conservan como obras de arte en museos, y entre ellas, las piezas conocidas como "Ko-Imari" son particularmente apreciadas.

El "ko" en Ko-Imari significa "antiguo" en japonés, y se refiere a la cerámica Imari producida durante el período Edo (1603 d.C. – 1867 d.C.). En el extranjero, a veces se le llama "Old Imari".

La región que dio origen a la cerámica Imari es lo que hoy se conoce como las prefecturas de Saga y Nagasaki. Incluso hoy, en estas áreas, se continúan produciendo cerámicas inspiradas en los diseños de Ko-Imari, cautivando sin cesar a las personas. En este artículo, busco explorar su atractivo.

Para ver Ko-Imari como obras de arte en persona, visité una exposición especial en el Museo de Arte Matsuoka titulada "Cerámica del Período Edo: Exposición Ko-Imari". El museo se encuentra a unos siete minutos a pie de la estación Shirokanedai en el distrito de Minato, Tokio. Está en una zona tranquila rodeada de un entorno frondoso, con un parque llamado "Instituto para el Estudio de la Naturaleza" visible al fondo. Este museo de propiedad privada se construyó en este entorno verde.

El lugar fue originalmente la residencia del primer director y fundador del museo, Seijiro Matsuoka. Desde joven tuvo amor por la caligrafía, la pintura y las antigüedades, y pasó aproximadamente medio siglo construyendo una extensa colección. Al acercarse a los 80 años, comenzó a pensar: "Las obras de arte excepcionales deben hacerse públicas para que tantas personas como sea posible que aman el arte puedan disfrutarlas. Los objetos de valor académico deben servir como materiales de investigación para expertos y estudiosos en formación en el campo. Solo entonces mis años de coleccionismo tendrán un significado real". Con esta mentalidad, decidió establecer el museo. Todas las obras de arte exhibidas aquí fueron coleccionadas por Matsuoka durante su vida, y solo las cerámicas representan aproximadamente un tercio de la colección completa.

En esta exposición especial, se exhibieron 49 piezas, representando cuatro estilos de cerámica Imari del período Edo. Estos comenzaron con el estilo Kakiemon, seguido por el estilo Kinrande, el estilo ko-Kutani y el estilo Nabeshima. Ahora, vayamos a conocer las preciadas piezas Ko-Imari que solo pueden verse aquí.

Al entrar a la sala de exposición, le recibe una variedad de jarrones, utensilios para té y otros objetos, todos acompañados de una explicación del estilo Kakiemon. La elegancia de las piezas, con pinturas rojas sobre porcelana blanca brillante, es particularmente llamativa.

Ko-Imari se exportó activamente al extranjero desde mediados del siglo XVII durante aproximadamente 100 años. El estilo Kakiemon se desarrolló para cumplir con los estrictos estándares de calidad exigidos por la Compañía Holandesa de las Indias Orientales y fue diseñado para adaptarse a los gustos de la nobleza europea. El nombre "Kakiemon" deriva de Sakaida Kakiemon, el Kakiemon de primera generación que desarrolló la técnica de pintura roja.

Los motivos son diseños asimétricos que presentan figuras chinas, aves y flores. En el primer jarrón exhibido, por ejemplo, se retratan personas chinas sosteniendo paraguas. El delicado trabajo artístico realza la porcelana única de color blanco lechoso —conocida como "Nigoshide"— y llena su espacio bellamente, expresando una estética únicamente japonesa.

Una característica distintiva de la cerámica Kakiemon es que los jarrones y botellas se fabrican con placas de arcilla en lugar de tornearlos. Un jarrón hexagonal, similar al de la imagen, también formó parte de la colección de porcelana oriental que María II de Inglaterra reunió en los Países Bajos. Se le llama "Jarrón de Hampton Court" por el palacio donde se encuentra.

Se dice que jarras para vino como la de esta foto se produjeron solo durante un breve período inicial de exportación desde mediados del siglo XVII hasta que el vino comenzó a embotellarse en recipientes de vidrio sellados con corchos. Similar a la primera jarra, esta también presenta figuras sosteniendo paraguas.

Después de la exhibición Kakiemon, la siguiente en mostrarse fue el estilo "Kinrande", que significa "brocado de oro". Originalmente, Kinrande se refiere a un tipo de porcelana fabricada en Jingdezhen durante la dinastía Ming de China, con un fondo rojo y oro aplicado. Este estilo captó la atención de los maestros del té japoneses y rápidamente ganó popularidad entre los adinerados en Japón. Aprovechando esta popularidad, la producción de cerámicas en el estilo Kinrande comenzó en Arita, Japón, en la década de 1690, inspirada en la versión china. Estas cerámicas deslumbrantes, lujosamente adornadas con azul bajo cubierta, esmaltes sobre cubierta y oro, se produjeron tanto para mercados nacionales como extranjeros. Con el tiempo, el enfoque de las exportaciones cambió del estilo Kakiemon al estilo Kinrande. Algunas de las cerámicas fabricadas en este estilo se conocieron como "Old Japan" en Europa y se convirtieron en artículos populares.

Al ver las piezas reales, puede notar que la fuerte impresión dorada sugerida por el nombre se ha atenuado con el tiempo. En cambio, el contraste entre los colores rojo y azul marino deja una impresión mucho más fuerte, realzada por diseños audaces que emanan un aura poderosa.

Parece que conjuntos impares de estas jarras grandes y jarrones cilíndricos se exhibían en palacios y residencias nobles de la época. Una fotografía colocada en la parte inferior derecha de la exhibición muestra esta disposición. La gran escala de estas obras es una indicación notable de que son exportaciones.

A primera vista, pensé que era un cuenco para platos cocidos a fuego lento, pero resultó ser una taza y platillo para chocolate caliente. Aprendí que la tapa y el diseño esbelto han sido ingeniosamente elaborados para adaptarse al consumo de chocolate caliente. El propósito inesperado no es inmediatamente obvio, obligándome a detenerme y observar más de cerca mientras se explica.

La cerámica Kutani, actualmente producida en la prefectura de Ishikawa, hereda los diseños de lo que se conoce como "Ko-Kutani". Durante mucho tiempo, el origen de la cerámica Kutani fue objeto de debate. Sin embargo, investigaciones recientes sugieren que los platos con el diseño Ko-Kutani fueron en realidad fabricados en la región de Hizen. Instituciones públicas como el Museo Nacional de Tokio utilizan el término "estilo Ko-Kutani de Imari", y el Museo de Arte Matsuoka también exhibe piezas con este entendimiento. Se dice que el estilo Ko-Kutani es la primera porcelana esmaltada sobre cubierta que circuló en el mercado doméstico.

La paleta de colores de azul (verde), amarillo, rojo, púrpura y azul oscuro es en general bastante sobria. La riqueza de sus ideas de diseño y la maestría de su composición continúan cautivando a quienes la contemplan incluso hoy.

Un espléndido cuenco con verdes y amarillos vibrantes se exhibía en una vitrina. Este contraste de colores, el patrón geométrico tradicional y la composición audaz tienen un impacto similar al ukiyoe y una apariencia algo moderna.

La porcelana de estilo Nabeshima, a menudo denominada "la cúspide de la pintura sobre cubierta", se producía en hornos supervisados directamente por el dominio Nabeshima de Saga. Creadas sin considerar la rentabilidad, estas cerámicas eran tan exclusivas que se destinaban únicamente como ofrendas al shogun, como obsequios a diversos señores feudales y nobles de la corte, y para el uso personal del señor del dominio. Las piezas pintadas sobre cubierta también se conocen como "Iro-Nabeshima (Nabeshima de Color)", y presentan una paleta de cuatro colores que consiste en azul bajo cubierta, y rojo, verde y amarillo sobre cubierta. Pintadas elegantemente con flora y fauna, paisajes, patrones similares a gemas y motivos geométricos, a menudo se consideran obras maestras del arte decorativo.

Todas las piezas exhibidas aquí tienen formas similares, lo que facilita discernir las diferencias de estilo. Comparten elementos comunes como un patrón de peine en el pie y tenues líneas de azul bajo cubierta. A pesar de la vibrante pintura sobre cubierta, el azul bajo cubierta sirve como base para la decoración, otorgando a las piezas una presencia refrescante y digna.

La cerámica Nabeshima posee un nivel extraordinario de elegancia y exuberancia, irradiando una presencia digna propia de vajilla apreciada por señores feudales. El hecho de que se reunieran maestros artesanos de la época para crear estas piezas habla por sí mismo. Se puede discernir los niveles incomparables de habilidad técnica e ingenio artístico que se invirtieron en su creación.

Mi día en el Museo de Arte Matsuoka fue una experiencia enriquecedora que me permitió adentrarme profundamente en el mundo del Ko-Imari, una faceta preciada del arte japonés. Entre una variedad de cerámicas intrincadas, me encontré cautivada, como si hubiera tropezado con una respuesta matizada a la pregunta de por qué el Ko-Imari mantiene un atractivo tan duradero para tantos. El puro impacto sensorial de estas piezas—inalcanzable solo a través de fotografías o descripciones literarias—fue verdaderamente revelador. La autenticidad de sus dimensiones, la vivacidad de sus colores, la elegancia de sus diseños, la meticulosa artesanía y su presencia impactante cuando se exhiben, todo cobra vida cuando se contempla en persona. Sentí un palpable sentido de continuidad, un linaje vivo de estos principios artísticos que se proyecta hacia el arte cerámico contemporáneo. Si surge la oportunidad, recomiendo de todo corazón una visita para sumergirse en las obras maestras del Ko-Imari que solo pueden apreciarse plenamente dentro de las reverentes salas de un museo de arte. Allí, podrá experimentar íntimamente tanto la belleza cautivadora como la rica historia de estas obras notables.