Von Hand geformt, von der Natur bewegt: Yamaura Saori

In dem Moment, als wir Yamaura Saoris Haus betraten, schien die Zeit langsamer zu werden. Gleich hinter dem Eingang stand ein hölzerner tsuitate -Paravent vor einem Korridor aus poliertem Holz. Nahe seinem Anfang öffnete sich ein Gästezimmer in stiller Schlichtheit mit Tatami am Boden, einem niedrigen Tisch in der Mitte und sechs zabuton -Kissen, die in der anmutigen Weise angeordnet waren, wie sie einst in Tatami-Räumen üblich war.

Auf dem Tisch ruhen ihre Keramiken auf einem schlichten Tablett. Jedes Stück spiegelt ihre tiefe Verbundenheit mit lebenden Wesen und den sich ständig wandelnden Stimmungen der Natur wider, mit einem Hauch von Verspieltheit. Yamaura spricht mit Leichtigkeit, ihre Worte sanft, ohne Eile.

Während sich das Gespräch entfaltet, entfaltet sich auch die Geschichte einer Künstlerin, die nicht nur Ton formt, sondern eine ganz eigene Art zu sein.

Yamauras Arbeiten sind oft vertraute Gefäße wie Teeschalen, Sake-Becher und kleine Vasen. Doch jedes Stück scheint etwas jenseits der Funktion zu bergen: eine Bewegung, eine Pause, einen Wechsel des Lichts. Glasuren fließen sanft über handgeformte Oberflächen in einer Weise, die an Wellen erinnert.

Ihre Formen entfalten sich natürlich, geformt durch Gefühl und Instinkt – Ränder bleiben leicht uneben und fein, ein Körper, der sich mit Leichtigkeit öffnet. Die Oberfläche jedes Stücks trägt die Erinnerung an ihre Berührung. Die Farben offenbaren Schichtung und Tiefe, sorgfältig überlegt und doch kühn ausdrucksstark.

Inspiration kommt oft leise, im Alltag. „Wenn ich mit meiner Tochter im Park bin, bemerke ich vielleicht Herbstblätter oder etwas am Wegrand", sagt sie. „Manchmal fällt mir etwas auf, und ich notiere es als Idee für ein neues Motiv." Für sie sind es subtile Beobachtungen wie das Wetter und Veränderungen in ihrer Umgebung, die ihre Hände leiten. „Ich liebe die Natur wirklich", fügt sie hinzu.

Ihre Motive mögen eine Blume, eine Welle oder etwas ganz anderes andeuten. Doch Yamaura erklärt: „Ich möchte Raum für die Vorstellungskraft und Interpretation des Betrachters lassen." Diese Offenheit ist Teil der Anziehungskraft ihrer Arbeit.

Yamauras Weg zur Keramik ist alles andere als konventionell. Aufgewachsen in der Präfektur Nagano, studierte sie zunächst Veterinärmedizin, angezogen von der Fürsorge für lebende Wesen. Nach ihrem Abschluss, während sie in diesem Bereich arbeitete, besuchte sie zufällig einen Töpferkurs. Doch sie fand sich dabei wieder, einfach den Anweisungen des Lehrers zu folgen, und etwas daran fühlte sich nicht ganz richtig an. „Ich habe einfach gemacht, was mir gesagt wurde. Und ich hatte das Gefühl, dass das nicht ganz die Erfahrung war, auf die ich gehofft hatte", erinnert sie sich.

Eine Reise nach Kanazawa mit einer Freundin, um Kutani-Ware zu sehen, hinterließ einen bleibenden Eindruck. Fasziniert von ihren lebendigen Farben und ihrer unverwechselbaren Schönheit, fühlte sie sich zum Medium hingezogen. Schließlich verließ sie die Welt der Tierpflege und schrieb sich am Ishikawa Prefectural Kutani Ware Technical Training Institute ein, wo sie sich zwei Jahre lang sowohl in die Traditionen als auch in die Möglichkeiten der Kutani-Ware vertiefte.

Während das Programm klassische Techniken wie Aufglasurmalerei, Pinselführung und detaillierte Verzierungen lehrte, einschließlich kinsai, ermutigte es auch zur Erkundung. Die Dozenten gaben den Studierenden die Freiheit, offen zu experimentieren. Für Yamaura war es ein ideales Umfeld: eines, das technisches Können ehrte und gleichzeitig Individualität förderte.

Nach einer Assistenzzeit im Atelier der zeitgenössischen Kutani-Künstlerin Muta Yoca zog Yamaura in die Präfektur Toyama. Heute arbeitet sie in ihrem Heimatelier. Ihre Tage folgen keiner strengen Routine – sie werden vom Moment geformt und oft von der Rückkehr ihrer kleinen Tochter aus dem Kindergarten.

Etwa die Hälfte von Yamauras Stücken ist handgeformt. Sie genießt das Gefühl von Ton in ihren Händen. Diese Methode erlaubt es ihr, der Kurve einer Idee zu folgen und auf subtile Veränderungen der Pigmente nach dem Brand zu reagieren.

Ihre charakteristische Technik der weichen, fließenden weißen Glasur entstand tatsächlich durch Zufall. „Vor etwa zwei oder drei Jahren", erinnert sie sich. „Ich stellte einen Sake-Becher her, und nach dem Brand öffnete ich den Ofen und fand einen langen Riss darin. Ich dachte, nun, ich brenne ihn einfach noch einmal bei höherer Temperatur, in der Hoffnung, dass sich der Riss schließt. Und dann hatte die weiße Glasur ein Tropfenmuster erzeugt. So begann alles."

Doch diese charakteristischen Tropfen zu erreichen, erfordert mehr als nur Schichtung; es kommt auch auf Hitze und Timing an. „Es geht nicht wirklich darum, die Temperatur zu erhöhen", erklärt sie. „Die Glasur wird dick genug, um zu fließen, sobald die Spitzentemperatur gehalten wird." Die Haltezeit, bekannt als nerashi, ist ein entscheidender Schritt. „Je länger Sie die Spitzentemperatur halten, desto mehr schmilzt und fließt die Glasur."

Trotz ihrer sorgfältigen Planung sind Brände immer ein wenig unvorhersehbar. „Es dauert insgesamt etwa vier Brände", sagt sie mit leisem Lachen. „Und ehrlich gesagt, kann alles passieren."

Während Yamaura auch an größeren Stücken wie Blumenvasen arbeitet, spricht sie davon, ihre Erkundung der weichen weißen Tropfen vertiefen zu wollen, mehr Schichten hinzuzufügen, neue Formen auszuprobieren. Es ist ein Prozess, der Versuch und Irrtum beinhaltet, eine Art zartes Vordringen an den Rand.

Jedes Stück fängt einen in Bewegung suspendierten Moment ein: die weiße Glasur, die fließt, kurz bevor sie fällt, geschichtet über wa-enogu, das durchscheinende Pigment, das zentral für Kutani-Ware ist. Yamaura schafft mit ruhiger Konzentration und lässt Intuition ihr Tempo und ihren Prozess leiten. Und mit jedem Werk formt sie weiterhin eine Welt, die ganz ihre eigene ist.