Von Hand geformt, von der Natur bewegt: Yamaura Saori

In dem Moment, als wir Yamaura Saoris Haus betraten, schien die Zeit stillzustehen. Gleich hinter dem Eingang befand sich ein hölzernes tsuitate Vor einem Korridor aus poliertem Holz stand ein Paravent. Gleich am Anfang öffnete sich ein Gästezimmer in schlichter Ruhe mit Tatami-Matten, einem niedrigen Tisch in der Mitte und sechs Zabuton Kissen, die in der einst in Tatami-Zimmern üblichen, eleganten Weise angeordnet sind.

Auf dem Tisch ruhen ihre Keramiken auf einem schlichten Tablett. Jedes Stück spiegelt ihre tiefe Verbundenheit mit Lebewesen und den wechselnden Stimmungen der Natur wider, mit einem Hauch von Verspieltheit. Yamaura spricht mit Leichtigkeit, ihre Worte sind sanft und bedächtig.

Im Verlauf des Gesprächs entfaltet sich auch die Geschichte einer Künstlerin, die nicht nur Ton formt, sondern auch eine ganz eigene Art zu sein.

Yamauras Werke sind oft vertraute Gefäße wie Teeschalen, Sakebecher und kleine Vasen. Doch jedes Stück scheint mehr als nur Funktion zu bergen: Bewegung, einen Moment der Stille, eine Veränderung des Lichts. Die Glasuren fließen sanft über die handgeformten Oberflächen und erinnern dabei an Wellen.

Ihre Formen entfalten sich auf natürliche Weise, geformt aus Gefühl und Instinkt – die Ränder sind leicht unregelmäßig und fein, der Korpus öffnet sich mühelos. Die Oberfläche jedes einzelnen Stücks trägt die Erinnerung an ihre Berührung. Die Farben offenbaren Schichtung und Tiefe, sorgfältig durchdacht und doch kühn ausdrucksstark.

Inspiration kommt oft ganz leise, im Alltag. „Wenn ich mit meiner Tochter im Park bin, entdecke ich vielleicht Herbstblätter oder etwas anderes am Wegesrand“, sagt sie. „Manchmal sehe ich etwas und notiere es mir als Idee für ein neues Motiv.“ Für sie sind es subtile Beobachtungen wie das Wetter und Veränderungen in ihrer Umgebung, die ihre Hand führen. „Ich liebe die Natur wirklich sehr“, fügt sie hinzu.

Ihre Motive erinnern an eine Blume, eine Welle oder etwas ganz anderes. Doch Yamaura erklärt: „Ich möchte der Fantasie und Interpretation des Betrachters Raum lassen.“ Diese Offenheit macht einen Teil des Reizes ihrer Arbeit aus.

Yamauras Weg zur Keramik ist alles andere als gewöhnlich. Aufgewachsen in der Präfektur Nagano, studierte sie zunächst Veterinärmedizin, da sie sich der Pflege von Lebewesen verbunden fühlte. Nach ihrem Abschluss besuchte sie während ihrer Arbeit in diesem Bereich zufällig einen Töpferkurs. Doch sie merkte, dass sie lediglich den Anweisungen des Lehrers folgte, und irgendetwas daran fühlte sich nicht richtig an. „Ich habe einfach das gemacht, was mir gesagt wurde. Und ich hatte das Gefühl, dass das nicht die Erfahrung war, die ich mir erhofft hatte“, erinnert sie sich.

Ein Ausflug mit einer Freundin nach Kanazawa, um Kutani-Keramik zu sehen, hinterließ einen bleibenden Eindruck. Fasziniert von den leuchtenden Farben und der unverwechselbaren Schönheit, fühlte sie sich zu diesem Medium hingezogen. Schließlich gab sie ihre Tätigkeit in der Tierpflege auf und schrieb sich am Technischen Ausbildungsinstitut für Kutani-Keramik der Präfektur Ishikawa ein, wo sie zwei Jahre lang in die Traditionen und Möglichkeiten dieser Kunstform eintauchte.

Das Programm lehrte zwar klassische Techniken wie Aufglasurmalerei, Pinselstriche und detaillierte Verzierungen, aber auch KinsaiEs förderte auch die Entdeckerfreude. Die Dozenten gaben den Studierenden die Freiheit, offen zu experimentieren. Für Yamaura war es ein ideales Umfeld: eines, das technisches Können wertschätzte und gleichzeitig Individualität förderte.

Nach ihrer Assistenzzeit im Atelier der zeitgenössischen Kutani-Künstlerin Muta Yoca zog Yamaura in die Präfektur Toyama. Heute arbeitet sie in ihrem Heimatelier. Ihr Tagesablauf folgt keiner festen Routine – er wird vom Augenblick bestimmt, oft auch von der Rückkehr ihrer kleinen Tochter aus dem Kindergarten.

Etwa die Hälfte von Yamauras Werken ist handgeformt. Sie genießt das Gefühl von Ton in ihren Händen. Diese Methode erlaubt es ihr, dem Verlauf einer Idee zu folgen und auf die subtilen Veränderungen der Pigmente nach dem Brennen einzugehen.

Ihre charakteristische Technik der weichen, fließenden weißen Glasur entstand eigentlich durch Zufall. „Vor etwa zwei oder drei Jahren“, erinnert sie sich, „stellte ich einen Sakebecher her, und nach dem Brennen öffnete ich den Ofen und entdeckte einen langen Riss. Ich dachte, gut, ich brenne ihn einfach noch einmal bei höherer Temperatur, in der Hoffnung, dass sich der Riss schließt. Und dann hatte die weiße Glasur ein tropfenförmiges Muster gebildet. So fing alles an.“

Doch für die charakteristischen Tropfeneffekte braucht es mehr als nur Schichten; Hitze und Timing spielen ebenfalls eine Rolle. „Es geht nicht wirklich darum, die Temperatur zu erhöhen“, erklärt sie. „Die Glasur wird dick genug, um zu fließen, sobald die maximale Temperatur erreicht ist.“ Die Haltezeit, bekannt als Nerashiist ein entscheidender Schritt. „Je länger man die Höchsttemperatur hält, desto mehr schmilzt und fließt die Glasur.“

Trotz ihrer akribischen Planung sind Entlassungen immer etwas unberechenbar. „Es braucht insgesamt etwa vier Entlassungen“, sagt sie und lacht leise. „Und ehrlich gesagt, kann alles passieren.“

Yamaura arbeitet zwar auch an größeren Stücken wie Blumenvasen, doch sie spricht davon, ihre Auseinandersetzung mit den sanften weißen Farbtropfen zu vertiefen, weitere Schichten hinzuzufügen und neue Formen auszuprobieren. Es ist ein Prozess des Ausprobierens und Lernens, ein behutsames Herantasten an die Grenzen.

Jedes Stück fängt einen Moment in Bewegung ein: die weiße Glasur, die kurz vor dem Verfließen über Wa-Enogu fließt, dem für Kutani-Keramik so typischen, durchscheinenden Pigment. Yamaura arbeitet mit ruhiger Konzentration und lässt sich von ihrer Intuition leiten. Mit jedem Werk formt sie aufs Neue eine ganz eigene Welt.