Un clasicista de Sometsuke: Yamamoto Choza

En el ámbito de la cerámica japonesa, la técnica decorativa llamada sometsuke—derivada de la palabra japonesa someru, que significa "teñir"—se celebra por sus evocadores tonos índigo. Esta técnica consiste en pintar óxido de cobalto bajo cubierta, conocido como "gosu" en Japón, directamente sobre el cuerpo cerámico pre-esmaltado. Sin un recubrimiento vítreo inicial, el gosu penetra el bizcocho, sellado posteriormente con un esmalte transparente que se transforma en un azul profundo y rico al cocerse. La translucidez inherente de la porcelana armoniza con el cobalto vívido, creando un equilibrio entre luz y color.

Entre los maestros de este oficio refinado, Yamamoto Choza se destaca como figura eminente en la cerámica ai-Kutani contemporánea, conocida por sus tonos azules intensos. Como pintor de Myousen Toubou, su trabajo habla con profundidad y riqueza expresiva, empleando únicamente un tono de azul. Desde 1990, Myousen Toubou ha recibido el encargo de producir piezas para el Emperador y la Emperatriz, así como para reuniones imperiales. Su trabajo conecta el legado de técnicas antiguas con la elegancia del diseño contemporáneo.

La incursión de Yamamoto Choza en el arte sometsuke fue moldeada por una familia inmersa en la apreciación de antigüedades. Creció en un hogar donde se valoraba el arte histórico, forjando una conexión innata con estas formas desde muy joven.

"Mi padre tenía un negocio de carpintería, que eventualmente cerró. Amaba las antigüedades y las coleccionaba. Desde mi infancia, participé en el manejo de rollos, aprendí sobre el envoltorio de cajas y el atado de nudos. Habiendo estado rodeado de diversos objetos desde niño, mis dedos los recuerdan."

Yamamoto se formó bajo varios maestros durante sus veinte años antes de decidir dedicarse al arte sometsuke. Observó que Kutani ware era celebrada predominantemente por sus decoraciones vibrantes y multicolores, como las pinturas hanazume de flores y los adornos kinsai de oro, y vio la oportunidad de redefinir su narrativa. Este estilo, antes considerado meramente un adorno auxiliar, permitió que su habilidad excepcional en el trabajo de líneas delicadas floreciera.

"Si lo piensas, en otras regiones como Arita ware o Seto ware, sometsuke también es muy popular. Estar rodeado de Kutani ware da la impresión de que solo importa la cerámica colorida, pero no es cierto. Así que decidí establecerme con sometsuke Kutani ware."

Yamamoto explica además que una tensión medida es esencial para su proceso creativo. Esta concentración permea su taller y se evidencia en su expresión enfocada mientras trabaja, fomentando un estado mental refinado que le permite alcanzar su ideal de belleza azul y blanca.

"La tensión es importante, ¿verdad? El nivel adecuado. Si hay demasiada todo el tiempo, las cosas se romperán. Es lo mismo con el trabajo, las relaciones y los productos," señala Yamamoto.

Su atención meticulosa tanto a la composición de colores como a la química sutil de los tintes se evidencia en su uso frecuente de pinceles delicados, a menudo reemplazados en solo un par de días, para capturar el tono y la profundidad perfectos.

"Solo dibujo símbolos auspiciosos. Eso es lo que todos quieren. Porque todos se vuelven felices con ellos. Nadie quiere comprar algo que los haga infelices. La porcelana es obviamente frágil, así que eso es un defecto inherente. Si no hay algo que compense ese defecto, la gente no estará satisfecha y no comprará patrones que parezcan traer desgracia."

Comprometido con elevar símbolos auspiciosos, Yamamoto infunde su trabajo con motivos que evocan felicidad y bienestar, atributos muy valorados por quienes aprecian la porcelana fina. Cree que la fragilidad de la porcelana requiere una belleza compensatoria; sin ella, incluso la pieza más intrincadamente elaborada puede no traer alegría. Sus diseños, ricos en símbolos tradicionales como flores y tesoros, testimonian su dedicación tanto al arte como a la virtud de la porcelana sometsuke.

A pesar de los desafíos involucrados en elaborar piezas más delgadas y finamente detalladas en comparación con sus contrapartes producidas en masa, Yamamoto sostiene que la belleza y la dedicación sincera incorporadas en su trabajo superan ampliamente cualquier limitación práctica.

"Tener el propio espacio lleno de ellas, creo que esa es la máxima felicidad. Creo que las antigüedades son así, al menos para quienes pueden permitírselas. Y para quienes no pueden, al menos buscan cosas que les recuerden a las antigüedades, que compartan fragmentos de su atractivo."

La forma y el diseño del trabajo de Yamamoto reflejan tanto su enfoque filosófico como su meticulosa artesanía. Inmerso desde joven en un entorno lleno de antigüedades, desarrolló una sensibilidad profunda hacia lo que hace que un diseño sea atemporal—algo que puede perdurar como arte patrimonial.

Cree que rodearse de tales objetos ofrece la forma más elevada de realización personal, ya sean antigüedades verdaderas o piezas que reflejan su belleza perdurable. Su trabajo encarna esta filosofía: una mezcla armoniosa de perspectiva histórica y técnica refinada moldeada por años de estudio de formas antiguas.

Además de inspirarse en la historia, Yamamoto investiga continuamente las tendencias contemporáneas consultando revistas japonesas de estilo de vida, y visitando grandes almacenes y exposiciones. Cree que observar los patrones cambiantes en las secciones de comedor y mobiliario ofrece perspectivas invaluables sobre las preferencias cambiantes de los consumidores—una dinámica que finalmente informa su visión artística.

"En la música clásica, se proporciona una partitura, pero la interpretación puede variar con cada director. Me considero más un director", reflexiona Yamamoto. Desde su perspectiva, cada pieza que crea es similar a una composición musical, interpretada de manera única a través de su combinación personal de tradición e innovación. Su extraordinaria capacidad para entrelazar motivos históricos con una sensibilidad filosófica y contemporánea lo distingue en el ámbito de la artesanía sometsuke. A través de su trabajo, Yamamoto Choza no solo cautiva e inspira, sino que también forja un puente elegante entre el pasado y el presente.