Guía de la exposición de arte: “Escenas con maceteros”

El equipo de Musubi visitó recientemente el Sen-oku Hakukokan Museum Tokyo para explorar en profundidad Scenes with Flower Containers, una nueva exposición que celebra el arte y la historia de los jarrones japoneses. En MUSUBI KILN presentamos una amplia gama de estos jarrones, y nos intrigó especialmente el enfoque de esta muestra en comprender sus orígenes a través de la ceremonia del té.

Al trazar el recorrido de los contenedores florales desde sus raíces chinas hasta la era japonesa moderna—cuando surgieron recipientes de cerámica y bambú, refinados por una estética distintivamente japonesa—esta exposición ilumina cómo estas piezas se volvieron centrales en la cultura del té y la vida cotidiana en Japón. 

Le invitamos a acompañarnos en la exploración de la evolución de los contenedores florales japoneses, su papel fundamental en la ceremonia del té y el ikebana, y las obras maestras cautivadoras
que dan vida a esta rica narrativa.

Exposición Exposición (25 de enero de 2025–16 de marzo de 2025): Scenes with Flower Containers

Esta exposición presenta contenedores florales cuidadosamente seleccionados de la Colección Sumitomo, junto con pinturas que representan estos elegantes recipientes. Además, exhibe piezas generosamente donadas por el estimado maestro de ikebana, OGO Rimei.

Al acercarnos a la sala de exposición, encontramos un panel informativo sobre los orígenes de los contenedores florales japoneses. A continuación, un extracto del texto:

Según el panel, los contenedores florales en Japón fueron originalmente influenciados por el budismo, introducido desde China. Formaban parte de los sangusoku, un trío de objetos utilizados para adornar estatuas y altares budistas. Durante el período Heian (794–1185 d.C.), las flores dispuestas en estos recipientes ya aparecían en pinturas budistas.

Durante la dinastía Song en China, los antiguos recipientes de bronce fueron reevaluados, lo que llevó a la producción de cerámicas modeladas a partir de ellos. Estos recipientes se utilizaron entonces para arreglos florales, práctica que se introdujo en Japón. Desde el período Muromachi (1336–1573 d.C.) en adelante, estas cerámicas importadas, conocidas como karamono (objetos chinos), fueron muy apreciadas. Esta era también marcó el florecimiento de la cultura japonesa del té. A medida que los maestros del té y eruditos, inspirados por la cultura literaria china, desarrollaron un profundo interés en los contenedores florales, se crearon y admiraron muchos tipos de jarrones.

Las cerámicas japonesas han sido influenciadas durante mucho tiempo por China y Corea, y los contenedores florales no fueron la excepción. Al mismo tiempo, el papel significativo de los contenedores florales en la ceremonia del té nos hizo sentir curiosidad sobre qué tipos de contenedores se produjeron en Japón. Ansiosos por aprender más, entramos a la sala de exposición.

La exposición se dividió en cuatro secciones temáticas. La primera sala que visitamos presentaba "Contenedores florales pintados", mostrando obras de arte que representaban jarrones de flores. La mayoría de las pinturas fueron creadas durante el período Edo (1603–1868 d.C.) y posteriormente, pero los objetos retratados variaban en contexto histórico. Estas son algunas de las piezas más destacadas:

Esta pintura de colores vívidos captó inmediatamente nuestra atención e incluso apareció en el folleto de la exposición como uno de los puntos destacados. La pintura de peonías en la que se basa esta obra se conserva en el templo Chion-in en Kioto y se cree que es de la dinastía Yuan (1271–1368 d.C.) en China. Las peonías en la pintura están dispuestas en lo que parece ser una palangana de metal. Si se pudiera lograr un color azul tan brillante en un jarrón real, sin duda sería impresionante.

Esta pintura retrata al poeta de las Seis Dinastías Tao Yuanming, conocido por su amor a los crisantemos. Se encuentra ante un jarrón con asas en forma de anillo, perdido en contemplación, evocando un momento tranquilo y dichoso.

Sugawara no Michizane, un noble del período Heian, fue injustamente exiliado. Durante su tiempo, el Festival del Crisantemo (Choyo no Sekku) ya se celebraba, y se dice que los crisantemos se disponían en jarrones dorados en la corte imperial. En esta pintura, los crisantemos se colocan en un cubo de madera bajo un cielo donde la luna aparece difuminada, transmitiendo una profunda sensación de melancolía.

La siguiente sección se dedicó a "Contenedores florales en la ceremonia del té". El Sen-oku Hakukokan Museum Tokyo alberga una colección de arte reunida por la familia Sumitomo desde el período Edo hasta el período Taisho (1912–1926 d.C.), con un enfoque significativo en objetos relacionados con la ceremonia del té. Muchos de estos utensilios habían sido utilizados en reuniones históricas de té, formando el núcleo de la colección. La exhibición se organizó de manera que recreaba la atmósfera de una sala de té tradicional, con piezas colocadas sobre tatami y pergaminos colgantes adornando las paredes.

Esta sección presentó una notable selección de karamono (importaciones chinas) junto con jarrones de Bizen ware y artesanía en bambú de diversas regiones de Japón. Cada pieza emanaba una presencia digna y un aura tranquila.

El elegante esmalte verde, el diseño decorativo y la forma curva se combinaron para crear una obra de belleza refinada. Este jarrón celadón fue elaborado en Longquan Kiln en China, un sitio reconocido por producir cerámica celadón de alta calidad. El loto, una flor sagrada en el budismo que simboliza la pureza, se representaba frecuentemente en el arte religioso. Se cree que este jarrón fue utilizado en ceremonias budistas.

Con su esmaltado dinámico, forma ondulante y marcas de cincel entrecruzadas, esta pieza encarna la estética audaz de Takatori ware. Una marca atribuida a Furuta Oribe, destacado maestro de té, está inscrita en la parte inferior. Durante las reuniones de té, este jarrón se utilizaba para sostener camelias y flores del árbol bodhi, lo que nos hace preguntarnos cómo contrastaban con la forma única de la vasija.

Este contenedor de flores, caracterizado por su forma redondeada, se llama tokkuride barco. Se asemeja a una botella tradicional de sake diseñada con una base ancha para estabilidad en un barco. El cuerpo muestra lo que parece ser un patrón goma (sésamo), que recuerda a semillas de sésamo. Esta pieza encarna el legado perdurable de la artesanía de Bizen ware.

Atribuido a Sen Sōtan, nieto del renombrado maestro de té Sen no Rikyū, este contenedor de flores de bambú utiliza bambú goma-take . Goma-take recibe su nombre por las manchas similares al sésamo que aparecen a medida que el bambú envejece. Colgado en una pared, acentúa la belleza natural de las flores que sostiene.

A continuación, visitamos la sala de exposición con vasijas de flores de cobre donadas por el maestro de ikebana, OGO Rimei. Si bien MUSUBI KILN también ofrece vasijas de cobre, la variedad en color, forma y patrón aquí fue abrumadora. Veamos algunas piezas particularmente llamativas.

Esta pieza destaca por su intrincado diseño calado, que combina armoniosamente motivos japoneses tradicionales de hojas de paulownia, crisantemos y patrones arabescos.

Este jarrón captura la imagen majestuosa de un dragón elevándose entre nubes. En la cultura china, el dragón simboliza al emperador, y en Japón, influenciado por China y el budismo, los dragones llegaron a ser venerados. Visto como auspicioso por su asociación con el ascenso del agua al cielo, el dragón se representa con ojos dorados mientras el oro y la plata adornan las nubes, realzando su atractivo tridimensional y dinámico.

En MUSUBI KILN, ofrecemos artículos con dragones representados en esmalte negro. La combinación del negro y el motivo del dragón seguramente inspirará una gama de emociones en el espectador, desde asombro hasta admiración.

La forma suave de este jarrón y la representación del océano fluyente desafían su composición metálica, ofreciendo una apariencia delicada. El acabado pálido de cardenillo evoca una vista de chorlitos volando a través de la niebla matutina. Los motivos tradicionales de chorlito también se ven en la vajilla de MUSUBI KILN, sorprendiendo consistentemente a los espectadores con su estética atemporal.

La exposición final presenta vasijas de flores de la era Meiji (1868-1912 d.C.) en adelante. Durante este tiempo, se introdujeron en Japón jarrones de estilo occidental, lo que llevó a creaciones diversas. Estas vasijas conservan elementos tradicionales del período Edo pero adoptan una mezcla de diseños japoneses y occidentales, a menudo con estéticas vibrantes. Aunque el espacio de exposición era modesto, el vestíbulo de entrada del museo muestra más de estas vasijas modernas.

El artista, Kanzan Denshichi (1871-1890 d.C.), fue una figura prominente en el mundo de la cerámica de Kioto durante la era Meiji temprana. Era reconocido por su uso exitoso de pinturas occidentales en esmaltes, lo que llevó a que recibiera encargos de la Casa Imperial. Posteriormente, se dedicó a la producción de vajilla de estilo occidental.

Esta pieza utiliza eficazmente tanto la pintura bajo cubierta (donde los diseños se aplican a la superficie sin esmaltar antes de la cocción final) como la pintura sobre cubierta (donde los colores se aplican sobre el esmalte). Con sus vibrantes peonías rojas y blancas como punto focal, rodeadas de una profusión de flores y acentuadas con oro, es una obra de arte verdaderamente magnífica.

Esta exposición permitió al equipo de Musubi apreciar de nuevo la increíble variedad de recipientes florales japoneses, tanto del pasado como del presente. Así como existen infinitas formas de arreglar flores, la diversidad de colores, formas, materiales y funciones que se encuentran en estos recipientes es verdaderamente notable. Esta rica diversidad nos invita a considerar la definición misma de "belleza". Un jarrón puede realzar la elegancia natural de las flores que contiene y, en ocasiones, convertirse en una obra de arte cautivadora por sí mismo. Estos recipientes, que reflejan los gustos de sus respectivas épocas, seguirán formando parte de nuestra vida cotidiana, imbuidos de un arte atemporal.