Kusatsu-Keramik neu entdeckt: Pflanzgefäße inspiriert von Natur und Tradition

Pflanzentöpfe, geschaffen von einem Künstler, der Pflanzen liebt, aus einem uralten Ton vom Ufer des Biwa-Sees: das sind Arbeiten von Yamamoto Kazuma vom Ohmitogei Research Centre. Inspiriert von einer antiken Keramik namens Kusatsu-Ware, die vor 1.400 Jahren aus Ton, Schlick und Schlamm des Biwa-Sees entstand, verwendet Yamamoto dieselben lokalen Materialien, um Kusatsu-Ware für die heutige Zeit neu zu denken und die Schönheit des Zeitverlaufs zu feiern.

Kombiniert mit Eigenschaften, die ein gesundes Umfeld für Pflanzen fördern – wie atmungsaktiver Ton und durchdachte Drainage – entsteht eine Serie von Arbeiten, die als eigenständige Kunstwerke bestehen und zugleich das Beste aus den Pflanzen herausholen, die darin wachsen.

Wir haben uns mit Yamamoto zusammengesetzt, um mehr über die antiken Gefäße und natürlichen Motive zu erfahren, die diese einzigartigen Stücke inspiriert haben, und tiefer zu verstehen, wie sie mit Pflanzen zusammenwirken, um lebendige, harmonische Arrangements zu schaffen.

Die Stadt Kusatsu liegt am Südufer des Biwa-Sees, nur etwa 20 km vom Zentrum Kyotos entfernt – heute eine schnelle 20-minütige Zugfahrt.

Im späten siebten Jahrhundert wurde die japanische Hauptstadt kurzzeitig nach Otsu verlegt, ebenfalls am Südufer des Sees, was die Keramik- und Eisenproduktion in der Kusatsu-Region antrieb. Die damals produzierte unglasierte Keramik ist bekannt als sueki oder Sue-Steinzeug: eine frühe Form japanischer Keramik. Obwohl ihre Produktion in der Kusatsu-Region mit der Zeit endete, bleiben antike Ruinen mit Sue-Steinzeug-Scherben erhalten.

Yamamotos Vater, ebenfalls Töpfer, war an Ausgrabungen dieser Ruinen beteiligt, was ihn inspirierte, die antike Kusatsu-Ware neu zu denken – zu schaffen mit demselben Schlamm, Schlick und Ton, der damals verwendet wurde.

„Es ist nicht derselbe Stil wie die ursprüngliche Kusatsu-sueki", stellt der jüngere Yamamoto klar, „sondern vielmehr die Verwendung lokaler Materialien, um neue Dinge für das moderne Leben und die moderne Kultur zu schaffen."

Von diesem Konzept ausgehend tragen die Yamamotos keine Glasur auf, sondern einen Schlamm aus dem Biwa-See, genannt Seta-Schlick. Dieses Material schmilzt bei etwa 1.100°C, deutlich niedriger als die Temperatur von 1.250°C, bei der das Ohmitogei Research Centre Ton brennt. Dadurch schmilzt der Schlamm im Ofen und wird zu einem natürlichen Farbmittel. Das Hinzufügen von Komponenten wie Kalk trennt ihn in Schwarz- und Brauntöne, während das Gießen von verdünntem Schlick über die Oberfläche, das Sprühen von Schlamm mit einem Zerstäuber oder das Einritzen von Mustern Farbtiefe und Textur hinzufügt. Die Oberflächen wirken rustikal, als wären die Töpfe tatsächlich antike Objekte, die aus der Erde ausgegraben wurden.

Yamamoto sagt: „Ich persönlich mag Dinge, die gealtert sind. Es gibt mir das Gefühl, als sei die Zeit, durch die das Objekt gereist ist, in das Gefäß selbst eingraviert." Das scheint passend für Stücke, die von Kusatsu-Keramik aus vierzehn Jahrhunderten inspiriert sind.

Ebenfalls im Dienst besserer Drainage stehen Yamamotos bewusst gestaltete, große Drainagelöcher und Schlitze in den Fußringen seiner Töpfe, die ähnlich wie Rinnen funktionieren und Wasser effektiver abfließen lassen.

Das hat mehrere positive Auswirkungen auf die Pflanzengesundheit: vor allem die Verringerung der Gefahr von Wurzelfäule. Dies ist entscheidend für Pflanzen wie Kakteen und Sukkulenten, die unter nassen Bedingungen leiden und leicht durch Überwässerung geschädigt werden.

Doch Yamamoto merkt an, dass nicht nur trockene Vegetation in diesen Gefäßen gedeihen kann. „Für Dinge wie Bonsai, bei denen man Feuchtigkeit bis zu einem gewissen Grad halten möchte, würde man das durch einen Wechsel zu einer Erde mit besserer Wasserspeicherung handhaben."

Tatsächlich erinnert sich Yamamoto an einen Kunden aus dem Ausland, der sagte, er plane, einen kuromatsu (Schwarzkiefer)-Bonsai in einen seiner Pflanzentöpfe zu setzen. „So wie in Japan begehrte Pflanzen solche aus Südamerika oder trockenen Regionen umfassen, sammeln Menschen im Ausland Töpfe für Dinge wie Bonsai und andere japanische Pflanzen. Mir ist klar geworden, dass es Menschen gibt, die Pflanzentöpfe aus dieser entgegengesetzten Perspektive sammeln."

Ein Teil der Anziehungskraft der Töpferei für Yamamoto ist das, was er „Kommunikation mit anderen durch Ton gewinnen" nennt. Mit dem durchdachten Design und der einzigartigen kreativen Perspektive dieser Töpfe entsteht wirklich das Gefühl, dass sie einen Dialog zwischen Töpfer und Nutzer schaffen, ein Flüstern über Ozeane hinweg von einem Pflanzenfan zum anderen.

Was die Optik betrifft, wäre es nicht ungenau zu sagen, dass diese Pflanzentöpfe zugleich elegant und rustikal sind – zwei Beschreibungen, die oft kontrastiert werden, und doch verbinden sie sich hier mühelos. Wie macht Yamamoto das?

Vielleicht liegt das Geheimnis in der Verwendung natürlicher Materialien und der Kombination von menschengemachten und naturinspirierten Formen. Das Equator-Design beispielsweise umfasst handgeschnitzte Linien, die von Architektur beeinflusst sind, während die Torch-Serie nach ihrem Namensgeber geformt ist. Doch ihre kontrastierenden weißen und schwarzen Farbtöne entstehen durch das Schichten zweier verschiedener Schlammfarben. Ebenso stehen Plumps säulenartige Linien im Kontrast zu einer erdbraunen Oberfläche und einem Rand, der kunstvoll gebrochen ist, um natürlich zu wirken. Yamamoto nutzt diese gebrochenen Ränder auch, um den Zeitverlauf hervorzurufen, was erneut an die jahrhundertealten Wurzeln der Kusatsu-Ware anknüpft.

Andere Arbeiten nehmen direkter die Form von Dingen an, die in der Natur vorkommen. Die Plump-Serie ist einer Blume nachempfunden, der Spanischen Hasenglöckchen, während die Chalaza-Arbeiten von Eiern inspiriert sind. Yamamoto findet in diesen Formen das, was er die „skulpturale Schönheit und Verfeinerung" der Natur nennt, die er in seine Arbeit einfließen lassen möchte.

Selbst innerhalb der Ästhetik zeigt sich Yamamotos Rücksicht auf Pflanzen. „Der Ausgangspunkt ist, dass diese Töpfe Werkzeuge sind, die genutzt werden sollen. Es ergibt keinen Sinn, wenn man nicht darin pflanzen kann." Design verschmilzt mit Funktion. Yamamoto wollte beispielsweise einen zylindrischen Topf schaffen, um beliebte Pflanzen aufzunehmen, deren Wurzeln vertikal wachsen – daraus entstand das lange und schlanke Torch-Design. Ebenso zu den gebrochen wirkenden Rändern: „Wenn man es übertreibt, wird der Sand oder die Erde herausfallen. Deshalb achte ich darauf, die Ränder so zu brechen, dass es natürlich aussieht, während das Design gleichzeitig leicht zu bepflanzen bleibt."

Yamamoto bemerkt, dass sich die Atmosphäre bei künstlerischen Pflanzentöpfen seit der Covid-19-Pandemie verändert hat, als viele Menschen neu an Zimmerpflanzen interessiert wurden – und an den Gefäßen, die sie halten. Inzwischen haben mehr Keramikkünstler begonnen, genau diese Gefäße herzustellen. 

„Bis die Pflanzentopf-Branche wuchs", sagt Yamamoto, „hatte ich den Eindruck, dass viele Menschen in der Keramik dazu neigten, auf die Herstellung von Pflanzentöpfen herabzusehen. Aber das ist wirklich verschwunden. Jetzt werden diese Töpfe wegen ihrer künstlerischen oder sehr aufwendigen Formen gesucht. Ich denke, es war ein interessanter kultureller Wandel seit der Pandemie."

Es ist eine aufregende Erweiterung der Möglichkeiten für die Keramik, die wir in unser tägliches Leben einladen. Nicht nur die, die auf unseren Tischen erscheinen, sondern auch die Gefäße, die das Grün in unseren Häusern halten.