Kusatsu-Keramik neu entdeckt: Pflanzgefäße inspiriert von Natur und Tradition

Pflanzgefäße, gefertigt von einem Künstler, der Pflanzen liebt, aus uraltem Ton vom Ufer des Biwa-Sees: Dies sind Werke von Yamamoto Kazuma. Ohmitogei-ForschungszentrumInspiriert von einer uralten Keramikart namens Kusatsu-Ware, die vor 1400 Jahren aus Ton, Schlamm und Sedimenten des Biwa-Sees hergestellt wurde, verwendet Yamamoto dieselben lokalen Materialien, um die Kusatsu-Ware für die Moderne neu zu interpretieren und die Schönheit des Laufs der Zeit zu feiern.

In Kombination mit Eigenschaften, die ein gesundes Umfeld für Pflanzen fördern, wie atmungsaktiver Ton und eine durchdachte Drainage, ist das Ergebnis eine Reihe von Werken, die als eigenständige Kunstwerke bestehen und gleichzeitig das Beste aus den darin eingetopften Pflanzen herausholen.

Wir haben uns mit Yamamoto zusammengesetzt, um mehr über die antiken Gefäße und Naturmotive zu erfahren, die diese einzigartigen Stücke inspiriert haben, und um tiefer in die Frage einzutauchen, wie sie mit Pflanzen zusammenwirken, um üppige, einheitliche Arrangements zu schaffen.

Die Stadt Kusatsu liegt am Südufer des Biwa-Sees, nur etwa 20 km vom Zentrum Kyotos entfernt – heutzutage eine kurze 20-minütige Zugfahrt.

Im späten 7. Jahrhundert wurde die japanische Hauptstadt kurzzeitig nach Ōtsu, ebenfalls am Südufer des Sees, verlegt, was die Töpfer- und Eisenproduktion in der Region Kusatsu ankurbelte. Die damals hergestellte unglasierte Keramik ist bekannt als Sueki oder Sue-Steinzeug: eine frühe Variante japanischer Keramik. Obwohl die Produktion in der Region Kusatsu im Laufe der Zeit eingestellt wurde, sind noch immer antike Ruinen mit Scherben von Sue-Steinzeug erhalten.

Yamamotos Vater, der ebenfalls Töpfer war, war an Ausgrabungsuntersuchungen dieser Ruinen beteiligt, was ihn dazu inspirierte, die alte Kusatsu-Keramik neu zu interpretieren – und zwar mit dem gleichen Schlamm, Schluff und Ton, der damals verwendet wurde.

„Es ist nicht der gleiche Stil wie beim ursprünglichen Kusatsu Sueki“, stellt der jüngere Yamamoto klar, „sondern vielmehr werden lokale Materialien verwendet, um neue Dinge für das moderne Leben und die moderne Kultur herzustellen.“

Ausgehend von diesem Konzept verzichten die Yamamotos auf Glasur und verwenden stattdessen einen Schlamm aus dem Biwa-See, den sogenannten Seta-Schluff. Dieses Material schmilzt bei etwa 1100 °C, deutlich niedriger als die 1250 °C, die das Ohmitogei-Forschungszentrum zum Brennen von Ton verwendet. Dadurch schmilzt der Schlamm im Brennofen und dient als natürliches Farbmittel. Durch Zugabe von Komponenten wie Kalk entstehen Schwarz- und Brauntöne, während verdünnter Schluff, Besprühen des Schlamms oder das Einritzen von Mustern für mehr Farbtiefe und Struktur sorgen. Die Oberflächen wirken rustikal, als wären die Gefäße tatsächlich uralte Fundstücke aus der Erde.

Yamamoto erklärt: „Ich persönlich mag Dinge, die gealtert sind. Es vermittelt mir das Gefühl, als sei die Zeit, die das Objekt durchlebt hat, in das Gefäß selbst eingraviert.“ Das scheint passend für Stücke, die von der Keramik aus der Kusatsu-Region vor vierzehn Jahrhunderten inspiriert sind.

Ebenfalls der besseren Entwässerung dienen Yamamotos bewusst gestaltete, große Abflusslöcher und Schlitze in den Fußringen seiner Töpfe, die ähnlich wie Dachrinnen funktionieren und das Wasser effektiver abfließen lassen.

Das hat eine Reihe positiver Auswirkungen auf die Pflanzengesundheit: Am wichtigsten ist die Verringerung des Risikos von Wurzelfäule. Dies ist entscheidend für Pflanzen wie Kakteen und Sukkulenten, die unter feuchten Bedingungen leiden und leicht zu viel Wasser bekommen.

Yamamoto merkt jedoch an, dass nicht nur Trockenpflanzen in diesen Gefäßen gedeihen können. „Bei Bonsai beispielsweise, wo man die Feuchtigkeit bis zu einem gewissen Grad erhalten möchte, verwendet man eine Erde mit besserer Wasserspeicherfähigkeit.“

Yamamoto erinnert sich, dass er einen Kunden aus Übersee hatte, der sagte, er plane, einen zu pflanzen Kuromatsu Ein (Schwarzkiefer-)Bonsai in einem seiner Blumentöpfe. „Genauso wie in Japan Pflanzen aus Südamerika oder trockenen Regionen begehrt sind, sammeln Menschen im Ausland Töpfe für Bonsai und andere japanische Pflanzen. Mir ist aufgefallen, dass es auch Menschen gibt, die Blumentöpfe aus genau dem gegenteiligen Blickwinkel sammeln.“

Für Yamamoto liegt ein Teil des Reizes der Töpferei in dem, was er als „Kommunikation mit anderen durch Ton“ bezeichnet. Dank des durchdachten Designs und der einzigartigen kreativen Perspektive dieser Töpfe entsteht tatsächlich das Gefühl, dass ein Dialog zwischen Töpfer und Benutzer entsteht, ein Flüstern über Ozeane hinweg von einem Pflanzenliebhaber zum anderen.

Optisch betrachtet, wirken diese Blumentöpfe elegant und rustikal zugleich – zwei Eigenschaften, die oft im Widerspruch zueinander stehen, hier aber harmonisch miteinander verschmelzen. Wie gelingt Yamamoto das?

Das Geheimnis liegt vielleicht in der Verwendung natürlicher Materialien und der Kombination von künstlichen und von der Natur inspirierten Formen. Das Design „Equator“ beispielsweise zeichnet sich durch handgeschnitzte, von der Architektur beeinflusste Linien aus, während die Serie „Torch“ die Form ihres Namensgebers aufweist. Die kontrastierenden weißen und schwarzen Farbtöne entstehen durch das Übereinanderlegen zweier verschiedenfarbiger Tonschichten. Ebenso kontrastieren die säulenartigen Linien von „Plump“ mit einer erdigen, braunen Oberfläche und einem kunstvoll rissigen Rand, der natürlich wirkt. Yamamoto nutzt diese rissigen Ränder, um den Lauf der Zeit zu symbolisieren und so an die jahrhundertealten Wurzeln der Kusatsu-Keramik anzuknüpfen.

Andere Werke orientieren sich direkter an Formen aus der Natur. Die Serie „Plump“ ist der spanischen Glockenblume nachempfunden, während die „Chalaza“-Arbeiten von Eiern inspiriert sind. Yamamoto entdeckt in diesen Formen die, wie er es nennt, „skulpturale Schönheit und Raffinesse“ der Natur, die er in seine Arbeit einfließen lassen möchte.

Selbst in der Ästhetik zeigt sich Yamamotos Rücksichtnahme auf Pflanzen. „Der Ausgangspunkt ist, dass diese Töpfe Gebrauchsgegenstände sind. Es macht keinen Sinn, wenn man nicht darin pflanzen kann.“ Design und Funktion verschmelzen. So wollte Yamamoto beispielsweise einen zylindrischen Topf für beliebte Pflanzen mit vertikal wachsenden Wurzeln entwerfen, woraus das lange und schlanke Torch-Design entstand. Auch zu den scheinbar gebrochenen Rändern sagt er: „Wenn man es übertreibt, rieselt Sand oder Erde heraus. Deshalb achte ich darauf, die Ränder so zu brechen, dass es natürlich aussieht und gleichzeitig das Bepflanzen erleichtert.“

Yamamoto merkt an, dass sich die Stimmung im Bereich der künstlerischen Blumentöpfe seit der Covid-19-Pandemie verändert hat, als viele Menschen ein neues Interesse an Zimmerpflanzen – und den dazugehörigen Gefäßen – entwickelten. Mittlerweile fertigen immer mehr Keramikkünstler genau diese Gefäße an. 

„Bis die Pflanztopfindustrie florierte“, sagt Yamamoto, „hatte ich den Eindruck, dass viele Keramiker die Herstellung von Pflanztöpfen eher verachteten. Aber das hat sich grundlegend geändert. Heute sind diese Töpfe wegen ihrer kunstvollen oder aufwendigen Formen sehr begehrt. Ich denke, das ist ein interessanter kultureller Wandel seit der Pandemie.“

Es ist eine aufregende Erweiterung der Möglichkeiten für Keramik, die wir in unseren Alltag integrieren. Nicht nur für jene, die auf unseren Tischen stehen, sondern auch für die Gefäße, in denen wir Pflanzen in unseren Wohnungen aufbewahren.