Vergoldete Linien und sich ausdehnende Formen: Das Werk von Ishitomi Shunjiro

Aus der Ferne fällt ein metallischer Schimmer ins Auge. Doch es ist die Feinheit unter der Oberfläche, die einen näher zieht. Viele Arbeiten von Ishitomi Shunjiro entfalten sich in zarten schwarzen Linien, die langsam zu einem Kaleidoskop aus Formen aufgebaut und dann mit Akzenten aus Gold- und Silbertönen überlagert werden.

Sein Porzellan mag nach Glanz und Dekoration aussehen, doch bei näherem Hinsehen zeigt sich etwas Bewussteres. Handgezeichnete Muster breiten sich nach außen aus, geleitet von Rhythmus und Instinkt. Verwurzelt in traditionellen Kutani-Techniken, interpretiert seine Arbeit diese mit klarer Detailgenauigkeit und moderner Zurückhaltung neu und schafft Stücke, die zeitgenössischen Räumen eine kühle, grafische Klarheit verleihen. Es ist Kutani-Ware, gefiltert durch einen Stil, der ganz sein eigener geworden ist.

Wir trafen Ishitomi in seinem Atelier zu Hause in Kanazawa, wo natürliches Licht durch shoji-bedeckte Fenster fiel und einen ruhigen Schein über das ausgestellte Porzellan warf. Seine tokonoma -Nische war gefüllt mit Stücken aus verschiedenen Phasen seiner Laufbahn – Tassen, Teller und Vasen, zufällig platziert.

Auf dem niedrigen Tisch vor uns schimmerte eine Gruppe von Teeschalen mit feinen Details. Ihre Muster entfalteten sich wie Blütenblätter oder Buntglas und spiegelten dieselben Designs und Techniken wider, die sich auf seinen Vasen finden.

Aus der Entfernung wirkte das Design wie aufblühende Blumen. Doch je näher wir hinsahen, desto mehr veränderte es sich – wurde zu etwas, das nicht ganz floral, nicht ganz geometrisch war.

„Die Leute fragen mich oft, was das Bild darstellen soll", sagte Ishitomi und hielt das Stück in der Hand.

„Aber ich sage ihnen immer, sie sollen es auf ihre eigene Weise sehen. Es hängt von der Person ab. Manche sagen Feuerwerk. Manche sagen italienische Fresken. Ich habe sogar gehört, jemand meinte, es sehe aus wie Zellen unter dem Mikroskop. Ich versuche, die Deutung nicht zu lenken."

Auf die Frage nach der Inspirationsquelle für die dicht verwobenen Formen auf seiner Keramik antwortete Ishitomi beiläufig: „Für mich ist es Musik. Wenn ich male, höre ich immer etwas. Mozart, Punkrock, was auch immer gerade läuft. Sie läuft ständig, während ich arbeite." Sein Atelier liegt in einer ruhigen Wohngegend, daher hört er meist über Kopfhörer. „Wenn ich könnte, würde ich sie laut aufdrehen", fügte er grinsend hinzu. „Richtig aufdrehen."

Man könnte annehmen, dass ein bestimmtes Lied ein bestimmtes Bild in seiner Arbeit auslöst. Doch laut Ishitomi ist das nicht der Fall. „Ich zeichne kein Stück, während ich an ein bestimmtes Lied oder Genre denke. Es ist eher so, dass ich beim Arbeiten höre und der Rhythmus seinen Weg in mein Design findet."

Ishitomis Weg zur Keramik war nicht geplant, doch im Rückblick wirkt er unvermeidlich. „Wir hatten Verwandte, die einen Kutani-Ware-Großhandel führten", erinnert er sich. „Bei Neujahrsbesuchen sah ich diese schönen Stücke. Ich glaube, das ist mir im Gedächtnis geblieben."

Nach der Oberschule beschloss er, sein Interesse am Zeichnen zu verfolgen, und schrieb sich am Ishikawa Prefectural Kutani Ware Technical Training Institute ein. Nach dem Abschluss begann er eine Lehre bei Kinzan Kiln, der Werkstatt des Trägers des Titels Wichtiges Immaterielles Kulturgut Yoshita Minori, der für seine Meisterschaft in yuri-kinsai, Unterglasur-Goldblatt, anerkannt ist. Dort lernte Ishitomi nicht nur Technik, sondern nahm auch die Rhythmen und Disziplin der traditionellen Handwerksausbildung auf.

„Es war streng", sagt er. „Damals gab es noch viele ältere Handwerker. Sie machten es einem nicht leicht, aber die Fertigkeiten, die ich lernte, waren unbezahlbar. Diese Art von Erfahrung ist heute selten. Ich glaube, ich habe gerade noch das Ende dieser Ära erlebt."

Nach vielen Jahren bei Kinzan Kiln begann Ishitomi, selbstständig zu arbeiten. „Ich glaube, es sind jetzt etwa vier oder fünf Jahre."

Er arbeitet nun in einem Atelier nahe seinem Zuhause und verbringt seine Tage vertieft in seine Praxis, umgeben von wechselnden Melodien und dem üppigen Grün direkt vor seinem Fenster, wie aus einem Animationsfilm.

Betritt man Ishitomis Atelier, findet man nicht nur fertige Arbeiten am Fenster aufgereiht, sondern Werkzeuge, Papiere und halb bemalte Stücke in stiller Bewegung. Sein Prozess ist keine starre Abfolge, sondern ein kontinuierlicher Rhythmus aus Anpassung und Absicht.

Er beginnt mit chikushi, einem weichen Transparentpapier, um grobe Hilfslinien für die Balance zu markieren. Mit einem Zirkel oder freihändigen Linien skizziert er ein Grundraster mit Bleistift. Von dort aus beginnt er, Muster in jeden Abschnitt zu malen, einen nach dem anderen. Das Layout ist nicht festgelegt. Abschnitte können verschoben, weggeschnitten oder vollständig neu gezeichnet werden, je nachdem, wie sich die Komposition entwickelt.

Das Malen selbst erfolgt mit ultradünnen Pinseln, oft von Hand zugeschnitten. Sein bevorzugtes Pigment ist schwarzes gosu, das notorisch schwer in feinen Linien zu kontrollieren ist. „Im Vergleich zu Rot fließt Schwarz nicht so glatt", erklärt er. „Die Pigmentpartikel sind größer, daher widersteht es der Präzision." Doch für Ishitomi ist dieser Widerstand der Punkt, an dem die Arbeit zu sprechen beginnt.

Nach dem Bemalen wird das Stück gebrannt. Dann wird eine weitere Schicht hinzugefügt, manchmal neue Musterarbeit, matte Texturen, manchmal Gold oder Platin, und das Stück wird erneut gebrannt. „Durch Erfahrung habe ich gelernt zu erkennen, wann eine Schicht korrigiert werden muss, bevor ich weitermache", sagt er. „Gold zum Beispiel erfordert manchmal drei separate Brände." Die Brenntemperaturen variieren je nach Material, mit Gold bei etwa 600 °C und Platin, das etwas niedrigere Hitze benötigt, um seinen Glanz zu bewahren.

Es gibt keine starre Vorlage. Er passt jeden Abschnitt beim Malen an, beobachtet, wie die Linien interagieren und sich die Balance verschiebt. Was entsteht, ist nicht einfach Ornament; es ist Struktur, Bewegung und Textur, von Hand aufgebaut.

Dieser Prozess des Zeichnens, Brennens und Verfeinerns kann sich über Monate erstrecken. Seine Arbeitstage laufen zuweilen von morgens bis weit nach Mitternacht, eine einsame Zeitspanne, geformt von Konzentration und Musik.

Kein Stück gleicht dem anderen, nicht nur durch das Design, sondern weil sich der Prozess selbst entwickelt, während er malt.

Ishitomi sagt, er sei nicht immer von Gold angezogen gewesen.

„Nach über dreißig Jahren Arbeit damit habe ich begonnen, sein Leuchten zu schätzen. Manche mögen es als auffällig empfinden, aber mir gefällt, wie es glänzt. Und ich glaube nicht, dass meine Art, es einzusetzen, jemals übertrieben wirkt", erklärt er.

Heute fühlt er sich näher denn je daran, Arbeiten zu schaffen, die widerspiegeln, wer er ist.

„In letzter Zeit habe ich begonnen zu spüren, dass das, was ich mir vorstelle, und das, was im fertigen Stück entsteht – sie beginnen sich anzugleichen. Es hat Zeit gebraucht, aber es lohnt sich."

Neben seinen charakteristischen schwarzen Gosu-Linien und Golddetails zeigen seine Arbeiten auch eine sanfte lavendel-violette Palette, die einen milderen Eindruck vermittelt, während sie dieselbe Detailgenauigkeit bewahrt.

Ishitomi hat einen Stil gefunden, der sich authentisch anfühlt, einen, der unverkennbar seiner ist. Während sich seine Palette erweitert und seine Muster sich weiterentwickeln, bewegt sich seine Arbeit vorwärts: überlegt, bewusst und ganz seine eigene.