Nakada Hiroshi: Die Natur gestalten Weiß Porzellan

Sobald der Ton die Fingerspitzen des Töpfers berührt, beginnt sich die Masse wie lebendig zu bewegen. Schon bald formen sich geschmeidige Kurven aus dem sich drehenden Ton. Die Handbewegung ist zart und kraftvoll zugleich, geleitet von vollkommener Sicherheit. Als würde er einer im Kopf vorhandenen Vorlage Gestalt verleihen, formt der Töpfer den Ton mit tiefer Konzentration weiter.

„Das Töpfern an der Töpferscheibe ist die Arbeit, die mir am meisten Freude bereitet. Was ich mir im Kopf vorstelle, nimmt durch meine Hände Gestalt an. In diesem gesamten Prozess empfinde ich eine Freude, die schwer zu ersetzen ist.“

Das sagt der Kutani-Keramikkünstler Nakada Hiroshi.

Kutani-Keramik, eine der repräsentativsten Keramiktraditionen Japans, ist bekannt für ihre prachtvolle Aufglasurmalerei mit japanischen Pigmenten in den fünf Farben des Kutani Gosai. Im Gegensatz dazu besticht das Porzellan von Nakada durch sein reines Weiß, gepaart mit reduzierten Formen, die die Wirkung dieses Weiß noch verstärken.

Einige Gefäße verwenden eine Blütenknospe als Motiv und fangen so den flüchtigen Moment kurz vor dem Aufblühen ein. Der Augenblick des Lebens, der kurz vor der Blüte steht, wird festgehalten. In Nakadas Gefäßen, die diesen lebendigen Moment zum Ausdruck bringen, liegt eine poetische Schönheit.

Welcher Weg führte Nakada, der in einer auf Aufglasurmalerei spezialisierten Kutani-Werkstatt aufwuchs, zum Keramikkünstler? Warum wandte er sich nicht der farbigen Dekoration zu, sondern entwickelte seine eigene, unverwechselbare Dekorationsmethode? Shinju Kosai (Perlglanz)? Und welche Gedanken verbergen sich hinter den wunderschönen Silhouetten, die er formt?

Hier stellen wir die Geschichte des Künstlers vor, der einen einzigartigen Ausdruck von Weiß geschaffen hat.

Takando, ein Stadtteil von Komatsu in der Präfektur Ishikawa, ist eines der Produktionszentren der Kutani-Keramik. Hier wurde Nakada Hiroshi in der Nakada Kinen-Brennerei geboren, einer Werkstatt für Aufglasurmalerei mit über hundertjähriger Geschichte. Sein Vater, Nakada Kazuo, wurde 2025 als Träger eines wichtigen immateriellen Kulturguts anerkannt – eine Ehre, die oft als „Lebender Nationalschatz“ bezeichnet wird. Nakada erklärt jedoch, dass es nicht sein Kindheitstraum gewesen sei, Keramikkünstler zu werden.

„Natürlich wusste ich, dass mein Vater seinen Lebensunterhalt mit der Glasmalerei verdiente. Ich selbst hatte aber kein besonders großes Bedürfnis, handwerklich zu arbeiten. Ich besuchte die Kunstgewerbeabteilung der Technischen Oberschule Ishikawa mit dem Ziel, zu studieren, doch das Zeichnen fiel mir besonders schwer. Während meiner Schulzeit war ich kein besonders fleißiger Schüler und habe letztendlich keine der Hochschulaufnahmeprüfungen bestanden.“

Der Wendepunkt kam ein Jahr später, nachdem er sich einige Zeit auf die Wiederholung der Prüfungen vorbereitet hatte, als Nakada sich am Osaka College of Art einschrieb und zum ersten Mal mit Ton in Berührung kam.

„Obwohl meine Familie eine Werkstatt für Aufglasurmalerei betrieb, ist die Herstellung von Kutani-Keramik hochspezialisiert, daher war die direkte Arbeit mit Ton völlig neu für mich. Auf der Töpferscheibe nimmt die Form allmählich Gestalt an, und von dort aus wird das Stück weiter verfeinert. Ich fand den ganzen Prozess einfach wunderbar. Ich erinnere mich noch gut an die Begeisterung, als ich zum ersten Mal Ton berührte. Bis dahin hatte ich nie wirklich ein Ziel verfolgt, daher war es auch eine neue Erfahrung, für etwas gelobt zu werden, das ich selbst geschaffen hatte. Diese Freude bedeutete mir sehr viel.“

Fasziniert von Ton, widmete sich Nakada während seiner dreijährigen Berufsschulzeit und den darauffolgenden zwei Jahren im Keramikstudiengang der Kyoto Seika Universität voll und ganz seinem Studium. Er erklärt, dass er sich damals nicht mit Gebrauchsgegenständen beschäftigte, sondern Skulpturen mit einem stärkeren Fokus auf künstlerischen Ausdruck schuf.

„Mein Mentor an der Berufsschule, Ito Hitoshi, war ursprünglich Mitglied der in Kyoto ansässigen Avantgarde-Keramikgruppe Sodeisha. Meine Professoren an der Universität hatten ebenfalls bei Yagi Kazuo und Suzuki Osamu von Sodeisha studiert, daher fühlte es sich wie eine natürliche Weiterentwicklung an, mich dem avantgardistischen Ausdruck zuzuwenden.“

Während meiner Studienzeit widmete ich mich gemeinsam mit einer Gruppe hochmotivierter Kommilitonen der Anfertigung von Skulpturen. Wir forderten uns ständig gegenseitig heraus, angetrieben von dem Entschluss, nicht zurückzufallen.“

Obwohl Nakada sich intensiv mit avantgardistischer Bildhauerei auseinandergesetzt hatte, entschied er sich mit 27 Jahren für die Kunsthandwerkswelt. Rückblickend erklärt er, dass mehrere Faktoren dieser Entscheidung zugrunde lagen. Er hatte das Gefühl, seine Erkundungen bis zum Äußersten ausgereizt zu haben, und begann zudem, die Richtung der Bildhauerei zu hinterfragen, in der scheinbar nur das Konzept im Vordergrund stand. Doch am stärksten beeinflusste ihn eine einfache Erkenntnis: Er mochte Menschen wirklich.

„Während meines Studiums bereiste ich verschiedene Keramikregionen in ganz Japan. Durch diese Erfahrungen erkannte ich, dass ich Menschen wirklich mag. In Japan bleiben manche Menschen tief in ihrer Heimat verwurzelt, erschaffen Dinge von Grund auf und bringen ihre Überzeugungen in ihren Werken zum Ausdruck. Ich bewunderte ihre Stärke und die Bedeutung ihrer Worte, und schon bald verspürte ich den Wunsch, auch Teil dieser Welt zu werden. Ich begann auch zu glauben, dass ich durch die Herstellung von Gebrauchsgegenständen, anstatt rein ausdrucksstarker Skulpturen, eine engere Verbindung zu den Menschen aufbauen könnte.“

Nachdem er sich mit 27 Jahren für den Weg des Kunsthandwerks entschieden hatte, erhielt Nakada nur zwei Jahre später, im Alter von 29 Jahren, den Newcomer-Preis auf der Japanischen Ausstellung für Traditionelles Kunsthandwerk. Schon bald erregte er Aufmerksamkeit als aufstrebende Persönlichkeit in der Kutani-Keramikszene.

Nakadas Gefäße entstehen in vielen sorgfältigen Handarbeitsschritten. Am meisten Freude bereitet ihm dabei das Drehen an der Töpferscheibe, sagt er.

„Es ist ungemein befriedigend zu sehen, wie meine Vorstellungen durch meine Hände allmählich Gestalt annehmen. Früher konnte ich den Ton nicht so bearbeiten, wie ich es wollte, und hatte sogar das Gefühl, nicht besonders gut an der Töpferscheibe zu sein. Eine Zeit lang habe ich mit Gießverfahren gearbeitet, anstatt zu drehen. Aber nach Tausenden – Zehntausenden – von Wiederholungen entwickelte ich allmählich ein Gefühl für den Ton und konnte die Formen gestalten, die ich mir vorgestellt hatte. Jetzt liebe ich das Drehen an der Töpferscheibe wirklich.“

Welche Formen stellt sich Nakada also vor? Eine immer wiederkehrende Inspirationsquelle ist die Präsenz von Pflanzen.

„Zum Beispiel hat die Shinju Kosai Round Vase die Knospe der Michiko Renge, einer gefüllten Magnolie, als Motiv. Die Winter in Ishikawa, wo ich lebe, sind extrem kalt und feucht, aber wenn der Frühling kommt, beginnen viele verschiedene Pflanzen zu sprießen. Ich möchte in meiner Arbeit das Gefühl der Hoffnung, das ich in diesem Moment empfinde, sowie die Ordnung der Natur zum Ausdruck bringen.“

Abgerundete, organische Formen, die Hoffnung auf Leben wecken. Präzise strukturierte, symmetrische Gestalten, die von der Ordnung der Natur zu zeugen scheinen. Was diese Elemente noch deutlicher hervorhebt, ist der Ausdruck von Weiß. Wie Nakada selbst sagt:

 „Weiß „Es lässt keine Tarnung zu; es offenbart die Form mit größter Klarheit.“

Die wunderschönen Konturen, die er aus Ton zeichnet und die von einer unnachgiebig weißen Oberfläche freigelegt werden, sind der wesentliche Reiz von Nakadas Werk.

Die Werke, die Hoffnung und Ordnung verkörpern, gewinnen durch Nakadas originelle Technik, Shinju Kosai, an Tiefe. Diese Methode verleiht der Oberfläche einen eleganten, perlmuttartigen Glanz und eine matte Textur. Sie nutzt eine Eigenschaft, die beim Hochtemperaturbrand auftritt: Die durch die Hitze erneut erweichte, transparente Glasur des weißen Porzellans verschmilzt mit einer mineralischen Glasur, der sogenannten Perlglasur.

Nakada klebt mehrere Streifen Klebeband auf den Porzellankörper und justiert sorgfältig die Stellen, an denen die Perlglanzglasur sichtbar wird. Auf diese Weise kontrolliert er die Textur jedes einzelnen Gefäßes präzise.

„Bei Kutani-Keramik steht die Oberflächenverzierung im Mittelpunkt des Ausdrucks. Um aber die Form des Werkes selbst hervorzuheben, wollte ich nicht die Farben von Kutani Gosai verwenden. Stattdessen begann ich, über die Arbeit mit Weiß auf Weiß nachzudenken. Seit meiner Studienzeit war ich nie gut im Zeichnen, und selbst heute schäme ich mich fast für meine schlechten Zeichenkünste. Aber auf den Stücken, die ich selbst forme, kann ich die Linien zeichnen, die ich im Kopf habe.“

Obwohl Nakada aus einer Familie von Aufglasurmalern stammte, faszinierte ihn nicht die Malerei, sondern die Form. Insofern mag Shinju Kosai aufgrund seines Hintergrunds die natürliche Richtung gewesen sein, die er einschlug.

In einer Tradition, die häufig reichlich Kutani Gosai verwendet, werden Nakadas Werke manchmal als „unkonventionell“ oder „eine neue Richtung in der Kutani-Keramik“ beschrieben. Obwohl er eine gewisse Distanz zu solchen Charakterisierungen wahrt, spricht Nakada von dem Einfluss, den er von der Kutani-Tradition erhalten hat:

„Zum Beispiel ist meine Entscheidung, die Arbeiten nicht als schlichtes weißes Porzellan zu belassen, sondern Elemente wie Shinju Kosai einzubringen, auch darauf zurückzuführen, dass ich hier geboren und aufgewachsen bin. Die Kutani-Künstler in meinem Umfeld, darunter auch mein Vater, arbeiten unermüdlich an ihren Stücken und verfeinern sie kompromisslos. Von dieser Disziplin habe ich als Künstler sehr viel gelernt.“

Gleichzeitig ist Kutani heute die Heimat vieler unabhängiger Künstler, von denen viele ganz neue Ideen verwirklichen. Anstatt an traditionelle Techniken gebunden zu sein, entwickelt sich jeder auf seine eigene Weise frei. Ich denke, diese Offenheit ist eine der Stärken der Kutani-Keramik.“

Der japanische Schriftsteller Inagaki Taruho bemerkte einst, dass die Poesie der Geschichte vertikal gegenübersteht. Im Gegensatz zur langen und reichen Geschichte der Kutani-Keramik erhebt sich Nakadas weißes Porzellan aufrecht als eigenständiger Ausdruck. Inspiriert von Ehrfurcht vor der Tradition und zugleich dem persönlichen Willen, diese zu überwinden, strahlt sein Porzellan eine stille Leuchtkraft und eine starke Präsenz aus.

„In Japan bleiben manche Menschen tief in ihrer Heimat verwurzelt, gestalten Dinge von Grund auf neu und verkörpern ihre Überzeugungen in dem Werk, das sie hinterlassen. Ich bewunderte ihre Stärke und die Bedeutung ihrer Worte, und schon bald verspürte ich den Wunsch, auch Teil dieser Welt zu werden.“

Nakada Hiroshi beschreitet seinen ganz eigenen Weg und formt weiterhin neue Werke. Es ist schwer, den Blick von dem abzuwenden, wohin ihn seine künstlerische Entwicklung als Nächstes führen wird.