Tamura Seito: Kalligrafie auf Kutani-Ware, eine Verbindung durch die Zeit

Die feine Spitze eines Pinsels, getaucht in schwarzes Pigment, berührt glasiertes Porzellan. Obwohl nur wenige Haare dick, biegen sich die Borsten kaum, während sie über die Oberfläche gleiten. Ein einzelner Strich vollendet, hebt sich der Pinsel kurz, dann setzt er erneut auf. Er scheint zu zittern, doch seine Bewegungen sind sicher, während sie eine neue Linie herausarbeiten: eine dickere Serife. Zwei weitere Striche, und scheinbar unverbundene Linien fügen sich zusammen. Ein japanisches hiragana Zeichen ist entstanden. Bald nimmt ein ganzes Gedicht Gestalt an, tausend Jahre alte Worte atmen mit Leben auf Keramik.

Dies ist die Arbeit von Tamura Seito, der Nachfolgerin in vierter Generation einer Technik, die als Kutani mohitsu saijibekannt ist, oder Kutani Pinselschrift-Mikrokalligrafie. Als einzige verbliebene Künstlerin dieses Stils verbindet sie gekonnt ausdrucksstarke Glasuren mit waka Gedichten, um einheitliche Stücke zu schaffen, bei denen die leeren Räume zwischen den Zeichen ebenso viel erzählen wie die Worte selbst.

Wir haben uns mit ihr zusammengesetzt, um über die Rückkehr zu ihren Wurzeln zu sprechen, über die Kreativität, die im Negativraum lebt, und darüber, wie die Gedichte von Menschen vor mehr als tausend Jahren heute noch Resonanz finden.

Den Wert des eigenen Anfangs wiederentdecken

„Um ehrlich zu sein, hatte ich überhaupt kein Interesse daran, das Familienunternehmen zu übernehmen", gesteht Tamura. „Stattdessen wollte ich wirklich ins Ausland gehen und einen Bürojob ausprobieren. Ich wollte sehen, wie ein Unternehmen funktioniert."

Es ist schwer vorstellbar, umgeben wie sie jetzt von ihren Arbeitswerkzeugen ist: mindestens fünf Gläser mit Pinseln auf ihrem Schreibtisch aufgereiht, die Drehscheibe eines Töpfers an ihrem Ellbogen und in Arbeit befindliche Werke ordentlich auf Regalen in der Ecke gestapelt.

„Mein Vater hat immer dieselbe Arbeit allein zu Hause gemacht, also erschien es mir einfach ziemlich schlicht."

Obwohl sie Kutani mohitsu saiji bei ihrem Vater Tamura Keisei studierte, schloss Tamura 2004 auch ihr Studium an der University of Tsukuba, School of International Studies, ab. Sie verbrachte die nächsten drei Jahre im Vertrieb, eine Arbeit, die sie sehr genoss. In dieser Zeit begann sie auch, die Arbeit ihres Vaters in einem anderen Licht zu sehen. Die Produkte, denen sie in Geschäften begegnete, konnten einfach nicht mit den Stücken mithalten, die sie ihn jeden Tag hatte schaffen sehen.

„Andere Dinge wirkten im Vergleich oberflächlich. Wenn dieses Qualitätsniveau seit der Kindheit einfach Teil Ihres täglichen Lebens ist, gewöhnt sich Ihr Auge natürlich daran."

Tamura begann auch zu denken, dass sie etwas schaffen wollte, das sie im Laufe der Zeit weiter aufbauen konnte – etwas, das Bestand haben und bleiben würde.

„Um diese Zeit", fährt sie fort, „als ich darüber nachdachte, welcher Arbeit ich mein Leben widmen wollte, wurde mir klar, dass mein Vater der letzte Handwerker war, der Kutani mohitsu saiji praktizierte. Sobald er nicht mehr da wäre, würde die Technik selbst verschwinden."

Sie beschloss, wieder zur Schule zu gehen, diesmal um Keramik zu studieren, und schloss 2007 einen Ausbildungskurs am Ishikawa Prefectural Kutani Ware Technical Training Institute ab. Sie begann bereits 2008 auszustellen und widmet sich seither gewissenhaft dem Handwerk.

Obwohl sie sich von ihrem Vater und Großvater, dem Tamura Kinsei der zweiten Generation, inspirieren lässt, hat sie stetig ihre eigene künstlerische Stimme entwickelt.

„Ich möchte sanfte Zeichen schreiben", sagt sie über ihre Schrifttechniken und verwendet ein Wort, das gleichermaßen sanft, weich oder freundlich bedeuten kann. „Zeichen mit einem Gefühl von Geschmeidigkeit oder Flexibilität. Ich gestalte meine Stücke so, dass sie aus jedem Blickwinkel gut aussehen. Letztendlich hoffe ich, dass die Person, die meine Stücke willkommen heißt, diejenige sein wird, die das Werk vollendet."

Auf diese Weise werden „sanfte" Zeichen nicht nur zu einer Frage von Form oder Technik, sondern zu einer Rücksichtnahme auf den Benutzer. Kalligrafie, die nicht nur auf das Gefäß reagiert, auf das sie gemalt ist, sondern auch auf die Stimmung der Person, die sie genießt – das bildet den Kern von Tamuras Arbeit.

Das Werk sprechen lassen

Doch Tamuras Kunst endet nicht bei der Mikrokalligrafie. Tatsächlich beginnt sie lange bevor der Kalligrafiepinsel überhaupt die Keramik berührt. Ein weiteres Merkmal ihrer Kreationen sind ausdrucksstarke Glasuren sowie Designs, die in den traditionellen fünf Farben der Kutani-Ware gemalt sind, den Kutani gosai.

Die Art und Weise, wie Tamura Techniken kombiniert, offenbart einen weiteren Aspekt ihres flexiblen und responsiven künstlerischen Ansatzes. Ihre Washi-Serie beispielsweise zeigt eine strukturierte weiße Glasur, die an feines washi Papier erinnert. Die Glasur wird aufgesprüht und erzeugt jedes Mal ein anderes Muster. Tamura passt die Platzierung der Zeichen an die natürlichen Verschiebungen der Glasur an. Sie beschriftet all ihre Arbeiten mit bloßem Auge. Keine Lupe ist beteiligt, selbst bei den kleinsten Zeichen.

Auch die Farben variieren bei jedem Stück. Einige kommen mit rosa Untertönen aus dem Ofen; andere tendieren zu Gelb. Erst dann entscheidet Tamura über die Richtung der Arbeit. Sie könnte Kirschblütenmotive oder frühlingsbezogene Gedichte für ein rosa Stück wählen, während sie Herbstlaub und Themen zu gelblich getönten Gefäßen bringt. Das Kunstwerk wird so in jeder Phase neu gefunden.

Die Gedichte, die Tamura wählt, und die Oberflächen ihrer Werke stehen im Dialog miteinander.

„Mit dieser weißen Glasur, wenn ich ein Gedicht zum Thema Schnee einbringe, sieht es aus wie Schnee; wenn ich ein Gedicht über Kirschblüten einbringe, sieht es aus wie im Wind verwehte Blütenblätter." Ein weiteres Beispiel gebend, sagt sie: „Manchmal beabsichtige ich von Anfang an, eine rote Glasur zu verwenden, weil ich ein Ahornblatt-Gedicht einbeziehen möchte; je nachdem, wie es sich entwickelt, könnte ich entscheiden, dass es zu Kirschblüten passt, oder es könnte zu einem Gedicht über die Abenddämmerung passen. Also entscheide ich nicht alles im Voraus. Die Arbeit entsteht durch diesen Prozess, neue Möglichkeiten in dem zu sehen, was entsteht."

Doch Tamura lässt absichtlich leeren Raum, sowohl wörtlich – nur sehr wenige ihrer Gefäße sind vollständig mit Text oder Muster bedeckt – als auch konzeptionell.

„Ich schaffe gerne eine Atmosphäre, die es den Betrachtern ermöglicht, ein Stück selbst zu interpretieren", sagt sie.

Gedichte auf einer Reise

Die Gedichte eignen sich gut für diese Kunst des negativen Raums. Die meisten sind Waka aus Japans ältesten Gedichtanthologien: dem Manyoshu, zusammengestellt im späteren Teil der Nara-Zeit (710–794 n. Chr.), und dem Kokin Wakashu (ca. 905–920 n. Chr.).

„Waka enthalten nur einunddreißig Silben", sagt Tamura, „also füllen Sie die Lücken mit Ihrer Vorstellungskraft. Sie reflektieren über das Gedicht, während Sie etwas in sich selbst hervorrufen."

In klassischem Japanisch verfasst, ist der Inhalt selbst für die meisten japanischen Muttersprachler nicht besonders leicht zu verstehen. Aber für Tamura ist das Teil der Anziehungskraft.

„Ich denke, es ist gut, nicht alles vollständig zu verstehen. Es gibt keinen Reiz in einer Auflistung dessen, was an diesem Tag geschah, oder in einer Schlussfolgerung nach der anderen. Stattdessen, selbst wenn Sie nicht lesen können, was geschrieben steht, wenn es sich dennoch wie Japanisch anfühlt, denke ich, ist das genau richtig. Wenn es genau an der Grenze liegt zwischen ‚kann es lesen, kann es nicht lesen'. Das ist der Punkt, den ich mit meiner Kalligrafie anstrebe."

Das japanische Schriftsystem enthält drei Schriften: Kanji, also aus dem Chinesischen entlehnte Zeichen; Katakana, ein phonetisches System, das oft für Lehnwörter verwendet wird; und Hiragana, die hauptsächliche phonetische Schrift.

„Die Schönheit von Hiragana, das asymmetrisch ist, ist etwas Einzigartiges für Japan, und ich möchte das wirklich bewahren. Diese streuende Qualität, dieses Gefühl, unregelmäßig und doch harmonisch zu sein, ist das, was ich anstrebe."

Ihre visuellen Qualitäten können für sich selbst geschätzt werden, unabhängig davon, ob man ihre Bedeutung versteht oder nicht.

Während Tamura mit Liebesgedichten begann, fühlt sie sich heute zu Gedichten über Menschen auf Reisen hingezogen. Es scheint passend für eine Künstlerin, die ihre Lebensberufung fand, indem sie ihr Zuhause verließ und wieder zurückkehrte.

„Ich habe das Gefühl, dass ich mich stark auf die Kraft dieser Gedichte verlasse." Obwohl ihre Arbeit einsam sein mag, schafft Tamura nicht allein. Die Gedichte, die Sprache und die Sensibilität, die sie tragen, wurden über Jahrhunderte weitergegeben. Ihre Rolle besteht darin, ihre Kraft und Schönheit zu leihen, ihre eigene Perspektive hinzuzufügen und sie erneut durch Kutani-Ware sprechen zu lassen.

Briefe, die über tausend Jahre gesendet wurden

„Dass ein Gedicht, das von einer Person vor so langer Zeit verfasst wurde, bis heute zu uns getragen wurde – ist das nicht erstaunlich? Obwohl diese Person so weit in der Vergangenheit lebte, war sie dennoch ein Mensch, genau wie wir. Die Emotionen sind dieselben. Ein Waka ist ein Lied, aber es ist auch wie ein Brief. Diese Worte zu lesen und mit jemandem zu empfinden, der vor über tausend Jahren geboren wurde – daran ist etwas zutiefst Bewegendes."

Tamuras Arbeit ist ebenfalls wie ein Brief. Ein in der Zeit festgehaltener Moment, der auf den Empfänger reagiert, ist erst dann wirklich vollendet, wenn er einen anderen Menschen erreicht. Jedes von Tamuras Gefäßen soll von demjenigen vollendet werden, der es hält. Ein antiker Reisender, der sich auf eine Reise begibt, eine Künstlerin der vierten Generation, die in ihrem Atelier malt, und, über einen Ozean hinweg, eine Person, die eine Blume in eine mit Kalligrafie verzierte Vase stellt und sie dreht, um das Licht dieses Tages genau richtig einzufangen. Jede Person und jeder Moment ist verbunden, ein sanfter Brief der Menschlichkeit, der immer im Prozess des Geschriebenseins ist.

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