Líneas doradas y formas en expansión: la obra de Ishitomi Shunjiro

Desde el otro lado de la habitación, un destello de luz metálica capta la mirada. Pero es la complejidad bajo la superficie lo que atrae. Muchas de las obras de Ishitomi Shunjiro se despliegan en delicadas líneas negras, construidas lentamente hasta formar un caleidoscopio de formas, y luego superpuestas con destellos de tonos dorados y plateados.

Su porcelana puede parecer centrada en el brillo y la decoración, pero al observar más de cerca, se encuentra algo más deliberado. Los patrones dibujados a mano se expanden hacia afuera, guiados por el ritmo y el instinto. Arraigada en las técnicas tradicionales de Kutani, su obra las reinterpreta con detalle nítido y contención moderna, creando piezas que aportan una claridad gráfica y serena a los interiores contemporáneos. Es Kutani ware filtrada a través de un estilo que se ha vuelto completamente suyo.

Conocimos a Ishitomi en su estudio en casa en Kanazawa, donde la luz natural se filtraba a través de ventanas cubiertas de shoji, proyectando un resplandor sereno sobre la porcelana en exhibición. Su nicho tokonoma estaba lleno de piezas de diferentes etapas de su carrera: tazas, platos y jarrones colocados al azar.

Sobre la mesa baja frente a nosotros, un grupo de tazas de té brillaba con detalle intrincado. Sus patrones se desplegaban como pétalos o vitrales, reflejando los mismos diseños y técnicas presentes en sus jarrones.

Desde la distancia, el diseño parecía flores en floración. Pero cuanto más mirábamos, más cambiaba, convirtiéndose en algo no del todo floral, no enteramente geométrico.

"La gente a menudo me pregunta qué se supone que representa la imagen", dijo Ishitomi, sosteniendo la pieza en su mano.

"Pero siempre les digo que la vean a su manera. Depende de la persona. Algunos dicen fuegos artificiales. Algunos dicen frescos italianos. Incluso he escuchado a alguien decir que parece células bajo un microscopio. Intento no guiar la interpretación".

Cuando se le preguntó sobre la fuente de inspiración detrás de las formas densamente entrelazadas en su cerámica, Ishitomi respondió con naturalidad: "Para mí, es la música. Cuando pinto, siempre estoy escuchando algo. Mozart, punk rock, lo que esté sonando. Suena constantemente mientras trabajo". Su estudio está en una zona residencial tranquila, así que generalmente escucha con auriculares. "Si pudiera, lo pondría a todo volumen", añadió con una sonrisa. "Realmente subirlo al máximo".

Uno podría asumir que una canción en particular despertaría una imagen específica en su obra. Pero según Ishitomi, ese no es el caso. "No dibujo una pieza pensando en una canción o género en particular. Es más que escucho mientras avanzo, y el ritmo encuentra su camino hacia mi diseño".

El camino de Ishitomi hacia la cerámica no fue planeado, pero mirando atrás, se siente inevitable. "Teníamos parientes que dirigían un mayorista de Kutani ware", recuerda. "Durante las visitas de Año Nuevo, veía estas piezas hermosas. Creo que eso se quedó conmigo".

Después de la secundaria, decidió seguir su interés por el dibujo y se inscribió en el Instituto de Formación Técnica de Kutani Ware de la Prefectura de Ishikawa. Al graduarse, comenzó un aprendizaje en Kinzan Kiln, el taller del Poseedor de Patrimonio Cultural Intangible Importante Yoshita Minori, reconocido por su dominio del yuri-kinsai, pan de oro bajo cubierta. Allí, Ishitomi no solo aprendió técnica, sino que también absorbió los ritmos y la disciplina de la formación artesanal de la vieja escuela.

"Era estricto", dice. "En aquel entonces, todavía había muchos artesanos mayores. No te lo ponían fácil, pero las habilidades que aprendí fueron invaluables. Ese tipo de experiencia es rara ahora. Creo que apenas alcancé el final de esa era".

Después de muchos años en Kinzan Kiln, Ishitomi comenzó a trabajar de forma independiente. "Creo que han pasado unos cuatro o cinco años ahora".

Ahora trabaja desde un estudio cerca de su casa, pasando sus días inmerso en su práctica, rodeado de melodías cambiantes y la exuberante vegetación justo afuera de su ventana, como algo salido de una película animada.

Entre al estudio de Ishitomi, y encontrará no solo obras terminadas alineadas junto a la ventana, sino herramientas, papeles y piezas a medio pintar en movimiento silencioso. Su proceso no es una secuencia rígida, sino un ritmo continuo de ajuste e intención.

Comienza con chikushi, un papel de calco suave, para marcar guías aproximadas de equilibrio. Usando un compás o líneas a mano alzada, esboza una cuadrícula básica a lápiz. A partir de ahí, comienza a pintar patrones dentro de cada sección, uno por uno. La disposición no es fija. Las secciones pueden moverse, recortarse o redibujarse por completo según cómo se desarrolle la composición.

La pintura en sí se realiza con pinceles ultrafinos, a menudo recortados a mano. Su pigmento preferido es el gosunegro, que es notoriamente difícil de controlar en líneas finas. "Comparado con el rojo, el negro no fluye tan suavemente", explica. "Las partículas de pigmento son más grandes, por lo que resiste la precisión". Pero para Ishitomi, esa resistencia es donde la obra comienza a hablar.

Una vez pintada, la pieza se cuece. Luego se añade otra capa, a veces nuevos patrones, texturas mate, a veces oro o platino, y la pieza se cuece nuevamente. "A través de la experiencia, he llegado a saber cuándo una capa necesita ser corregida antes de continuar", dice. "El oro, por ejemplo, a veces requiere tres cocciones separadas". Las temperaturas de cocción varían según los materiales, con el oro alrededor de 600°C (1112°F) y el platino requiriendo un calor ligeramente menor para mantener su brillo.

No hay una plantilla rígida. Ajusta cada sección mientras pinta, observando cómo interactúan las líneas y cómo cambia el equilibrio. Lo que resulta no es simplemente ornamentación; es estructura, movimiento y textura construidos a mano.

Este proceso de dibujar, cocer y refinar puede extenderse durante meses. Sus jornadas laborales, a veces, van desde la mañana hasta bien pasada la medianoche, un tramo solitario de horas moldeado por la concentración y la música.

Ninguna pieza es igual a otra, no solo por diseño, sino porque el proceso mismo evoluciona mientras pinta.

Ishitomi dice que no siempre sintió atracción por el oro.

"Después de trabajar con él durante más de treinta años, he llegado a apreciar su brillo. Algunos pueden verlo como llamativo, pero me gusta la forma en que resplandece. Y no creo que la manera en que lo uso resulte nunca excesiva", explica.

Hoy en día, siente que está más cerca que nunca de crear obra que refleje quién es.

"Últimamente, he comenzado a percibir que lo que imagino en mi mente y lo que surge en la pieza final están empezando a alinearse. Ha tomado tiempo, pero es gratificante".

Además de sus características líneas negras de gosu y detalles en oro, sus piezas también presentan una paleta suave de lavanda-púrpura, ofreciendo una impresión más delicada mientras mantienen el mismo nivel de complejidad.

Ishitomi ha encontrado un estilo que se siente auténtico, uno que es inconfundiblemente suyo. A medida que su paleta se expande y sus patrones continúan evolucionando, su obra avanza: mesurada, intencional y enteramente propia.