Taruta Hiroshi: Leuchtende Linien, in Celadon geschnitzt

Zarte Lichtstrahlen, die wie Sonnenstrahlen durch Wolken durch Porzellan scheinen. Wellen, die zwischen Licht und Schatten zu wechseln scheinen. Das ist linear. hotarudeHotarude ist der charakteristische Stil des Seto-Keramikkünstlers Taruta Hiroshi. Wörtlich übersetzt bedeutet Hotarude „Glühwürmchentechnik“. Dabei werden feine Ausschnitte in Porzellan geschnitzt, das mit einer durchscheinenden Glasur überzogen ist. Beim Brennen schmilzt die Glasur über die Ausschnitte und schafft so ein Gefäß, das nahtlos ist und dennoch Licht durchlässt, wie die hellen Punkte von Glühwürmchen, die in einer seidenen, dunklen Nacht tanzen.

Team Musubi besuchte Tarutas Atelier in der historischen Töpferstadt Seto, um mehr über seinen Werdegang als Künstler und die Herstellung seiner anmutigen Gefäße zu erfahren. Dort entdeckten wir einen langen Weg des Experimentierens, der ihn immer wieder zu neuen Entdeckungen in der Welt der Hotarude führt.

Taruta hatte nicht geplant, Künstler oder gar Töpfer zu werden. Auch Keramik lag ihm nicht im Blut; sein Vater arbeitete als Lackkünstler und fertigte buddhistische Altargegenstände. Doch auch Taruta wurde nicht dazu gedrängt, das Lackhandwerk zu erben. Vielmehr war es der Wunsch, mit den Händen zu arbeiten, gepaart mit dem klaren Wissen, was er nicht tun wollte, was Taruta dazu brachte, sich der Keramik zuzuwenden.

„Als es dann um die Aufnahmeprüfungen für die weiterführende Schule ging“, erinnert sich Taruta, „war es im Grunde ein Ausschlussverfahren. So nach dem Motto: ‚Ich will nicht auf eine allgemeinbildende, technische oder kaufmännische Schule gehen.‘“

Er hatte im örtlichen Materialmuseum, dem heutigen Keramikmuseum der Präfektur Aichi, bereits Erfahrungen mit Keramik gesammelt, und die historischen Produktionszentren der Seto- und Tokoname-Keramik liegen in der Nähe seiner Heimatstadt Nagoya. Schließlich entschied er sich für ein Studium in Seto.

„Ich bin damals nicht mit der Absicht zur Seto Ceramics High School gegangen, Keramikerin zu werden. Aber ich konnte mir nie vorstellen, einen Beruf auszuüben, in dem man einen Anzug trägt. Ich mochte es, Dinge herzustellen, und da ich mich mit Töpferei beschäftigte, reizte mich die Idee, selbst zu denken, nach meinen eigenen Vorstellungen zu gestalten und diese Werke direkt zu den Menschen zu bringen.“

Nach dem Schulabschluss studierte Taruta zwei weitere Jahre in einem Aufbaustudiengang an derselben Schule, bevor er eine Lehre beim Töpfer Hatano Masanori begann. Dort nahm seine künstlerische Vision Gestalt an.

„Während meiner Lehrzeit machten wir um 15 Uhr Pause und unterhielten uns. Er fragte: ‚Was möchtest du machen?‘ oder ‚Was gefällt dir?‘ Dann sprachen wir über Tarutas Interessen: das Weiß des Porzellans und das helle Blau des Seladons; Architektur und Schnitzereien. Das Licht, das durch Wolken oder einen Türspalt fiel. Die geheimnisvolle Ausstrahlung von Hotarude. Andere lokale Künstler waren für ihre Hotarude-Technik bekannt, bei der kleine Einstiche oder runde Löcher in den Ton eingearbeitet wurden, aber Hatano bemerkte: ‚Ich habe noch nie Hotarude mit Linien gesehen.‘ Das inspirierte Taruta, seine Interessen zu vereinen und sich der Herausforderung linearer Hotarude-Muster zu stellen.“

Ausgehend von kurzen, geschnitzten Linien beschritt Taruta einen langen Weg des Experimentierens. Er verfeinerte die Glasurzusammensetzung, experimentierte mit verschiedenen Schnitztechniken, um Lichtabstufungen zu erzeugen, und verdickte die Linien. Anfangs misslangen 90 Prozent der Stücke direkt nach dem Brennen. Doch durch ausgiebiges Ausprobieren fand er schließlich seinen eigenen Stil.

Der nächste Wendepunkt für Taruta war sein Work-and-Travel-Aufenthalt in Deutschland, gefolgt von einer Rucksackreise durch Europa im Alter von 28 Jahren. Damals hatte er Zweifel, ob seine Arbeit gut genug sei, aber die positive Resonanz, die er im Ausland erfuhr, gab ihm die Zuversicht, dass er auf dem richtigen Weg war. 

Obwohl er kein Deutsch sprach, besuchte er einen zweiwöchigen Kurs an einer deutschen Töpferschule und besichtigte Künstlerateliers. Die Unterschiede waren überraschend. Die Töpferscheibe dreht sich in die entgegengesetzte Richtung – gegen den Uhrzeigersinn statt im Uhrzeigersinn. Die Handpositionen beim Kneten des Tons sind vertauscht. Selbst der Umgang mit Werkzeugen ist anders. Und obwohl er sich zuvor nur für architektonische Formen interessiert hatte, begann ihn nun auch die Natur zu berühren – eine Lektion, die Taruta von Hatano gelernt hatte und die er nun endlich verstand.

„Mehr noch als Künstlerin“, fügt Taruta hinzu, „war es prägend für meine Denkweise. Die Erfahrung einer fremden Kultur lässt einen erkennen, dass sie sich grundlegend von der eigenen unterscheidet. Sie funktioniert nicht nach den gewohnten Prinzipien. Mir wurde meine eigene Winzigkeit bewusst – dass ich bisher nur einen winzigen Punkt auf der Welt erlebt hatte. Das war eine enorm wichtige Erfahrung für mein Leben.“

Bei den Hotarude-Stücken selbst formt Taruta zunächst den Porzellanrohling auf der Töpferscheibe. Anschließend bearbeitet er ihn durch Abtragen und Hobeln, bis er die gewünschte Grundform erreicht hat. Mit schnellen, geschickten Bewegungen schneidet er Linien bis zur Hälfte in den Ton. Dann folgt er diesen Linien und arbeitet den Ton vollständig aus, indem er nicht nur eine Öffnung in der Oberfläche schafft, sondern so lange meißelt, bis er zart fließende Formen erhält. Um Bewegung zu erzeugen, schnitzt er den Boden seiner Stücke so, dass er an die eleganten Faltungen von Origami erinnert.

Hotarude ist technisch anspruchsvoll. Vor Tarutas Atelier türmt sich ein Stapel „misslungener“ Stücke: solche mit Löchern, wo die Glasur die Vertiefungen nicht vollständig ausgefüllt hat, oder mit Rissen, die durch das Schrumpfen von Glasur und Ton beim Brennen entstanden sind. Selbst diese Stücke waren wunderschön. Meine Kollegin war so begeistert, dass sie die Erlaubnis bekam, eines mitzunehmen, um zu versuchen, ein winziges Loch mit … zu füllen. KintsugiDas zeigt, dass die Arbeit eines Künstlers nicht immer linear verläuft und dass selbst professionellen Künstlern Brennvorgänge unterlaufen, die nicht gelingen.

Tatsächlich ist Scheitern ein wichtiger Bestandteil des Prozesses, insbesondere wenn Taruta mit neuen Serien experimentiert. Er passt Elemente wie die Brenntemperatur an, um die gewünschten Ergebnisse zu erzielen, doch selbst Zufälle können unerwartete Schönheit hervorbringen. Kürzlich entsprach eines von Tarutas Werken nicht den Wünschen eines Kunden, der dennoch sagte: „Hey, das ist gut! Würden Sie es mir verkaufen?“

Durch das Experimentieren und das Zusammenfügen von Gestaltungselementen auf unterschiedliche Weise werden neue Aspekte der Werke hervorgehoben, da sich Tarutas Arbeit ständig wandelt.

Taruta stellte uns anschließend vier verschiedene Serien seiner Werke vor: Yuragi (Fluktuation), Hikari und Uzu (Lichtwirbel), Hikari wo Mato (in Licht gehüllt), und YStunde mit Hikari (Sanftes Licht).

Die Fluktuation zeichnet sich durch lange, elegante Linien aus, die freihändig gezeichnet und so bearbeitet wurden, dass eine abgestufte Dicke im Porzellan entsteht. Das Ergebnis ist eine besondere Textur und ein Glanz, der an den dünnsten Stellen des Porzellans besonders brillant zur Geltung kommt.

Während die Werke der Fluctuation-Serie freihändig gezeichnet werden, sind die rhythmischen Wirbel von Whirl of Light gleichmäßig angeordnet – eine Form, die an die mathematische Physik eines Strudels erinnert.

Aufbauend auf beiden künstlerischen Ideen entstand die Serie „Clad in Light“, bei der dickere Linien so positioniert sind, dass sie den sanften Fall des Stoffes andeuten. 

Schließlich gibt es noch „Soft Light“. Die dicken, freihändig gezeichneten Linien erinnern an „Clad in Light“, doch der Rhythmus ist abwechslungsreich: Lange Linien wechseln sich mit kurzen ab, und ihre bewusst zufällige Anordnung soll die Bewegung von sanftem Licht imitieren. Anders als bei den anderen drei Serien ist das Porzellan hier an beiden Seiten der Aussparungen abgerundet, wodurch eine weiche, fließende Anmutung ohne scharfe Kanten entsteht.

Das Besondere an diesen Objekten ist nicht nur ihre Zartheit, ihr ätherisches, helles Celadon oder ihre anmutigen Schnitzereien. Was sie auszeichnet, ist ihre Interaktion mit der Umgebung. Jedes Objekt ist ein Gefäß, das nicht nur Matcha oder Sake, sondern auch Licht birgt. Jedes Werk lässt Licht einströmen, fängt es sanft ein und wirft es auf die Außenseite des Objekts in die Schatten, die der Lichtquelle gegenüberliegen. So offenbart jede Tageszeit und jede Jahreszeit ein neues Lichtspiel. Dreht man das Gefäß oder positioniert es relativ zur Lichtquelle oder auf Augenhöhe, so wird es auf immer neue Weise beleuchtet. Es handelt sich um interaktive, dreidimensionale Skulpturen, die sowohl das Innere als auch das Äußere des Objekts, die Umgebung und den Platz des Betrachters im Raum einbeziehen.

Taruta experimentiert weiterhin mit Variationen der Hotarude-Technik und lotet deren Grenzen aus. Zu seinen jüngsten Werken zählen tropfenförmige Kaskaden aus kurzen Linien und immer höher werdende Vasen. Andere Werke reduzieren alles auf das Wesentliche: eine einzige geschnitzte Linie, umgeben von der erfrischenden Wirkung des Negativraums. Wieder andere erkunden den Kontrast zwischen matter weißer Glasur und glänzendem Seladon.

Normalerweise brennt Taruta mit einem Gasofen, aber ein aktuelles Projekt beinhaltet noborigama Feuern. Auch bekannt als ein KletterofenEin Noborigama ist eine Art traditioneller Holzofen, der aus mehreren, an einem Hang ansteigenden Kammern besteht. Mithilfe eines Noborigama experimentiert Taruta mit einer Technik namens Sodafeuer, die einzigartige Farbveränderungen hervorruft. Unterschiedliche Brennöfen erzeugen unterschiedliche Oberflächen: Stücke, die in Zusammenarbeit mit einem amerikanischen Team im Noborigama der Nagoya Gakuin Universität gebrannt wurden, weisen einen zarten rosa Schimmer auf, während andere, die im Keramikmuseum der Präfektur Aichi gebrannt wurden, einen orangenen Farbton haben. In einigen Fällen haftete Kohlenstoff, der nicht in die nächste Ebene des Noborigama aufgestiegen war, an der Oberfläche der Stücke und erzeugte eine rauchgraue Landschaft, die einen wunderschönen Kontrast zum hellen Seladon bildet.

Über seine Erfahrungen beim Besteigen von Brennöfen sagt Taruta: 

„Die uralte Praxis des Holzfeuers ermöglicht es, die Flammen direkt zu sehen. Es war eine wertvolle Gelegenheit, die rohe Kraft des Feuers und die grundlegende Wahrheit, dass es die Flamme ist, die das Werk vollendet, erneut zu bekräftigen.“

Mit jeder neuen Variation eröffnen sich weitere Möglichkeiten der Hotarude in elegant wechselnden Lichtmustern.

Man kann sich das gut vorstellen, wenn man Tarutas Entwürfe betrachtet: Jeder einzelne entstand Stück für Stück, Variationen eines Themas führten zu neuen und immer anmutigeren künstlerischen Ausdrucksformen. Als wir seine Werkstatt und Seto im Licht der untergehenden Sonne verließen, fragte ich mich, wohin uns Tarutas Lichtstrahlen als Nächstes führen würden.