Kanbata Shinya: Un mundo moldeado por el encuentro

Para el artista de Kutani ware Kanbata Shinya, una pieza comienza mucho antes del primer trazo de pincel. Desde la arcilla y la forma hasta la decoración de esmalte y el dorado final, cada decisión responde a una sola visión. En lugar de decorar una pieza terminada, construye un mundo entero.

Ese mundo ha tomado forma a través de encuentros significativos a lo largo de la carrera de Kanbata: con las técnicas y tradiciones de Kutani ware, con la arquitectura y los colores descubiertos en distintos lugares, y con personas e ideas de otros campos. Juntos, estos encuentros han dado forma a su arte, guiado por aquello que lo conmueve y arraigado en el deseo de crear obras que serán apreciadas.

Con Alguien en Mente

El camino de Kanbata hacia la cerámica comenzó en el programa de artesanía de una escuela técnica. Ya interesado en el dibujo, descubrió una clase de satisfacción en la arcilla: la capacidad de dar forma a algo con sus propias manos. Otra experiencia temprana dio a ese interés una dimensión más personal. Una pieza que había hecho en clase y regalado a la madre de un amigo fue recibida con calidez. Años después, descubrió que ella aún la usaba. Esto se convirtió en el punto de partida de su deseo de dedicarse a la creación como profesión.

"Tener la oportunidad de ver a alguien frente a mí disfrutar de algo que he hecho—me siento muy afortunado de poder realizar este tipo de trabajo."

Con el tiempo, esta consideración por la persona que recibe su trabajo se desarrolló en algo más amplio. Kanbata comenzó a pensar no solo en la pieza misma, sino en lo que su presencia podría aportar al tiempo y al espacio que la rodean.

Su visita a Francia ayudó a dar forma más clara a esta idea. Al ver lugares como la Catedral de Notre-Dame y la abadía de Mont-Saint-Michel, se sintió atraído por su arquitectura, detalles intrincados y colores, pero también por la sensación de entrar en los espacios mismos. Al entrar en iglesias y castillos, recuerda, experimentó la sensación de estar en un espacio sagrado, trayendo consigo una repentina claridad y compostura.

Lo que permaneció con él fue esta salida de la experiencia ordinaria. Gradualmente se conectó con lo que quería que su propio trabajo ofreciera.

"En lugar de simplemente dibujar patrones, creo con la idea de cambiar el espacio, o cambiar la atmósfera, para que el tiempo compartido con una de mis piezas se convierta en algo especial."

Construir un Mundo, Pieza por Pieza

En el centro del trabajo de Kanbata está la técnica que llama ebicha-saibyo, que combina líneas intrincadas con el color marrón rojizo apagado conocido como ebicha que se ha convertido en un sello distintivo de su práctica. Sin embargo, para Kanbata, ni las líneas ni el color existen como decoración aislada. Son elementos dentro de un mundo más amplio, concebidos junto con la pieza misma.

Una historia o concepto viene primero. Kanbata comienza con una imagen del conjunto terminado y trabaja hacia atrás. De esa visión surge la forma, la elección de arcilla y esmalte, y finalmente los motivos y su ubicación. Las ideas pueden pasar un tiempo considerable desarrollándose en cuadernos y bocetos antes de que comience a crear; para cuando se sienta al torno, ya sabe hacia dónde se dirige el trabajo.

Su propia comparación es arquitectónica:

"Trabajo con la idea de construir una estructura, como una iglesia o un palacio. Incluso dentro de un motivo circular, no solo estoy alineando patrones. En mi mente, estoy organizando partes individuales para crear un todo único."

Una de esas partes es el círculo. Su origen también puede rastrearse hasta los vastos rosetones de la Catedral de Notre-Dame. Kanbata recuerda haberse sentido casi atraído hacia ellos. La imagen ha permanecido con él desde entonces, y continuar dibujando formas circulares sirve, en parte, como recordatorio de un encuentro que ayudó a poner en marcha su dirección artística.

Sin embargo, los círculos en su trabajo no son símbolos con un significado fijo. Dentro de una composición, Kanbata los piensa más como componentes. Varía su tamaño y orientación y conecta algunos con finas cadenas, creando movimiento a través de la superficie. En sus obras anteriores relacionadas con el tiempo y el espacio, podían sugerir engranajes o esferas de reloj, con las cadenas trazando su movimiento.

Los arabescos se abordan de manera similar. A diferencia de los patrones continuos que a menudo se ven a través de una pieza, los arabescos de Kanbata aparecen en un área particular, muy parecido a un ornamento asignado a una sección de un edificio. Círculo, cadena, arabesco, esmalte y superficie sin decorar se reúnen como partes individuales de una construcción mayor.

El Ebicha-Saibyo Palacio en la Bruma Florero muestra cómo esta forma de trabajar también puede responder a lo que sucede en el horno. Su esmalte rosa pálido no fue un efecto que Kanbata originalmente buscara producir, pero una vez que apareció, encontró en él un tono que había estado buscando. Dejó áreas abiertas para que el esmalte mismo pudiera permanecer visible, equilibrando su superficie suavemente variada contra pasajes de pintura fina y oro.

Para Kanbata, un concepto fuerte hace posibles tales ajustes. Si un resultado inesperado en el esmalte aporta algo a la pieza, puede apartarse de lo que originalmente pretendía pintar. Mientras la historia subyacente permanezca clara, un cambio en un elemento no necesita desviar toda la composición de su curso.

El momento final llega con el oro. Cuando las áreas doradas emergen por primera vez del horno, sus superficies son opacas y ligeramente ásperas. Solo a través del pulido el oro adquiere su brillo final. Para Kanbata, el cambio tiene un peso emocional particular.

"Comienza a cobrar vida. Es como si finalmente se hubiera encendido un interruptor. Solo cuando comienza a brillar siento que, para mí, finalmente está completa."

El pulido es también una etapa que requiere la mayor concentración, ya que demasiada presión puede eliminar el oro. Sin embargo, es precisamente en este punto final que el trabajo se asienta en su lugar. A medida que la superficie comienza a brillar, Kanbata alcanza la tranquila certeza de que lo que imaginó se ha unido como debía.

Encontrar una expresión individual en Kutani ware

El estilo actual de Kanbata surgió gradualmente, a través de una serie de descubrimientos, no de una sola fuente.

Uno de los primeros llegó durante su tiempo en el Instituto de Formación Técnica en Cerámica Kutani de la Prefectura de Ishikawa. Como parte de sus estudios allí, Kanbata encontró akae-saibyo en una clase impartida por Fukushima Buzan, uno de los principales practicantes de la técnica. Aunque Kanbata siempre había disfrutado del trabajo detallado, aprender la técnica de primera mano reveló cuán exigente era. La dificultad solo profundizó su fascinación.

"Fue increíblemente difícil cuando comencé a aprenderlo, pero también lo encontré inmensamente disfrutable. Desde ese momento, mi admiración por akae-saibyo se volvió muy fuerte."

Sin poder aprender bajo la tutela de Fukushima, Kanbata persiguió saibyo de manera independiente. Las líneas que traza hoy son el resultado de años de práctica más que algo que dominó desde el principio.

La línea, sin embargo, era solo una parte de la expresión individual que Kanbata comenzaba a desarrollar. Otras surgieron a través del color.

Después de viajar por Francia, Kanbata intentó capturar la atmósfera que había permanecido con él usando los pigmentos disponibles, pero ninguno transmitía del todo lo que recordaba. Pensando en edificios de piedra, calles empedradas y mampostería, comenzó a mezclar pigmentos hasta llegar al ebicha distintivo que se volvería central en su paleta.

Francia fue solo una fuente. Kanbata también se ha sentido atraído por colores más allá de la paleta tradicional de cinco colores de Kutani ware, incluyendo el turquesa, así como patrones y elementos visuales encontrados en otras culturas. Sin embargo, no ve estas influencias como una forma de hacer que su trabajo parezca occidental, sino como una manera de expresar su visión interna.

"Los edificios allí estaban hechos de piedra y ladrillo, con calles empedradas. Comencé a mezclar mis propios pigmentos para acercar mis colores a esos tonos, y así fue como llegué al ebicha. Aunque estaba trabajando con los mismos materiales, descubrí que podía crear un mundo con la sensación de un lugar más allá de Japón. Ese fue el momento en que comencé a sentir que podría ser capaz de crear algo propio."

Un cambio adicional llegó a través del LEXUS NEW TAKUMI PROJECT de 2018, en el que Kanbata participó como representante de Ishikawa. Trabajar con un mentor durante el transcurso de un año lo alentó a dar mayor peso al concepto o historia detrás de cada obra, y a considerar cómo podría resonar con la persona que la encuentra. Comenzó a inspirarse no solo en lugares que había visto, sino también en mundos literarios como El Principito y Tren Nocturno en la Vía Láctea.

El proyecto también lo impulsó a mirar nuevamente lo que siempre lo había rodeado en Ishikawa. Conocer creadores de otras regiones, y escucharlos hablar sobre sus propios materiales y tradiciones locales, lo hizo consciente de la riqueza de la cultura artesanal que tenía en casa.

"Al escuchar todas estas historias diferentes, me encontré relacionándome profundamente con ese apego a la región de origen. Me hizo querer volver a mirar apropiadamente Kutani ware. Comencé a incorporar los esmaltes vítreos distintivos de Kutani que no había usado mucho antes, pensando que quizás mi propio trabajo podría convertirse en una oportunidad para que alguien descubra Kutani ware."

Incluso el nombre que Kanbata da a su técnica refleja esta evolución. El término japonés saibyo se escribe convencionalmente "細描". Mientras que el segundo carácter significa "dibujar", el primer carácter, 細 (sai), significa "fino" o "minucioso", refiriéndose al trabajo de líneas extraordinariamente delicado de la técnica.

Kanbata, sin embargo, eligió otro carácter con la misma pronunciación: 彩 (sai), que significa "color". La decisión comenzó en parte por respeto a la tradición que había aprendido del trabajo de Fukushima.

"Había estudiado la técnica, pero no era su aprendiz, y en ese momento no podía dibujar con ese grado de finura. Sentí que sería presuntuoso usar 細, así que decidí no hacerlo."

Kanbata inicialmente pensó que eventualmente podría reemplazar 彩 con 細 a medida que su técnica se desarrollara. En cambio, sucedió lo contrario. Su compromiso con el color se fortaleció, particularmente después del proyecto LEXUS. Ebicha, azules alterados y otros pigmentos que ajustó para adaptarse a su paleta se volvieron cada vez más centrales en su trabajo. Un carácter elegido inicialmente en parte por lo que sentía que aún no podía reclamar llegó a describir con mayor precisión el lenguaje artístico que había encontrado para sí mismo.

Las líneas mismas revelan otra desviación. Kanbata permite que cambios sutiles dentro del mismo trazo de pincel permanezcan, valorando el movimiento del pincel y la vitalidad que proviene de dibujar a mano. Ninguna línea puede reproducirse exactamente de la misma manera dos veces, y lleva ese principio a las piezas terminadas, cambiando detalles incluso entre obras relacionadas para que cada una permanezca distinta.

Más allá de la finalización

Kanbata sabe cuándo una obra se siente completa para él. Lo que sucede después de eso, sin embargo, es algo que deja abierto.

La Ebicha-Saibyo Window of Colors hace la distinción particularmente visible. La obra se inspira en una de las fuentes formativas del lenguaje artístico de Kanbata: las vidrieras y los interiores sagrados que lo afectaron en Francia.

Kanbata describe su trabajo como adquiriendo otra dimensión en posesión de otra persona. Regresa a la idea introducida anteriormente: una vasija puede estar ya completa en las manos del creador, pero otra experiencia se vuelve posible una vez que entra en las de otra persona.

La Ebicha-Saibyo Window with Gold incluida en esta colección reúne consideraciones prácticas que Kanbata ha aprendido a través de practicar el té él mismo. Círculos de diferentes tamaños y cadenas conectoras se mueven a través de un esmalte cuyas propias variaciones permanecen visibles. Kanbata vio la combinación como sugiriendo el paso del tiempo a lo largo del transcurso de un día.

Kanbata puede dar a una obra un título propio, pero no pretende que este defina cómo debe verse. Puede comenzar con una imagen particular en mente, pero no puede saber qué asociaciones llegará a tener para otra persona.

Colores que sugieren un atardecer o follaje otoñal para una persona podrían evocar flores de colza o los primeros signos de plantas emergiendo en primavera.

El Jarrón Ebicha-Saibyo Palace in the Haze deja otro tipo de elección a quien vive con él. Kanbata dio intencionalmente al frente y al reverso composiciones diferentes. El jarrón ya está completo sin flores. Una vez arreglado, sin embargo, cualquier lado puede convertirse en el frente según el entorno.

Existe un contraste notable entre esta apertura y la precisión del proceso de Kanbata. Antes de que una pieza llegue a este punto, el concepto, la forma, la decoración, los pigmentos y el pulido final han sido cuidadosamente considerados. Aunque sabe el momento en que la obra se siente terminada en sus propias manos, lo que puede llegar a ser permanece abierto.

Hacia Dónde Conduce la Obra

Unos diez años después de estudiar bajo Fukushima en el instituto de formación, Kanbata se encontró con él por casualidad en el aeropuerto de Haneda. No habían estado en contacto, pero lo saludó por su nombre, un reconocimiento que significó mucho para él.

Pasaron casi otros diez años antes de que lo invitara a participar en una exposición colectiva en Tokio. Al mirar atrás en el recorrido desde aprender por primera vez de Fukushima hasta finalmente exponer junto a él, Kanbata se emocionó. "Realmente tomó mucho tiempo", reflexionó. "Casi veinte años".

Existe una consistencia particular en su arte. Kanbata toma en serio de dónde proviene una técnica sin tratar la admiración como razón para reproducirla sin cambios. Estudia lo que vino antes, trabaja pacientemente a través del proceso y considera cuidadosamente cómo una técnica puede convertirse en parte de su propio lenguaje artístico.

Esa búsqueda ya no se limita a la cerámica. Kanbata ha colaborado con artistas del vidrio y con un artista de origami que trabaja con washihecho a mano, y está interesado en accesorios, joyería e incluso diseño de esferas de reloj. Estas posibilidades no son un deseo de dejar atrás Kutani ware. Ofrecen otros lugares a donde los colores y motivos que ha desarrollado pueden viajar.

Detrás de esa expansión hay una esperanza mayor.

"Quiero que mi trabajo se convierta en una razón para que alguien quiera conocer las tradiciones de Kutani, incluso el antiguo ko-Kutani. Si ese es el propósito, a veces pienso que no necesariamente tiene que ser cerámica".

La escala y complejidad de la práctica de Kanbata han cambiado considerablemente desde la vasija que hizo para la madre de su amigo en la preparatoria. Aun así, el impulso detrás de ella permanece reconocible: observar de cerca lo que lo conmueve, tratar sus orígenes con cuidado y, en última instancia, hacer algo que pueda encontrar significado en las manos de otra persona.

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